5 TÉCNICAS para Mezclar DRUMS (Nivel PRO) en 2022

Técnicas, técnicas y truquitos de estas que os gustan tanto que os enseñe porque son muy fáciles de entender y las podéis aplicar en el momento en el que acabáis justo de ver el tutorial así que prepárate que hoy tenemos unas cuantas. Muy buenas, ¿Cómo estamos? Aquí Alex de produccionalen. Com, estamos de vuelta, feliz año a todo el mundo. Hoy toca hablar de drums, así que vámonos al tutorial de hoy. Lo primero que os quiero enseñar es algo que para mí es súper importante en la producción musical y es la cohesión entre pistas, entre los diferentes elementos de nuestro proyecto. Ya no solamente es importante tener una cohesión tanto a nivel de mezcla o tanto a nivel sonora musical, sino que es importante tener una cohesión rítmica, sobre todo cuando estamos creando patrones rítmicos, que es básicamente siempre, no solamente cuando estamos haciendo percusiones. Para explicaros este concepto os voy a enseñar el low end de uno de los proyectos en los que estoy haciendo ahora. En este caso el low end de este proyecto se conforma por un bajo que está sonando con muy poca frecuencia, con muy poca frecuencia me refiero a que suena cada cuatro compases, ¿Vale? Solamente dos notas, ya veréis, y lo complementa dos toms y luego el bombo, ¿Vale? Todo junto pues son así. ¿A qué me refiero con cohesión rítmica? Fíjate que estos cuatro elementos, bombo, tom y bajo, intento que en la gran mayoría de lo posible no estén sonando todos a la vez. ¿A qué me refiero con esto? A que si yo tengo todo este espacio para poder crear un groove y tengo cuatro elementos, intento cada uno que ocupe un lugar dentro de todo este groove, de todo este ritmo. Si yo pusiera todos estos sonidos pegados en la misma sección o haciendo que suenen todos a la misma vez, esto aparte de que a nivel de mezcla puede ser bastante desastroso porque me puede generar picos de energía, que llegue a distorsionar, incluso que suene un poco chirriante, lo que voy a hacer es conseguir que mi track no tenga groove, no corra, no camine, es decir, suene pues muy lineal y esto es algo que nos pasa mucho cuando empezamos a producir, que lo ponemos todo a negras, todo muy cuadrado y nuestro track pues suena como mi y notamos que nos falta pues eso, que tenga un poco de rollete, que me haga moverme un poco el esqueleto. El segundo motivo por el que creo que esto es tan importante tener en cuenta es porque favorecemos muchísimo el futuro trabajo de mezcla o el trabajo de mezcla que vayamos a hacer. Date cuenta que si conseguimos que la gran mayoría de sonidos que hay en nuestro groove no estén sonando a la vez por ende estamos dándole desde 0, desde entrada 1 espacio a cada uno de estos elementos dentro de la mezcla y si encima jugamos con la panoramización ya ni te digo. Lo que pasa que esto es el low end y me interesa que suene en el CE y fíjate que sin tocar ni un ecualizador ni un compresor todo suena en su sitio y todo suena guay. En este caso fíjate que he utilizado one shots, es decir, sonidos únicos, sonidos sueltos que te vienen en las librerías como por ejemplo pues estos hi hats, esto son one shots Y lo que he hecho es pues que una vez he generado mi ritmo pues lo que he hecho es consolidarlo, haces comando J y creas pues un loop nuevo ¿De acuerdo? No es que sea un top loop esto, pero me dirás, vale Alex, pero si yo estoy trabajando con top loops que tienen sonidos prácticamente en toda la duración, en toda la duración del sample ¿Cómo puedo hacer para generar ritmo y que no se choquen los sonidos entre sí? Pues os lo enseño con otro ejemplo. Aquí abajo tengo otro grupo con dos samples que lo he llamado groove porque le da como una especie de hook a este track. Este track tiene esta conga africana que es una de las características que tiene esta canción que suena así. Básicamente es esta conguita que tenemos aquí abajo y lo que he hecho es complementarla con un top loop de percusiones normal y corriente Fíjate que tiene una cadencia bastante similar y que en parte se va complementando. Fíjate que cuando aquí está no suena o suena flojo, esta suena y aquí cuando esta no suena, esta suena. Sí que es cierto, fíjate que en algunos momentos las dos suenan a la vez pero eso no es malo, ¿De acuerdo? Simplemente tienes que ser consciente de cuándo está ocurriendo esto en tu mezcla y cuando no está ocurriendo y cuando quieres que ocurra y cuando no quieres que ocurra y ser consciente si te está generando problemas o no. Es decir, sí que estas dos cosas suenen a la vez me va a generar más problemas que aportaciones positivas a mi proyecto, pues obviamente lo voy a quitar, pero en este caso si yo esto lo quito, pues suena un poquito vacío, la verdad es que prefiero que se quede. No obstante, si no estás contento con cómo están cohesionando varios top loops y quieres darle un poquito más de rollo, un poquito más de groove, pues algo que puedes hacer muy sencillamente es seleccionar diferentes trozos de la percusión y moverlos allá donde tú veas y a partir de ahí pues ir creando tu propio top loop a través de otros top loops. Pero ojo, porque aparte de esto tenemos otro truquito muy interesante de enseñar. Básicamente nos va a ahorrar tocar la posición de cada uno de los sonidos de nuestro top loop. ¿Cómo lo vamos a hacer? Pues utilizando un gate, una puerta de ruido. En este caso he utilizado este gate nativo de Ableton Life, para quien no lo sepa, una puerta de ruido básicamente lo que nos permite es moldear el volumen del sonido en la pista en la que estamos poniendo esta puerta en función de la energía de entrada de la misma pista o de otra pista aparte. Es como una especie de sidechain, pero en vez de funcionar por compresión, pues funciona por por volumen. Os lo explico desde cero, fijaros, si yo aquí le pongo este gate, que directamente lo podemos poner desde cero para que veáis cómo se coloca, lo tenéis dentro de Dynamics, ponéis gate y yo lo que voy a hacer es abrir esta pestañita de aquí y activar el sidechain para que este gate abra y cierra en función de la pista que voy a decir yo ahora, ¿Cuál va a ser la pista de referencia que le voy a decir yo a este gate? Pues obviamente la conguita. La conguita en este caso se llama 10 POTRD de la Tech Router Arms, que es nuestra librería de producción online. Pues nos venimos aquí, audio from y le decimos pista 10. ¿Qué quiere decir esto? Que cuando esta pista suene, el gate de esta pista de aquí arriba va a cortar, por lo cual va a ir dejándola que suene solamente cuando la conga no suene y de esta manera pues se van a ir complementando la una con la otra. Aquí simplemente lo que tenemos que hacer es jugar con el threshold, si lo tengo a menos infinito pues no actúa y a medida que lo voy subiendo pues veis, va cortando. Si me pasara pues lo eliminaría por completo y lo que voy a hacer es jugar con el release para darle un poquito más de cola para que no vaya cortando tan drásticamente. Y el resultado sería este. Vemos ahora como la percusión empasta mucho mejor con la conga africana esta. Digo africana, pero esto de africana no tiene nada porque la he hecho yo. Venga, vamos por más cositas. Dentro de la sección de percusiones he creado una especie de patrón con un sintetizador para acabar de rellenar la parte sobre todo de los hi hats. Lo que he hecho es utilizar un mini V de Arturia y he creado un patrón rítmico muy sencillito que suena así. Básicamente es un sonido de sinte normal en el que he puesto una señal cuadrada, señal cuadrada y una señal de sierra, no tiene más. Lo que pasa que las envolventes están tan cortitas que suena como muy percusivo todo, pero no deja de sonar asinte. ¿Cómo puedo hacer para que esto tenga un poco más de textura y empiece a sonar más como por ejemplo un hi hat o alguna percusión? Pues vamos a ponerle un vocoder. Un vocoder, si yo lo activo, fíjate cómo suena. Quizás suena un poco robótico, pero si me vengo aquí al release y juego con él, fíjate qué efecto guapo acabamos de crear para hacer subidones y transiciones. Para hacer esto es tan fácil como añadir un vocoder. Y la gracia del vocoder es que me va a modular este sonido en función de una señal carrier, es decir, otra vez algo muy similar a lo del gate, en función de una señal de entrada va a generar una acción sobre esta pista. En este caso lo bueno del vocoder es que ya tiene señales propias internas, como por ejemplo el noise, el ruido blanco, que lo genera el propio vocoder, no hace falta rootearlo de ningún sitio. Y es por ello que me convierte este sonido de sinte en un sonido con más ruido blanco y que acaba teniendo pues esta tez más de hi hat. ¿Resultado de esto? Pues como os comentaba, fijaros qué bien queda en transiciones y en subidones. El siguiente procesamiento que vamos a ver, vamos, va a ser aplicable a hi hatch, aunque también lo vamos a poder aplicar a snares o a otro tipo de percusiones. En este caso lo que hemos hecho es darle un reverb a un hi hat pero controlado con un gate. Esto nos va a permitir poder controlar de manera muy precisa el efecto que está teniendo el reverb sobre este hi hat. ¿Para qué me va a servir este efecto de reverb sobre el hi hat? Pues os lo explico. Vamos a escuchar lo primero de todo sin el efecto del hi hat y vamos a escucharlo con el hi hat, con el gate. Fíjate cómo me da esa cola, como si el hi hat tuviera un poco más de release y fuera un poco más largo. Esto es algo muy útil porque yo de un hi hat, de un propio sample, lo que puedo hacer es acortarlo, pero si no tiene información para que sea más largo, no me puedo inventar que ese hi hat tengo un poquito más de cola, tenga un poquito más de release, más de decay, si no hay información para ello. Entonces, ¿Cómo nos la inventamos? ¿Como la creamos? Con un reverb, Pero eso sí, necesitamos que sea un reverb tan corto que solamente con un reverb no nos sirve, tenemos que ponerle un gate para que corte justamente actúa el reverb y entonces me genera esta especie de cola. ¿Cómo hacemos esto? Pues súper sencillo también. Lo que tenemos que hacer es, primero de todo, yo he puesto un hybrid reverb, podéis poner el reverb que os dé la gana, le ponéis un gate al lado y va a ser un proceso muy similar a lo que hemos visto en las pistas anteriores. Abrimos la flechita, activamos el sidechain, pero en este caso le vamos a decir que el audio de entrada sea el propio hi hat. En este caso el hi hat este se llama pista 14 hi hat centro, es esta de aquí. Y aquí lo tenemos, fíjate. Obviamente volveremos a trabajar con el threshold para acabar de ajustarlo, Fíjate, yo lo voy a cortar un poquito más y con el release pues voy a decidir si tiene más cola o menos cola y además en este caso puedo decirle si quiero que entre más reverb o menos con el parámetro floor, ¿Vale? Y ya lo tendríamos. Algo que os recomiendo hacer es que selecciones el hybrid river, pulses Shift, selecciones el gate, botón derecho, lo agrupes y te vengas aquí al botón de guardar para que lo puedas utilizar en futuros proyectos o en snares o donde te dé la gana. Como siempre, el hecho de que pueda automatizar y pueda tocar cualquier parámetro de estos efectos que estoy generando me va a servir para darle juego a las transiciones de mi proyecto. Fíjate que aquí hemos automatizado el release de este gate, esta puerta de ruido, lo cual me sirve por ejemplo para hacer transiciones. Por ejemplo en este momento habéis visto cómo se va abriendo y ojo porque puedo hacer exactamente lo contrario, en vez de abrirlo y darle más release, hacer que se vaya acortando en otra transición, por ejemplo aquí antes de que entre el parón, pues lo que hago es que cada vez se vaya cerrando más el hi hat, pero es que aquí se me está mezclando con el mini V este sinte que cada vez le voy abriendo más release en el vocoder y lo que voy haciendo es que mientras uno baja el otro sube, con lo cual conseguimos una transición bastante guay. Mira, escuchadlo. Siguiente cosita que os quiero enseñar y es una manera bastante curiosa de crear patrones rítmicos con Hi Hatch. Por regla general, si yo quiero hacer un hi hat, pues es tan fácil como abrir un midi clip y en este caso pues o lo coloco en offbeat o lo coloco a 1.16 que es lo mismo, a semicorcheas o como a mí me dé la gana. Pero otra manera que tengo más fácil de hacer es abrir un clip, pongo una nota sostenida y lo que voy a hacer es justamente antes del hi hat, en este caso lo tengo en un sampler, pero puede ser un simpler perfectamente o incluso un hi hat creado con un sintetizador, con un operator, puede ser de varias maneras. Lo que hago es justamente antes ponerle un arpegiator, el cual lo vais a encontrar de forma muy sencilla dentro de midfx aquí lo ponéis, buscáis arpegiator y ya está. Y lo que haces es que en el rate vas a seleccionar el ratio, ¿Vale? La cadencia en la que quieres que suene que se convierta este hi hat. En este caso yo lo tengo así, mi corcheas a 1.16 por lo cual suena así, que es a lo que le llamo yo un hi hat rápido, fíjate. Pero si quiero que suene a corcheas, pues lo pongo a 1.8. ¿Qué juego me da esto? Pues bueno, que a lo mejor puedo venirme yo aquí y decirle pues mira, cada compás en vez de a 1.16 te bajas a 1.32 y haces un poquito de juego con esto ya te puedes hacer productor de trap. Por último, más cositas. Os voy a enseñar cómo he creado este clap que suena cuando entra el drop, que es este de aquí. Fíjate que es un clap que suena súper abierto. ¿Y dirás, oye, qué plugin de apertura de estéreos has utilizado? ¿Cómo haces que esto suene tan grande? Pues no he utilizado ningún plugin, simplemente lo que he hecho es crear un club a través de dos claps distintos, este club de aquí y este clap de aquí. Intento que uno suene un poquito más agudo y otro tenga un poco más de cuerpo, así los dos se complementan 1 poquito mejor. Y lo que hago es venirme aquí a la sección de las cadenas y panearlo uno a la izquierda y otro a la derecha. Simplemente con hacer crear esta diferencia entre L y R, la sensación de apertura estéreo es enorme y por consecuencia conseguimos que psicoacústicamente suene mucho más alto. Obviamente hay que tener en cuenta que estamos mezclando el sonido de dos de dos claps a la vez y no es lo mismo que suene uno solo, pero os aseguro que simplemente con hacer esto y sin subir el volumen vamos a conseguir mucha sensación de volumen, de que suene más grande que simplemente si ponemos un club en el centro. Intentamos subirle el volumen un montón. Y esto es algo muy interesante porque conseguir que las cosas suenen grandes sin tener que subir el volumen es muy importante porque va a hacer que no nos comamos espacio Headroom y esto va a ser muy útil para luego tener fondo de maniobra para el mastering. Si no sabes cómo funciona esto del headroom, te dejaré un vídeo por aquí abajo en la descripción o aquí arriba en una etiqueta. Por eso es tan útil utilizar técnicas de este tipo, como por ejemplo la distorsión, que nos permite hacer que un sonido aparentemente suene mucho más alto pero sin necesidad de subirle el volumen. Y además, para acentuar un poco más esta imagen estéreo, esta diferencia entre izquierda y derecha, lo que he hecho es venirme dentro del clip donde he puesto los dos claps y fíjate ligeramente moverlos el uno entre el otro. Es decir, he creado como una especie de delay manual. Bien, y hasta aquí el vídeo de hoy, espero que te haya gustado. Recuerda que si quieres profundizar mucho más, meterte de lleno en esto y crear tus propias canciones de principio a fin desde tu home studio. 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