4 Errores de MEZCLA y Producción Musical MÁS COMUNES

Muy buenas, ¿Cómo estáis? Aquí Alex de Producción Online. Com y en el vídeo de hoy os quiero compartir algunos de los errores más comunes que he ido viendo en las canciones que me habéis enviado durante estos cuatro años aproximadamente de producción online. Ya no solamente toda la música que he recibido por parte de los miembros pro los que estáis suscritos a la academia online, en Producción online, sino de toda la música que he ido recibiendo por diversos canales que la verdad que a día de hoy he escuchado muchísima música, no os podéis imaginar la de canciones que he llegado a escuchar. Es por ello que me he dado cuenta que se repiten ciertos patrones, sobre todo en gente que está en un fase más temprana y amateur, que tienen una solución relativamente fácil y que si le ponéis una prioridad bastante altita en mejorar eso, pues estoy seguro que vais a mejorar vuestros tracks notablemente. De estos patrones o casos que voy a comentar en este vídeo seguramente ya me hayas oído hablar si estás al día de mis directos en Twitch, lugar donde aparte de dar feedback, escuchar música que me enviáis y dar feedback, estoy respondiendo preguntas, estamos hablando sobre música, sobre la industria, sobre la vida y sobre cositas que que nos importan a nosotros como productores musicales y artistas y además estoy trayendo a invitados muy muy interesantes. Así que si quieres pasarte voy a dejar enlace abajo en la descripción del vídeo. Venga, empezamos. El primer caso le vamos a llamar el caso del bombo perdido. ¿Qué significa esto? Significa que muchas veces el bombo no tiene el protagonismo en la mezcla que se supone que debería en un tema con pretensiones de ser música electrónica de club, ¿Vale? Algo con lo que se pueda pinchar en una discoteca y con lo que se pueda bailar. Entonces aquí principalmente la solución radica en dos principales patas a mi opinión. ¿La primera es la más importante para mí es una buena, una correcta elección del sample, porque chicos, la materia prima es lo más importante, es como cocinando, si no tienes una buena materia prima ya puedes echarle sal, ya puedes echarle aderezo, que eso no lo vas a solucionar? Pues aquí lo mismo, si el sample no es el correcto, no es el que estás buscando para en ese caso en concreto, ya puedes maquillarlo con distorsión, con saturación, con el dios bendito que eso no lo vamos a solucionar. Entonces muchas veces me encuentro con tracks cuyos kicks suenan así, cositas así, cosas que parecen más percusiones que no kicks. De hecho esto, lo que estoy haciendo sonar ahora mismo son percusiones que pone aquí kicked, porque tienden a kick básicamente porque están hechas para ser utilizadas como toms, para darle groove, para crear un groove junto a un bajo o algo así y crear el low end. Están hechas para eso, pero no están hechos para crear, para utilizarlos como kick principal. De hecho, si yo abro este sample, fíjate qué pequeñito es, es un sample muy delgadito, es algo muy pequeño, por más que le meta un drum boost, por más que le meta un source fatner, todo lo que vosotros queráis, no vamos a conseguir que esto suene gordo. Es más fácil porque buscar un bombo que de origen pues sea un poquito más completo, como yo le llamo Y es por ello que a mí cuando trabajo con tracks sobre todo te house algo más y quizás algo más tirando a te house minimal o incluso para algunos casos de tecno, utilizo bombos de este tipo, bombos a los que yo le llamo completito. ¿Qué significa completito? Pues que tenga cuerpo, que tenga un poquito de grave y también tenga un poco de patada, ¿De acuerdo? Y si en algún caso pues me sobra pegada o me sobra cuerpo, pues siempre puedo venirme aquí a un equate, un ecualizador cualquiera y quitarle o ponerle allá donde a mí me interese, ¿Vale? Pero siempre vamos a ganar más quitando que intentando forzar, que intentando poner, ¿De acuerdo? Entonces si el sonido de origen ya es completito, ya me cubre este margen de frecuencias que yo busco, pues el trabajo va a ser mucho más fácil. El segundo punto ya entraríamos a un aspecto más de mixing, más de mezcla, pero a nuestra sorpresa lo que os voy a contar es algo aún muy, mucho más fácil de lo que os podáis imaginar ahora mismo en vuestra cabeza y es que en la gran mayoría de ocasiones el bombo no tiene presencia por un tema de ajuste de volúmenes, por un tema tan sencillo como de enmascaramiento por volumen, es decir, que el resto de pistas están sonando más alto que el bombo Y esto es algo muy fácil, muy común que ocurra porque por regla general el bombo suele ser una de las primeras pistas que nosotros ponemos en un proyecto y es por ello que a medida que vamos añadiendo pistas, segundo día añadimos pistas, tercer día añadimos pistas, cuarto día añadimos pistas, llega un momento que nos olvidamos por completo del bombo y ya nos estamos centrando en las otras pistas y no nos damos cuenta que es muy probable que el resto de pistas en su conjunto estén sonando más alto que el bombo. Sobre todo aquellas pistas que estén mezclando un margen frecuencial parecido al del bombo, que podría ser el bajo, podrían ser unos toms, algunas percus, incluso algunos patch. Es por ello que se recomienda tanto que tu mezcla la escuchen unas segundas, unas terceras personas o que bien dejes tu proyecto repos unos días y vuelvas tres días después con los oídos frescos y ya verás cómo rápidamente te vas a dar cuenta de estos fallos de una manera muchísimo más fácil, porque cuando estás ceca o trabajando en el mismo horas por horas y horas y día tras día, tu cabeza acaba obviando estos errores que son muy simples, son muy sencillos, pero simplemente tu cabeza deja de darse cuenta de ellos. Entonces, para asegurarme que no me pasa esto, yo tengo una técnica en la que reajusto el balance de volúmenes de mis tracks y ya no solamente me aseguro que ninguna una pista se esté comiendo a otra, sino que me aseguro que todo el track en general esté balanceado como yo quiero y además me sirve para buscar espacio headroom necesario que voy a necesitar para el proceso de mastering. Esta técnica básicamente consiste en bajar todos los volúmenes abajo, todos los faders abajo, poner el bombo en el nivel que yo quiero, buscando ese espacio de headroom y a partir de ahí ir subiendo fader por fader, de pista por pista y buscar el balance que yo quiero. No vamos a entrar en detalle en este vídeo, pero no os preocupéis porque tengo un tutorial donde explico desde cero cómo hago esta técnica. Os lo voy a dejar aquí arriba a la derecha. El segundo punto es el caso de las transiciones y los parones, que son perfectos para irse al lavabo, irse a pedir dos cubatas o irse a fumar un cigarro fuera en la discoteca, claro. ¿Qué significa esto? Significa que a veces hacemos parones un poquito más largos de lo que el cuerpo puede aguantar en pistas sin moverse. Y el problema no es que sean largos, el problema es que dentro de ese parón no pongamos elementos que hagan que nuestro track siga teniendo dinamismo y que haga que la gente baile, que es el objetivo principal. Recordemos que estamos en un contexto con pretensión de música electrónica de club para que la gente baile y aún así no significa que lo que esté diciendo sea el ABC. Así que si vosotros tenéis vuestros motivos de por qué hacer un parón de tal manera y sabéis que va a molar igualmente, pues hacedlo, no hay problema. Pero lo que sí que es cierto es que muchas veces me encuentro con parones que cortan por completo todas las pistas, que dejan a lo mejor un pad, que dejan dos percusiones y se tiran así un minuto, haciendo que el track pierda por completo todo. Entonces vamos a ver algún ejemplo. Yo en este caso, en este track, si os fijáis en los dos parones que tengo, parón 1 y parón 2, apenas tengo pistas, pero tengo un hook que hace que mi track no pierda ese dinamismo que yo busco, que es este sample de aquí abajo. Vamos a escucharlo. En este caso el sample me lo está dando todo, me está dando el hook y me está dando todo el dinamismo que yo busco, que yo necesito en este parón. Esto lo podríamos conseguir también con alguna melodía, algún sinte que me haga alguna melodía, con algún white noise que me haga alguna especie de subidón. De hecho en el vídeo anterior donde hicimos el remake del Acid de Wade, enseño cómo hacer un subidón con un white noise muy chulo. Podéis utilizar otra vocal, por ejemplo, una vocal, hay mil maneras, ¿Vale? Pero lo que no podéis hacer, o lo que yo creo que no podéis hacer es esto y dejar todo el parón Así que esto me lo he encontrado muchas veces, o dejar únicamente un pad o cosas así, porque el tema se viene abajo por completo. Entonces, si yo no tuviera este hook que tenemos aquí abajo, pues yo de entrada lo que haría es dejar más pistas percusivas aquí pues yo he decidido dejar menos pistas porque tenía el hook, pero si no tuviera el hook, pues dejaría el clap, dejaría estos hi hat, dejaría estas perpus, entonces esto ya sonaría así. Podríamos dejar el bajo también, pero filtrado. Y algo muy interesante que podríamos hacer es activar un autofilter. Yo tengo un autofilter aquí en el master, que lo que hago es decirle que active, se active en los parones o en las transiciones donde quiero yo filtrar, entonces esto sonaría así De hecho podremos dejar el bombo también si queremos y así pues en este caso jugaría con estos cords que van subiendo, van abriéndose y de hecho podría irme aquí al auto filter, al frequency, mostrar automatización y decirle que acabe de filtrar un poquito más justamente antes de la petición podría decirle que me cortara los últimos dos bombos, al igual que el resto de percusión y de solamente dejar el clap. Igualmente esto no lo dejaría así, siempre buscaría un hook, como os comento, que ya os digo, puede ser una vocal, puede ser un sinte, puede ser un white noise, que es un sinte al fin y al cabo, puede ser cualquier historia, pero dejarlo tal cual, así de seco no. También podríamos jugar con algún snare roll, algún subidón con snares, cualquier cosa, pero en este caso le falta ese recurso extra. Algo interesante que os quiero comentar es que en este caso, al haber puesto autofilter en el master, obviamente me está filtrando todas las pistas, pero yo normalmente lo que hago es poner un auto filter en el bombo y luego poner otro en el bajo y quizás a veces en las percusiones también. Entonces lo que hago es activarlos o desactivarlos en función de las transiciones, como quiero que sean las transiciones, como quiero que sean los parones. Pero es importante que en los parones, como en este caso, no dejéis el bajo tal cual sin filtrar, porque en pocos casos queda bien, a veces sí, pero la gran mayoría no. ¿Por qué? Porque si yo en un parón dejo el bajo sin filtrar, sin cortarle los graves como estamos haciendo en este caso, lo que ocurre es que cuando llega el drop, la sensación de impacto, de clímax que debería de haber en el drop, pues no es la esperada o lo que debería de ser, porque al fin y al cabo, cuando nosotros tenemos un parón y tenemos un drop, tenemos que pensar que nos tenemos que reservar ciertas armas para crear esa diferencia, esa impresión entre el parón y el drop, si no, pues ese efecto de clímax que le llaman no lo conseguimos. Y esto nos viene de perlas para el siguiente punto, que son los parones que se parecen a los drops. Hay diferentes tipos de parones que me he encontrado y los más comunes son El primero de todos es el típico parón que luego llega a un subidón súper hípico con un montón de efectos, un montón de pistas que va subiendo volumen, va subiendo volumen, va subiendo volumen y llega un momento que justamente antes del drop nos encontramos con una dinámica con una amplitud así y luego el drop es así de pequeñito, con lo cual el drop está sonando mucho más bajo en volumen que el subidón, con lo cual es como un anticlímax, no hay ese efecto de petada y esto muchas veces no pasa ya no solamente por poner pistas, sino que pasa por dejar en los parones pistas como el bajo también porque es algo que ocupa también mucha energía, por lo cual vamos a tener un churrito gordito y por dejar pistas como por ejemplo el bombo sin filtrar. Entonces cuando hagáis este tipo de subidones, de ir metiendo pistas y subidón y tal y mucha epicidad en los subidones, tened en cuenta que al menos en momentos antes de que llegue el drop no suene más alto que el drop. Entonces podéis hacer o la técnica de antes que es trabajar con autofilters o con filtros que vayan barriendo, vayan haciendo este barrido hacia arriba como hemos hecho aquí una pequeña automatización y que vaya cortando de abajo hacia arriba poco a poco o bien lo que podéis hacer es directamente una automatización de volumen. Me vengo aquí al master y le digo que un par de compases antes me vaya bajando 3 decibelios y salgo así. Espérate que aquí no tengo el hookup encendido. En este caso como podréis apreciar no es necesario que yo haga esto, esto es solamente los casos en los que tuviera un subidón con muchas pistas y con mucho. Con mucho efecto de subida y demás. En este caso yo lo que estoy haciendo es el otro tipo de parón que yo cre bastante más interesante, que es justamente lo contrario, en vez de ir metiendo muchas pistas es ir sacando, ir sacando y sacando y sacando y al final del subidón dejar solamente una pista o dejar dos. Entonces cuando entra el drop con todas las pistas el impacto lo tienes asegurado. Además este tipo de subidones son mucho más minimalistas porque requieren de menos pistas, es mucho más fácil de producir y ya sabéis que a mí me gusta mucho la sencillez y los resultados para mi gusto son mejores o al menos más prácticos de conseguir. Fíjate que en este caso en los dos últimos compases solamente me suena estas dos percusiones clap y un hi hat y luego en el último compás solamente me está sonando el último trozo del sample que es una vocal y el pianillo y luego tengo este slide debajo y ya está, no tengo nada más. Por último, pero no menos importante, nos encontramos con el caso de las estructuras raras. Y esto ocurre que nos encontramos con tracks que suenan bien, que la idea es buena, la producción es buena, pero el productor no ha tenido en consideración crear una estructura competente para el mercado. Y una estructura competente para el mercado me refiero a que si quieres que tu track se venda en Bitport principalmente tiene que cumplir unos ciertos patrones. No te digo yo que haya un manual, pero tiene que cumplir unos ciertos patrones para que tu track lo pueda utilizar tanto un DJ como lo pueda consumir una persona en su casa o lo pueda disfrutar una persona en la pista. ¿Cuáles son estos patrones? Pues bueno, principalmente son muy sencillos. Un track de este estilo debería de tener una intro como la que nosotros podemos ver aquí y una outro. Esto es básicamente un recurso, una herramienta solamente para el DJ, para que el DJ pueda pinchar tu canción en un DJ set. La intro le va a servir para introducir tu canción después de la anterior y la outro le va a servir para meter la siguiente canción después de la tuya. Tan sencillo como esto. Pero esto no acaba aquí, porque la gente se piensa que las estructuras solamente Sirven para los DJs. No, no sirven solamente para los DJs. Sirven también para aquell persona que te está escuchando tanto en la pista de baile como en su casa. Porque el público, aunque no sean productores musicales, aunque no sean artistas, también saben de música simplemente por haber estado escuchando música toda su vida. Su subconsciente ya ha desarrollado un cierto patronaje de cómo funciona la música electrónica de club y ya espera que cada ciertos compases vaya a haber algo y que a lo largo de X minutos o de X segundos de ese parón o de ciertos compases de ese parón vaya a entrar ya el drop y no vaya a volver otro parón aún más largo. De hecho, cuando ocurren de estas cosas a la gente le PETA un poco la cabeza y si lo haces muy bien puede quedar guay, pero la gran mayoría de veces no se consigue que quede guay. Entonces recordemos que estamos hablando de un contexto con pretensiones de música electrónica de club. No estamos buscando reinventar la rueda, lo repito, por si alguien viene tarde o se le ha olvidado. Y es por ello que si te fijas en mi estructura, suelo trabajar siempre de una manera bastante similar. Siempre suelo tener dos parones. Break 1, que es este de aquí, que esto era un break, aunque hemos puesto un bombo. Y luego break 2. Si te fijas, el break 2 suele ser el doble que el break 1. Que el break 1. Para mí el break 2 es el break largo. Siempre solemos encontrar un balón largo. Y luego dentro de estos breaks encontramos. Bueno, después de estos breaks encontramos un drop 1 y luego un drop 2 que ocupan exactamente lo mismo, que son uno, dos, tres, cuatro grupos de ocho compases. Cuatro por ocho, treinta y dos compases. Tan sencillo como esto. Y si te fijas, dentro de cada grupo de estos ocho compases ocurre algo. Hay un cambio, hay un pequeño paroncito aquí, hay un pequeño paroncito aquí, aquí hay otro paroncito un poquito diferente. Pero siempre van ocurriendo cosas. Hay un patrón de que cada ocho compases ocurren cosas. Repito, puedes hacer cosas diferentes, puedes intentar reinventar la rueda también, no hay problema. Si te queda guay, pues de puta madre, felicidades. Si no, puedes tirar de hacer lo que se suele hacer y lo que hace todo el mundo. También puedes buscar un margen entre intentar reventar la rueda e intentar no hacer lo que hace todo el mundo y buscar un término intermedio. Pero para llegar a ese punto creo que tienes que haber hecho muchos tracks de este tipo, al menos a mi opinión personal. Si te fijas, el drop 2, pues ocurre exactamente lo mismo, tiene el mismo patrón. Oye, Alex, esto está muy bien, pero yo no tengo interiorizado de qué parte se desarrolla un track, por lo cual no me sale salir del modo loop e ir desarrollando y reestructurando mis propios temas. No pasa nada, haz lo que hacemos todo el mundo, utilizar tracks de referencia, es decir, copiarte de la estructura de otros tracks. ¿Eso está mal? No, no está mal. Lo hacen hasta los que están en el top 1 de Bitport, os lo puedo asegurar. ¿Cómo funciona esto? Muy sencillo. Ponemos un track aquí debajo de nuestro proyecto. Yo siempre lo suelo utilizar en la última pista. Y esto es algo muy interesante, ya no solamente para aprender a desarrollar nuestros propios tracks, sino que para entender cómo se desarrollan otros tracks profesionales. Vamos a darle. OK. Vale, perfecto. ¿Si te fijas esto, os voy a dejar otro vídeo donde os enseño cómo trabajo con track referencia desde cero, no os preocupéis, pero antes de poneros, de pasaros el enlace del vídeo, fíjate cómo se ve de forma muy clara, vale? ¿Solamente a nivel visual, de forma gráfica ya podemos ver que del segundo 0 al segundo 30 el bombo está filtrado y ya se ve, hay menos información, ahí está más delgadita la señal seguramente, pues veis, y aquí entra el bombo sin filtrar, vale? Lo típico. Entonces aquí podemos ver que hay un paroncito, como los paroncitos que os enseñaba yo cada ocho compases, aquí hay otro, aquí hay otro, seguramente aquí ya esté entrando el drop, no lo voy a reproducir porque seguro que me salta el copyright. Fíjate, justamente aquí, cuando yo pongo un break, pues él ha metido un drop, uno de los drops principales se ve porque está más apretadito, está más oscuro, quiere decir que hay más pistas. Entonces esto os puede ser súper. Mira, aquí hay un parón, por ejemplo, esto seguramente sea una especie de puente, y aquí entre el parón, más o menos, o quizás un poco antes, no sé, tendría que escucharlo tampoco, tampoco soy adivino, pero escuchándolo te das cuenta de cómo crean las estructuras los productores profesionales. ¿Lo que os recomiendo cuando hagáis esto es que os pongáis localizadores, como yo tengo aquí con mi track, os pongáis localizadores de tracks de referencia de etcis, vale? ¿Esto que es el drop 1? Pues venga, pongo un localizador como lo tengo aquí, lo renombráis y ponéis drop intro aquí al principio, aquí le quita el filtro, aquí empieza el primer subidón de todo esto. No os preocupéis porque tengo otro vídeo hablando de principio a fin sobre cómo utilizo yo tras de referencia, os lo dejo aquí arriba a la derecha también. Y también voy a aprovechar para dejaros abajo en la descripción del vídeo algún otro vídeo que creo que os pueda ayudar a complementar lo que habéis aprendido hoy en este tutorial. Bien, y hasta aquí el vídeo de hoy, espero que os haya gustado, si ha sido así pues dale un like grande, suscribiros al canal si todavía no lo estáis y recordad que si queréis ahondar más sobre producción, estructuración, composición, mezcla, mastering y promoción, podéis suscribiros a nuestra academia online Producción Online, donde accederás a más de 380 vídeos y seguramente cuando veas este vídeo, a más, porque subimos clases cada semana distribuidos en cursos de todas estas temáticas que acabo de comentar. Así que nada, un saludo y nos vemos en el siguiente tutorial. Hasta luego.