Cómo hacer Melodic Techno Estilo Afterlife Records | Ableton Live

Hola ¿Qué tal? Soy Alex de producciononline. Com y en el vídeo de hoy os voy a enseñar un proyecto que he estado trabajando en las últimas semanas, en el cual me he inspirado en uno de los temas, bueno, en varios temas que salen por el sello Afterlife Records, el sello de Tale of Us. Además he aprovechado para ir probando un plugin que tengo desde hace muy poco, el ABL de Audio Realins, el cual es una emulación del mítico sintetizador 303 de Roland para hacer sonidos ACID, un tipo de sonido que hemos estado viendo últimamente en el canal, ya no sólo con ABL sino con Operator también. Antes de seguir, recordaros como siempre que todas las librerías de samples, así como este mismo proyecto de Ableton Live que vamos a ver en este vídeo, lo vais a poder descargar en Producción Online. Com si sois miembros pro de la plataforma. Como siempre en la descripción os dejo enlaces y más información al respecto. Empezando por la pista del bombo, tenemos un audio rack que tengo predeterminado con un bombo de mis favoritos para este tipo de género, en el cual incluye un equet y un compresor. En el caso del Equate lo que he hecho es reducir un poco de ganancia aquí acerca de los 200 hercios, las medias bajas frecuencias para abrir un poco de espacio a la pista del bombo que veremos después y enfatizad un poquito aquí sobre los 70 hercios donde está el cuerpo del bombo, que tampoco he incidido mucho en temas de mezcla cabe decir. Luego tenemos un glue compresor para darle un poco de pegada al bombo. Para ello lo que hemos hecho es abrir un poquito el ataque, en este caso lo he puesto a 0,1, nunca ponerlo corto porque si no estaríamos rompiendo todo el ataque y es justamente lo que buscamos, conseguir esa pegada, ese Punchy al bombo. Un release medio también ratio al 4, hemos comprimido un poquito, como veis el threshold a menos 13, tampoco mucho, y hemos subido un poco el makeup para darle un poco más de consistencia, para que suene un poco más potente. Pero siempre que utilizo el makeup yo recomiendo utilizar el soft clip para que no lleguemos a distorsionar demasiado, para que no lleguemos al clipeo y sea un aumento de volumen un poco más controlado, más suave. La siguiente pista es este tom que básicamente se complementa con el bombo anterior, vamos a escuchar los dos a la vez y suena cada dos compases. También es un elemento que se compenetra con las bajas frecuencias, es decir, también con la pista debajo, así que ayuda a rellenar un poco ese hueco de las bajas medias frecuencias. Para conseguir que este sonido trabaje únicamente en la banda que deseamos, lo que he hecho principalmente es utilizar un equate y cortar gran parte de los saltos. También he querido enfatizar la pegada de este sonido, en este caso un poquito más agresivamente que el bombo y lo que he hecho es subir el ataque, en este caso al tope, que es a los 30 milisegundos. Hemos comprimido un poquito más, hemos subido más el makeup y siempre el soft clip activado. ¿La siguiente pista que tenemos es el clap y esta ya empieza a ser una de las pistas más originales de este proyecto ya que no está ubicado en la posición convencional del clap, de hecho parece que esté puesto de una forma un poco aleatoria pero no es así realmente vamos a hacerle una escucha cómo podemos ubicar nuestros claps de esta forma que parece que sea aleatoria pero que realmente suene acompasado con el proyecto? Pues bien, vamos a entrar dentro del clip midi y si nos fijamos aquí arriba vemos unos numeritos los cuales nos está dividiendo la rejilla por ubicaciones, por posiciones donde nosotros podríamos posicionar cualquier tipo de sonido y que sonará acompasado con el proyecto. Si os fijáis, a medida que hago zoom me van apareciendo nuevos numeritos, es decir, nuevas posiciones y todos estos claps que yo he puesto están ubicados en una de ellas de tal manera que hace que todo suene acompasado aunque parezca que esté puesto de una manera un poco random. Si yo cualquiera de estos sonidos lo ubicara por aquí en medio más o menos, aparentemente notaríamos que está sonando o atrasado o adelantado. La siguiente pista que tenemos es un hi hat normal, vamos a escucharlo, un hi hat cerrado. La única peculiaridad que tiene es que tiene aplicado un diluvio, es decir, fijaros bien, si le quito el delay, si le pongo el delay, le da como este efecto de retardo que hace que tenga un groove un poco interesante. El siguiente hat es otro hat ya puesto a modo de efecto más parecido como el clap anterior que hemos visto y suena de la siguiente forma. En este caso hemos seguido un procedimiento parecido al del clap, ya que hemos puesto la rejilla a 1.16 como habíamos puesto en el caso del clap, que significa que se nos habilitan 16 posiciones diferentes dentro de la rejilla para poder ubicar nuestro sonido, en este caso dentro de un mismo compás. 16 posiciones dentro de un mismo compás. Si os fijáis tenemos cuatro posiciones por cuatro columnas distintas x 16. En este caso el procedimiento ha sido mucho más fácil, lo único que hemos hecho ha sido llenar todas las rejillas, todas las posiciones de clas, y lo que hemos hecho es que en la primera columna hemos eliminado el tercer hat en la posición 1.1.3 y en la segunda columna hemos eliminadO el segundo, por ejemplo, y hemos repetido el mismo patrón en las otras dos siguientes, aquí y aquí. De esta manera tenemos este groove más parecido al Duneshaker. Ahora entramos en armonía, ya que vamos a ver la pista debajo, la cual suena de esta forma. El procedimiento para hacer esta línea de abajo es muy parecido al de los anteriores. Estamos trabajando en este caso a 1.16, lo que pasa que en este caso el clip MIDI lo hemos abierto dos compases, si os fijáis aquí tenemos un compás y aquí tenemos otro compás, es decir, en un compás suenan cuatro bombos, en cada columna está sonando un bombo. Si aquí me aparecen en este caso 4 y 4 es que estamos abarcando dos compases para hacer nuestra línea de abajo. Y en este caso el procedimiento ha sido muy similar, hemos llenado nuestras ubicaciones, nuestras posiciones con notas. En este caso hemos empezado en Sol, ya que vamos a trabajar en una escala de Sol menor en todo el proyecto, y lo único que hemos hecho es ir cambiando o ir eliminando la primera nota de cada columnita. En este caso esta la hemos subido una octava más arriba, luego aquí esta la hemos subido a Re, esta consiguiente la hemos subido a D, a Re también pero dos escalas más arriba, Re sostenido, que realmente es un Mi bemol que está dentro de la escala de Sol menor, otra vez Re, otra vez Mi bemol, un Sol normal y por último en este caso, en estos últimos dos casos hemos cambiado la última y aquí la antepenúltima, hemos subido a Re, en este caso tres octavas más arriba del principio. Si os fijáis, aparentemente parece un poco complicado de hacer, pero realmente si seguís esta técnica, esta manera de hacer, de llenar todas las notas y vais cambiando la posición de alguna de ellas dentro de cada columnita, vais a conseguir efectos de este tipo. Está claro que todas estas notas que vais cambiando tienen que estar dentro de la escala tonal del proyecto, en este caso, repito, en la escala de Sol menor. Respecto al procesamiento encontramos que a priori lo primero que he hecho ha sido poner un drum boost, lo que he hecho es añadirle un poquito más de distorsión con el drive y hemos subido el parámetro boom, que lo que hace es enfatizar un poquito sobre todo las subgraves, las frecuencias sub. El siguiente proceso es un eco para darle un poquito de reverb. Mirad la diferencia. Uno de los grandes problemas de utilizar plugins de espacio de tiempo, como podrían ser delays o ecos dentro de pistas, graves y subgraves, es que podemos crear falsos estéreos. A priori, en frecuencias medias y altas crear estos estéreos o estos falsos estéreos con este tipo de plugins no debería de darnos muchos problemas, pero en las bajas frecuencias puede ser algo bastante delicado, ya que puede derivar a tener problemas de mezcla, como por ejemplo problemas de fase, ya que las ondas graves son ondas más amplias, ondas con más energía y son ondas mucho más difíciles de tratar que por consecuencia las ondas medias o las ondas altas, las frecuencias medias o las frecuencias altas, que son ondas más pequeñitas y más fáciles de tratar. Es por ello que si aplicamos por ejemplo un reverb en una pista debajo, tenemos que tener en cuenta que no se nos está generando información estéreo en la banda de los graves y de los subgraves. ¿Cómo hacemos esto? Pues me he venido después, hemos colocado un equate a modo midsight, nos venimos aquí en modo MS y lo que le decimos que en el modo sight hacemos un low cut, estamos cortando todo lo que está por debajo de 574 hercios. ¿Qué quiere decir esto? Que todo lo que va a haber por debajo de 574 hercios va a estar en mono y si está en mono, por consecuencia no vamos a tener estos problemas de fase que podríamos tener si trabajáramos en estéreo. Respecto a la parte mid, lo que he hecho es un low cut, cortar aquí a cerca de los 50 hercios. El sur humano empieza a escuchar a partir de los 30 hercios, así que más o menos entre los 30-50 podríamos hacer un low cut y evitar tener problemas de mezcla aquí en los subgraves, ya que es una banda de frecuencia que realmente no está aportando mucho, así que mejor cortarla y curar en salud. Y aquí en la parte de los 88 hercios, lo que he hecho es abrir un poquito de espacio para el cuerpo del bombo, que habíamos enfatizado antes en la pista del bombo, si os acordáis. El siguiente procesamiento es un compresor a modo de sidechain para que no colisione con el bombo. La siguiente pista es también hecha con el AVL de Audio Realins y lo que hemos hecho es un leak de esta manera. Este lead está basado también en la escala de Sol menor, ya que tenemos Sol, tenemos Re, tenemos La sostenido, que en este caso actúa como un Si bemol, tenemos Re sostenido, que en este caso también actúa como Mi bemol en la escala de Sol menor, en lo que estamos trabajando. Y luego aquí estamos repitiendo las mismas notas, pero con una secuencia un poco diferente también aparentemente parece que esté un poco retrasado, de hecho estamos jugando con este juego en este caso para que no suene todo demasiado cuadriculado. Pero si os fijáis, si hacemos zoom, vemos que todo está empezando en una posición del midiclip que me permite hacer. Aquí está ocurriendo exactamente lo mismo, de hecho aquí sí que está empezando un poquito atrasado, pero bueno, tampoco pasa nada. De hecho esto le puede dar un toque más natural al lead y que parezca que lo hayas grabado tú tocándolo con el teclado con tus propias manos. De hecho aquí pasa exactamente un poco lo mismo, pero bueno, no pasa nada, tampoco es mucho espacio y no va a notar que está entrando demasiado tarde. Si os fijáis aquí también ocurre lo mismo, debería de entrar quizás aquí, pero entra un pelín más tarde, pero bueno, está entrando en esta posición realmente. Respecto al procesamiento, tenemos un Equate, un low cut, cortando por debajo de las 114 hercios, ya que principalmente está trabajando aquí, entre los medios y los altos. Tenemos un Drum Boost para darle un poco más de distorsión de drive, compresión, sidechain y un poquito de reverb. Por último tenemos un pad de lo más sencillo, hecho con wavetable, está hecho con una señal entre ½ cuadrada y ½ sign aquí sobre la mitad aproximadamente. Y jugamos con una progresión de cutoff con este parámetro que pone aquí frequency, pues es el parámetro que vendría a ser el cut off en la mayoría de plugins externos que vosotros podéis tener. ¿Cómo lo hemos hecho? Pues muy sencillo. Empezamos con un acorde de Sol menor. Estamos trabajando en Sol menor. ¿Cómo hacemos un acorde de Sol menor? Empezamos en Sol y vamos a hacer una triada de Sol menor. En este caso para hacer una triada vamos a tener que trabajar con su primera, con su tercera y con su quinta. Su primera en este caso es el propio Sol, su tercera sería su tercera nota blanca. En este caso sería su primera, su segunda, su tercera. Sería así. Y ahora tendríamos que buscar su quinta, su cuarta y su quinta. Ahora mismo tenemos una triada de Sol mayor, pero si queremos hacer una triada de Sol menor lo que tenemos que hacer es reducir este espacio en comparación a este. ¿Qué quiere decir esto? Siempre que tengáis una triada y veáis que aquí hay más espacio que aquí arriba, significa que estaremos trabajando con una triada mayor. ¿Por qué? Porque hay aquí como diferencia tres semitonos, mientras que de la segunda nota a la tercera hay dos semitonos. Pero estamos trabajando en la escala de Sol menor, es decir, tenemos que hacer que aquí arriba hayan tres semitonos y que aquí abajo hayan dos semitonos para convertir este acorde en un acorde menor. Entonces lo que vamos a hacer es bajar la segunda nota un semitono más abajo. Entonces aquí ya tenemos dos semitonos de diferencia y aquí tenemos tres semitonos de difereNCIA, un acorde menor. Y lo que hemos hecho la siguiente parte es únicamente modificar la última nota. El Re de arriba lo hemos subido a Re sostenido, que en este caso actúa otra vez como Mi bemol que está dentro de la escala de Sol menor. Entonces todo esto hace que armónicamente resuene bien tanto con la línea de abajo como con el lead que hemos hecho. Vamos a escucharlo de nuevo otra vez. Bien, y hasta aquí el tutorial de hoy. Espero que os haya sido de ayuda y que os pueda dar ideas para vuestras propias producciones. Recordaros como siempre que este proyecto lo vais a poder descargar en producciononline. Com si sois miembros pro de la plataforma. Abajo en la descripción os dejo enlace información al respecto y si no estás suscrito al canal, suscríbete para no perderte ningún tutorial de este tipo, dale un me gusta bien grande y compártelo con tus amigos productores. Nos vemos en el próximo. Hasta luego.