¿Por qué esta Canción es ÚNICA? | Air Conditionné - Julian Jeweil

Muy buenas a todos y bienvenidos a un nuevo vídeo de esta serie donde analizo temas clásicos de la música electrónica, donde nos adentramos de lleno en la producción musical de estos y vemos qué es lo que ha hecho que sean tan atemporales, que hayan formado parte de nosotros durante tantísimos años y todo lo que les queda, porque esto es la magia de que una canción rompa la barrera de ola temporal. A estas alturas ya hemos analizado temazos como El Rey de Ame o El Domino de Oxia, y en el pasado pues también he analizado otros temas clásicos muy buenos también. Si no te los quieres perder te voy a dejar un enlace a la playlist con todos estos vídeos vídeos aquí en la descripción de este vídeo para que te los veas después de ver este. Hoy nos vamos con otro de mis favoritos, un tema que lleva en mi playlist desde hace muchísimos años, desde que era bien chiquitito, y es ni más ni menos que el Air Condition de Julian Jewell, un nombre que siempre he pensado que es bastante curioso la verdad. Este tema recuerdo que yo lo descubrí en la radio yendo con el coche con mi madre, sí, sí, en la radio, y es que aquí en Cataluña teníamos una radio que se llama Flash FM, que ha sido la cuna o los inicios de la música electrónica para muchos chavales de mi quinta, por cosas de la vida, pues desde hace ya unos cuantos años, pues solamente por reggaeton, una gran pérdida la verdad, hay que decir. Rest in peace Flash FM. Dicho esto, vámonos a Ableton Life y vamos a ver qué es lo que le hace tan especial a este tema de minimal progresivo, si es que tenemos que ponerle alguna etiqueta. Venga, vamos para allá, que ya veréis que es bastante sencillito, es un tema muy sencillito pero muy resultón, bueno, bastante resultón y además es muy divertido de analizar. ¿El tema empieza con un beat bastante sencillo, vale? Que es un bombo a negras, tenemos también un hi hat a corcheas donde suena un kick, suenan dos hi hats básicamente, y uno de los primeros sonidos que empiezan a aparecer en esta producción y que ya te dan una pista o ya te empieza a sugerir de que este tema va a ser un poco diferente, es el snare. La caja de esta canción es más bien como una especie de cama de ruido, de ruido blanco súper deteriorado, más que una caja como tal, algo que suena más o menos así. Para conseguir esto básicamente lo que he hecho es un layering de dos capas, es decir, de dos snares, el primero que suena así y otro que le hace un adelanto. Fijaros que este pues está un pelín avanzado, el otro snare entra aquí, pues éste entra un pelín antes, pero en la producción esto suena como muy empacado, como si fuese todo uno, incluso apenas se nota la pegada de cuando entra el snare, es más un efecto que en otra cosa. Y para conseguir que todo esto suene un poquito más deteriorado y más empacado, lo primero que he hecho es utilizar un compresor. Sin el compresor, pues esto sonaría así, fijaos, con mucho más ataque, mucha más pegada. Y lo que hago con el compresor es cargarme todo el ataque, ponerlo al numerito más pequeño, lo más corto posible, un release largo para que mantenga la compresión y el ratio pues lo más potente que podamos. ¿Veis? Esto es precisamente la configuración que no tenéis que hacer cuando queréis que un sonido tenga pegada, como por ejemplo un bombo. Buscamos todo lo contrario. Para hacer este efecto así de ruido deteriorado, pues aquí utilizamos el Erosion, que es un plugin bastante guay de Ableton Light, que básicamente lo que hace es meterle un poquito de ruido. Pero uno de los efectos que nos vamos a encontrar durante todo este tema es un efecto que hace que deteriore el sonido, que lo degrade. Y para esto en Ableton Live tenemos un plugin muy guay, muy divertido que se llama Redux, que es este de aquí. Fijaros cómo se va rompiendo el sonido a medida que voy jugando con el beat y con el radio. Este Redux no solamente está en percusiones, sino que también está para la creación de glitches de este tema y también se aplica sobre el arpegio y sobre el pad. Más adelante lo veremos. Vale, vamos con el apartado de los instrumentos. Empezamos con el bajo. Es un sonido bastante sencillito, pero tengo que decir que me ha costado bastante quedarme como ha sido compuesto y para ello me he ayudado de una herramienta que tiene una de las últimas versiones de Ableton Light 12 y que os recomiendo muchísimo que utilicéis y es el separador de pistas. Si tienes la última versión de Ableton Live 12, pues verás que si ahora cargas aquí una canción completa, como yo tengo aquí la canción original, le das botón derecho, vas a encontrar esta opción que se llama separar los stems en pistas nuevas de audio. Esto no solamente sirve para samplear, no solamente sirve para robar sonidos, sirve también para utilizarlo como ingeniería inversa y aprender o entender mejor cómo ha sido compuesto, cómo han sido producidos temas que a ti te gusten. Y fijaros como si yo me vengo aquí y abro todas las pistas, pues vamos a ver como por un lado pues tenemos las percusiones, fijaros la caja como os decía que era súper noisy. Y por un lado encontramos el bajo o una de las capas del bajo que suena así, ¿Vale? Un bajo recto que te está haciendo pum pum pum pum. Ahora veremos cómo se traduce eso en MIDI. Pero aquí también tenemos otro bajo aparte, suena bastante agudito para ser un bajo, por lo cual tenemos un bajo grave, me está marcando la nota raíz, que en este caso estamos trabajando en La. Y luego tenemos pues esta punta, este bajo a contra, que estará siempre la posición punto 3 de cada vid, que me suena así todo junto. Suena demasiado bien para intentar recrear lo que es la canción original. Suena todo como mucho más clásico, mucho más analógico, incluso mal técnicamente, pero tiene mucha más alma que lo que yo he conseguido recrear ahora mismo. Este tema, el Arc on Dittonet de Julian Jewell, estoy prácticamente seguro que está hecho con material analógico o que hay material analógico dentro de esta producción. Si te fijas, si escuchas con detenimiento toda esta producción, verás que hay como muchos artefactos, muchos sonidos electrónicos que se cuelan y mucho ruido de fondo. Y esto es una de las cosas que realmente cuesta más emular, incluso cuando utilizas plugins virtuales que emulan material analógico. Pero ese ruido de la propia circuitería, de tu propio sinte único, el que tienes en tu casa, pues eso es lo que no se puede recrear. Pero bueno, nos hacemos una idea ya más o menos de cómo esto se va componiendo. Así que por un lado tenemos el bombo, el hi hat y los snares, un shaker que también entra más adelante y tenemos el bajo sexy. Vamos con la joya de la corona y es el arpegio. Y es que no os vais a creer cómo ha sido compuesto o cuál es el sonido de este arpegio. Realmente el sonido original nunca lo sabremos salvo que alguno de vosotros pues tenga el WhatsApp del amigo Julian Jewell y le pregunte ahora mismo cómo lo ha producido y si se acuerda, que esto también es importante. He invertido bastante tiempo, he sintetizado mogollón con diferentes sintes, he probado presets, he probado también emulaciones de sintes clásicos, no he acabado de encontrar el sonido hasta que esta tarde estaba pensando y digo escucha el sonido de la Air Condition, se me antoja más a un piano eléctrico que no un sinte como tal. Como hemos separado las pistas por stems, pues podemos venirnos aquí y escuchar exactamente cómo suena el apego original, bastante característico este sonido difícil de clonar. En este caso lo que he hecho es utilizar un layering con tres diferentes pianos eléctricos. Este sonido, este de aquí, un poquito más grave para darle cuerpo y otro pues un poquito más sucio para darle este tono más desgarradillo todo jun. Para encontrar dos pianos eléctricos en Ableton Live es tan sencillo como venirse aquí al buscador, poner e piano instrumentos y aquí los tenéis todos. Os recomiendo que investiguéis bastante sobre los pianos eléctricos porque es un sonido que la verdad es bastante resultón, es un sonido clásico, suele quedar bien incluso si lo utilizas pues para hacer melodías, no solamente para hacer acordes, porque sobre todo si lo usas de manera un poquito atípica puedes darle ese aire un pelín más fresco, un toque diferente a los sonidos que acostumbra utilizar más la gente en las producciones hoy día. Cosas interesantes de este arpegio a nivel de composición musical aquí básicamente lo que tenemos son cuatro acordes pero arpegiados. Tenemos un Fa mayor muy sencillo que se compone de un Fa y un La y aquí abajo tenemos una inversión de este La, es decir, es este La copiado aquí abajo. El siguiente acorde es un La menor que se conforma de un La, un Mi y un Do. El tema por cierto está en una escala en general de La menor, por eso aquí tengo colocado el Scale en La menor. El siguiente acorde es un La Mi, Si y esto se podría decir que es pues un La con una novena agregada, pero si la tercera. Y por último tenemos un La, Fa Do, que esto es un Fa mayor, Fa como nota fundamental, La su tercera mayor y Do su quinta justa. Esto es importante que lo entendamos o que le pongamos un nombre a estos acordes porque a partir de este arpegio vamos a sacar otras pistas. Bueno, en concreto una pista más, no hay más. Es que es muy sencillo este tema, como los temas buenos. Algo que me gusta mucho de este arpecio es que en determinados momentos respira. ¿Y a que respira me refiero A que ocurren dos cosas principalmente? Primero de todo, ocurren repeticiones de nota. Aquí abajo veis este. Este redoble. No ocurre solo, pasan más cosas a la vez. Lo primero de todo es que está acompañado con un silencio de kick y debajo, justamente en el momento en el que hay este redoble, quitamos un kick y quitamos el bajo, el puntiagudo, el que te marca en el off beat. Pero fíjate como también parece que toda la melodía, todo el arpegio respira, se viene para arriba. Y aquí está ocurriendo otras dos cosas diferentes. Lo primero es que las velocidades de estas dos notas, cuando hay un redoble, están al máximo, es decir, están sonando más fuerte que como venían sonando en las notas anteriores. Fijaros que en el arpegio se está haciendo como una progresión, como una escalera, donde el La siempre suena un poquito más bajo, el Mi suena un poquito más arriba y el Sí pues suena más alto. Siempre la nota más aguda es la que nos está marcando. Algo que ocurría también con el Rest de Ame, que te lo voy a dejar por aquí si no lo has visto todavía. Pero es que además, para hacer que este arpegio se venga más arriba, respire y tenga más dinámica, lo que estamos haciendo es jugar con el sidechain. Si yo entro aquí en el grupo, verás que tengo un compresor configurado a modo de sidechain y le digo que la pista de origen, la fuente, sea el kick. Es decir, cada vez que suena el kick lo que me está haciendo es comprimir para dejar espacio a lo que es un sidechain clásico. Fijaros que también lo tengo bastante marcado. Tenemos un ataque muy muy, muy rápido, lo mismo que había hecho por ejemplo con el snare. Tenemos un ratio también bastante notable. Y tengo en este caso un release cortito, porque si no es que me cargaría el arte entero si yo mantuviese la compresión. Así que queremos que libere rápidamente para que me haga este bombeo. Entonces, en este caso lo que me está haciendo es comprimir principalmente las primeras posiciones. Justamente aquí, que es donde sonaría el kick, así que me estaría comprimiendo aquí que no hay nada y parte de esta primera nota. Que detalle importante la composición de este arpegio. Yo en un inicio estaba obcecado pensando en que empezaba aquí, en que esto empezaba aquí, pero realmente no, empieza en la segunda posición, en una rejilla de 1.16 y ahora más adelante os voy a enseñar por qué lo he sabido, por qué lo he aprendido y es de nuevo, pues utilizando el separador de stems. Pero bueno, para hacer que esto libere, que esto se abra mucho más en los momentos en los que hay estos redobles que tenemos aquí, vale, que ahora aquí se ve poquito, os hago un zoom para que lo veáis. Lo que está ocurriendo es que como el compresor está ruteado con la señal del kick, pues simplemente en el momento en el que no hay kick, deja de activarse el sidechain. Fijaros, ¿Veis como en este momento ha dejado de activarse y ha subido muchísimo de volumen? Pues básicamente es esto. Luego aquí al final, pues ocurre algo similar, Es que vaya temazo, la virgen pare, tenemos un wider para que me abra un poquito los estéreos, porque el arpegio original creo que suena bastante abiertito. Fijaros, sin fijaros con. ¿Y recordáis que os dije que esta canción en general trabaja mucho el redux o un efecto que degrada mucho el sonido? Pues en el arpegio también ocurre en algunos momentos de las transiciones de este tema. Así que fijaros cómo sonaría con el redux puesto y jugando con el ratio, Es prácticamente el efecto original. También lo podéis hacer con un autofilter, si tenéis a beltonlive 12 viene con un autofilter renovado que tiene bastantes filtros aquí diferentes, pues por ejemplo el filtro resampling te hace un efecto bastante similar, ya verás, Vale, un poquito más marciano, pero también da bastante juego. Y ahora sí que nos vamos a ir de nuevo a la sección de la separación de stems y fíjate como aquí puedes ver, pues como todo el arpegio está concentrado aquí en las tres últimas posiciones, aquí en el principio, pues no suena nada, fijaros, si yo me meto más aquí, todo está aquí. Y esto de aquí ya forma parte de la siguiente ronda. Vámonos con el pad. El pad es otra de las pistas más notorias de esta producción y que aparece sobre todo pues en momentos de transición en parones está compuesto sencillamente con las mismas notas del arpegio. Ya os digo, esto a nivel de composición es bastante sencillito y es que en este caso sí que utilizamos un sinte, es un sonido bastante clásico el que suena en la producción original y lo puedes recrear con prácticamente pues cualquier sinte que tenga una onda cuadrada o más o menos triangular así. Así que básicamente lo que tenemos es esto, eso sí, con bastante ataque, fijaros que tarda en entrar, es un pad que entra cuando no está sonando el arpecio, Guapísimo. Este pad también es afectado con el redux, sobre todo aquí en la parte final antes de que entre la siguiente vuelta y vuelva a empezar el arpegio, es que todos estos efectos del redux, los glitches que tiene esta producción, le da esa característica, le da esa personalidad que hace que sea totalmente única. ¿Veis sonidos como estos de aquí, estos son los glitches que te digo, esto ya es algo un poco más complicado de recrear exactamente, pero si te interesa todo el mundillo de los glitches y demás, tengo varios vídeos donde os enseño cómo hacer clichés de este tipo con Ableton Live, así que también te lo dejaré por aquí? Y hasta aquí el vídeo chicos, espero que os haya gustado, dejadme abajo qué otro tema clásico os gustaría que recreara, este tema lo propuso un compañero en el anterior vídeo, así que pues aprovechad que si me gusta y me encaja y creo que pueda ser interesante, le echa el un ojo y si no pues tengo que decir que estoy descubriendo muchísima música, he descubierto varios temas que me habéis dejado en los comentarios y que no conocía y no hay cosa que me guste más en esta vida que me recomendéis y me descubráis música, así que por favor meterle caña aquí a los comentarios. Nos vemos en el siguiente vídeo, producid mucho y hasta la próxima, chao.