Cómo añadir acordes a una voz (demasiado fácil)

En este vídeo te voy a enseñar de una manera extremadamente fácil cómo puedes armonizar las voces de tus proyectos para que así cuando grabes voces o bien te descargues voces de librerías para utilizarlas en tus canciones, seas capaz de crear por ti mismo los acompañamientos armónicos como progresiones de acordes u otras melodías paralelas. Además vamos a ver un par de técnicas de diseño sonoro que van a encajar muy bien en la idea que vamos a crear hoy y que son aplicables a cualquier género. Además todas estas técnicas son muy fáciles de implementar, muy prácticas y sobre todo muy resultonas, como en me gusta hacer aquí, de tal manera que cuando acabes de ver este vídeo vas a ser capaz de aplicarlas instantáneamente en tus proyectos. Así que venga, vamos para allá. La vocal que vamos a armonizar la he sacado directamente de Splice y suena de esta manera. Lo primero que tenemos que saber es la tonalidad en la que ha sido grabada esta canción, bueno, esta voz en este caso. Y aquí tenemos varias opciones. La opción más fácil es que si esta voz la has sacado de una librería como sobre todo pues de páginas tipo Splice, normalmente te van a marcar la tonalidad aquí dentro del nombre del archivo. Aquí vemos que la tonalidad está en A, que es lo mismo que La menor. Pero si por ejemplo esta vocal la has sacado de una canción original, es decir, has extraído la vocal, pues tendrías que fijarte en la tonalidad original de la canción, que normalmente en páginas como Bitport lo puedes encontrar o si no lo puedes buscar también en páginas como TuneBad puntocom. Pero imagínate que por la casualidad que sea yo tengo un archivo de una voz de librería como podría ser esta, pero no me marca aquí la tonalidad en la que está. Pues bueno, somos productores y se supone que tenemos que ser capaces de sacar esta tonalidad a oído, así que venga, vamos a empezar por ello. La manera más fácil de entender una voz para así también armonizarla, es entenderla como una melodía. Así que vamos a empezar sacando la melodía de esta voz. Es esta voz. Empieza diciendo así. Es algo tipo ¿Veis? Y aquí se repite la melodía, cambia la letra pero la melodía es igual. Así que venga, repetimos. Vale, ya hemos dibujado la melodía de esta primera parte, ahora nos queda esta última que vemos que es un poquito diferente. Vamos a ver en qué se diferencia esto hace algo tipo vale, se repite las mismas notas todo el rato, vale, y ahora esta última nota la retraso un poco. Vale, ya hemos sacado la melodía de nuestra voz. Fijaros que en todo momento yo he tenido el scale de Ableton Life activado, que es esta herramienta que me permite colorear todas las notas que están dentro de la escala que yo le he marcado. Aquí en este caso yo tengo marcado la escala de La menor, pero si yo pusiese otra, pues fijaos cómo cambiarían la combinación de notas. En cualquier caso, si yo no supiese que esta voz está grabada en La menor, lo primero que haría es fijarme en lo que acabo de dibujar en esto de aquí, intentar sacar la nota raíz de toda esta melodía. La nota raíz de esta melodía normalmente suele ser donde reposa todo y en este caso la nota que más se repite, la nota en la que iniciamos y en la nota en la que acabamos es un La, por lo cual me deja ver que esta melodía está o reposa en una escala de La. Como esto es música electrónica mega comercial y las voces de Splice que suelen haber en este tipo de librerías, pues cumplen unos estándares muy muy definidos, acotados, pues normalmente están o en La mayor o están en La menor, no suelen complicarse con todas estas escalas, así que me cabe la posibilidad de que fuera mayor o fuera menor. Si pongo mayor, pues fijaros como ya aquí Do se me escapa, Do no está dentro de esta escala, por lo cual descartaría la posibilidad de un La mayor. Si me voy a La menor, pues veo como todas las notas que he pintado están dentro de esta escala. Para que veas que no me lo invento, si yo aquí pongo de repente pues un Mi, pues veremos que hay algunas notas que encajan y otras notas que a lo mejor no encajan o no, fíjate, sorpresa. He puesto Mi menor y veo que todas las notas encajan también dentro de Mi menor. Entonces me dirás, Álex, ¿Esta voz también puede ser un Mi menor? Pues técnicamente lo podríamos decir, porque si yo me dedico a armonizar con todas estas notas que tengo aquí señaladas, coloreadas, realmente me va a sonar armónicamente bien y la tonalidad que yo tenga marcada en el Scale es un poco lo de menos, pero aquí tenemos un claro indicativo de que toda la melodía parece recaer en un La, así que lo más lógico es ceñirnos en un La. Mira, me ha gustado que haya salido este ejemplo de primeras en el que poniendo otra escala diferente encajen las notas, porque esto a veces genera un poco de confusión, pero puede ocurrir perfectamente que una melodía te encaje en diferentes escalas, sobre todo cuando el abanico de notas es bastante reducido. Estamos trabajando con un La, con un Re, un Mi y un Do, y ya está. Claro, estas cuatro notas pueden estar en muchas escalas, lógicamente. Venga, seguimos, que me enrollo y me lío mucho. ¿Cómo podemos armonizar esto? Pues bueno, vamos a armonizarlo directamente desde este mismo piano, luego ya lo convertiremos en una canción. ¿Cómo podemos empezar? Pues bueno, podemos empezar con la nota raíz. La nota raíz hemos dicho que es un La, pues venga, vamos a empezar metiéndole un laki, ¿Vale? Vamos a intentar hacer acordes largos, así que venga, la primera me va a ocupar dos compases, la segunda nota vamos a subir de un poco más arriba para darle un pelín más de energía, que suba, y vamos a subir a un Re, por ejemplo, ¿Vale? Es una nota que está dentro de la escala, así que perfecto. Ahora toca bajar, vamos a bajar un Fa, por ejemplo, ¿Vale? Y aquí tengo varias opciones. Recordamos que la voz se me dividía entre estas dos partes, esta parte que cantaba La never Knew Alone, y luego hacía como esta especie de arpegio, que aquí ya digamos que es un poco más melódico, pues puedo decir, oye, seguimos con la misma cadencia de notas, es decir, notas que me estén ocupando dos compases, es decir, pues ahora duplicaré aquí y subiría a otra, o quizás en casos como este me encaja mejor dejar una nota sostenida. ¿A qué me refiero? Pues hacer algo así y cambiar únicamente aquí al final, que ya digamos que acaba la coletilla de la voz y aquí podemos subir quizás a un Sol, ¿Vale? Y con esto ya tenemos lo difícil, entre comillas, hecho. Y fíjate que tampoco ha costado demasiado. Con solamente las notas que tenemos aquí, o lo que hemos sacado aquí, ya podemos construir lo que queramos en nuestro proyecto. ¿Por qué? Porque de entrada esto que hemos hecho aquí va a ser nuestra línea debajo, lógicamente ahora no son abajo, pero lo vamos a convertir en un bajo. Y a partir de esta progresión es como vamos a crear el resto de progresiones y acordes. Incluso vamos a poder sacar otras melodías adyacen tanto de esta progresión de acordes como de estas notas que tenemos aquí. Así que hacer esta disección de la vocal de la melodía principal, porque al fin y al cabo esta vocal, esta voz, no deja de ser una melodía igual, como si fuese un piano, como si fuese un violín, como si fuese un lead, un sinte que le metas a tu proyecto. Funciona exactamente igual a nivel armónico, pues nos permite entender un poquito mejor cómo se está componiendo la canción que vamos a crear. Así que venga, vamos a empezar con un serum. Como la frase me va a durar todo el espacio de la vocal, toda la duración de la voz, pues venga, selecciono un clip MIDI que me ocupe todo esto y ahora voy a copiar y pegar. Simplemente me lo voy a bajar un par de octavas para que suene abajo de verdad. Vamos a activar el segundo oscilador, le vamos a meter un poco de unison. Vamos a activar el SUV, Activamos el filtro que me filtre los dos osciladores porque voy a cerrarlo. Y atento ahora porque nos vamos a por dos acordes y lo vamos a hacer de una manera extremadamente sencilla. ¿Cómo lo hago? Pues mira, primero de todo lo que voy a hacer es duplicar la pista del serum, porque así pues ya aprovecho la línea de abajo porque vamos a construir a partir de aquí. Y también voy a dejar el serum como instrumento. Entonces, ¿Cómo podemos crear acordes a partir de estas notas raíces de estas líneas, ¿Vale? De esta línea de abajo principal. Pues bueno, básicamente para crear un acorde, una triada básica, necesitamos su primera, su tercera y su quinta. ¿Esto qué es? Pues bueno, en este caso la primera de esta nota es estela. Entonces la tercera será el tercer grado dentro de la secuencia de estas notas que están iluminadas. Así que esta es la primera, esta es la segunda, esta es la tercera. Pues venga, me vengo aquí arriba. Esta va a ser la cuarta y esta va a ser la quinta. Pues venga, aquí me vengo. Vamos a escucharlo. Lógicamente esto suena súper grave porque estamos en la octava cero prácticamente. Así que seleccionamos todo, pulso Shift y flechita hacia arriba. Y nos vamos a venir aquí. Venga, vamos a hacer lo mismo con el siguiente acorde. El siguiente acorde empieza en Re. Así que vamos a buscar su tercera, pero su tercera a partir de este Re. No a partir del La. Su primera, su segunda, su tercera va a ser Fa y su quinta va a ser La. Lo mismo aquí abajo, esto es un Fa. Nos vamos a su segunda. Su tercera va a ser un La y su quinta va a ser un Do. Y lo mismo con este último acorde final. Su primera es un Sol, su tercera es un Si y su quinta es un Re. Vale, estos acordes suenan así, suenan un poquito cerraditos. Así que algo que podemos hacer es trabajar con las inversiones. Inversiones es cuando dentro de un acorde pillo una nota y la subo o la bajo una octava. Así que lo que vamos a hacer es una inversión con esta línea de medio, ¿Vale? Es decir, la tercera, todas las terceras de esta progresión de acordes. Voy a hacer Shift y me la voy a llevar arriba. Vale, esto ahora va a sonar así. Vale, quizás no hace falta meterle tanto unísono, así que lo que voy a hacer es desactivar este oscilador. Vamos a mantenerlo simplito. Y en ocasiones algo que funciona es mantener esta progresión aún mucho más simple y eliminar otra nota, es decir, dejar solamente intervalos de dos notas. En vez de tener triadas, dejar dos notas porque esto me va a permitir que suene un poquito más suelto. Vamos a probar una cosa y directamente lo que voy a hacer es mutear todas las notas del medio. Las notas del medio es la quinta. La quinta que habíamos hecho anteriormente no es su tercera en este caso la tercera sigue siendo esta nota de aquí arriba. Lo que pasa que hemos hecho una inversión. Así que si ahora quiero mutear todas estas notas de en medio, la que está en segunda posición, tenemos que tener en cuenta que sigue siendo su quinta. Fijaros, con y sin. A veces cuando quitamos estas notas de la ecuación y dejamos progres, progresiones simples de dos intervalos, hace que quede un poquito más ligero. Y sobre todo si luego vamos a añadir más pistas que se van a mezclar bastante frecuencialmente con esta progresión, pues hace que encajen un poquito mejor. Sobre todo si trabajamos con sintes como por ejemplo sérum, que son bastante potentes. Vamos ahora a dar un poquito de movimiento a este sinte. Algo muy típico es enviar la envolvente 2 al filtro, de tal manera que si yo hago algo así y esta envolvente pues juego un pelín con ella, pues cada vez que entre un acorde, pues me va a hacer este efecto. Lo que pasa que cuando trabajamos con notas tan largas, pues claro, hasta que no acaba la nota, hasta que no vuelve a sonar, no va a hacer la modulación. Así que algo interesante en estos casos es directamente enviar al filtro 1 el F o el LFO. Es un oscilador de baja frecuencia que está funcionando todo el rato, absolutamente todo el rato, independientemente de la información MIDI que le entre. Así que lo que voy a hacer es enviar el LFO aquí y fijaos qué va a pasar constantemente. Me va a hacer esto. Pero si yo me llevo esto aquí y le cambio el ratio a, por ejemplo, 1,8, voy a quitar el subocilador y vamos a bajarlo una octava. Esto ya es otra cosa. Incluso aquí podemos añadirle lo que se llama una nota de paso, que es justamente aquí. Vamos a bajarle una notita más. Cuidado con la velocidad. Nota de paso, o a mí me gusta llamarle nota escalón, porque dentro de un secuenciador MIDI como el que podemos encontrar dentro de Ableton, pues parece como un escaloncito. Vamos a por más sonidos. Voy a crear otra pista MIDI. Le vamos a meter otro serum. Hoy vamos de serum y vamos a crear como una especie de pluma, algo muy sencillito, muy rapidito, que se repita todo el rato. Por supuesto, vamos a empezar en la. Desde luego no es necesario que todas las pistas empiecen desde la nota raíz, en este caso desde la puede empezar desde otra nota que esté dentro de la escala. Pero si estás empezando, esto desde luego es lo más sencillo para ti. Vamos a jugar un poco con las velocidades y ahora vamos a hacer que suene algo en condiciones, porque desde luego parece que esté agonizando esta sierra. Así que venga, ahora sí que vamos a enviar la envolvente 2 al filtro modulación clásica y vamos a jugar con ella. Voy a aprovechar para enviarlo un poco a mis envíos, un poco a de ley, un poco a una reverb. Bueno, ya va teniendo color esto para este tipo de género musical le pega mucho crear atmósferas. Y vamos a diseñar una buena cama para nuestros sonidos. Vamos a venirnos a efectos de audio. Vamos a poner el Hybrid Reverb aquí, por ejemplo, en el plug. Y el Hybrid Reverb mola mucho, porque si te vienes aquí en el algoritmo y lo cambias a Shimmer y activas el freeze y esta flechita, fijaos que te crea. Y esto hasta que no apagas el Hybrid River, no se calla. Pues nada, ahí tienes tu cama. Conclusión, abrimos una pista de audio nueva y aquí en la entrada le decimos que me pille el serum. El serum 6, ¿Vale? ¿El serum donde está el plug? Aquí. Es interesante que empez a renombrar las pistas porque si no empieza a ser un cacao. Así que venga, armamos grabación, activamos el Hybrid River, nos venimos aquí al final y le damos aquí a grabar. Y listo, ya lo tendríamos. Seleccionamos una parte y lo limpiamos un poquillo. Lógicamente podría haber utilizado solamente un Equate, ¿Vale? Pero bueno, a veces utiliz. Utilizo dos como por comodidad. Kickstart a todas las pistas para meterle al sidechain. Cuando creéis atmósferas de este tipo y las dupliquéis en audio, es interesante que hagáis zoom y veis aquí donde aparecen los fade ins, hagáis esto, estiréis hacia la derecha hasta el otro clip. ¿Veis? Y te hace como esta especie de crossover, entonces ya no te hace el clic, lo consolido. Venga, ya que estamos, vamos a meterle algunas percusiones también. Vamos a subir el proyecto a unos 127 bpm. Vamos a meterle un hi hat, un snare por aquí. Aquí tengo un instrument de hi hatch que suelo utilizar para crear hi hatch por capas, porque por ejemplo, podemos utilizar este hi hat de aquí, pero lo podemos mezclar también con este, por ejemplo, y también con este. Entonces pasa de tener un hi hat debilucho a uno un poco más consistente. Vamos a duplicarlo en todas las posiciones. Y me voy a venir aquí a donde pone el 10% y lo vamos a mover un pelín, que esto es una opción de Ableton Life 12, que básicamente es como si te aplicara un pequeño groove. Bueno, básicamente te mueve del lugar todas las piezas. Lo guay de trabajar así con estos drum bracks es que mientras estás escuchando la canción completa, pues puedes ir modificando, puedes ir dándole forma a tu hi hat o al sonido que sea que estés haciendo. Vamos a meterle un par de top loops, Vamos a ir por faena a los acordes. Le podemos meter un Saturator para darle un pelín más de color. Venga, vamos a ver qué tal ha quedado esto.

I'm like a dog with a bone I'm never letting it go Guess I'm the devil you know I'll never leave you alone listo.

Fíjate cómo con cuatro acordes podemos construir prácticamente la mayoría del acompañamiento armónico de esta voz de una idea. Lógicamente esto se puede complicar todo lo que quieras, pero realmente el resultado que hemos conseguido creo que está bastante respetable para la dificultad que tiene esto, que es que realmente como veis el proyecto es extremadamente sencillo. Si quieres aprender producción musical en profundidad, con calma, con un contenido bien enseñado y bien organizado, pues te dejo el enlace a nuestra academia online producción online com aquí abajo en la descripción de este vídeo, donde no solamente puedes aprender conmigo, sino que puedes aprender con más de 12 profesionales que forman parte del elenco de profesores de producción online. Así que nada, sin más, espero que os haya gustado el vídeo y nos vemos en el siguiente. Chao.

I'm never letting it go Guess I'm the devil, you know I'm the devil.