Cómo hacer TECH HOUSE en Ableton Live | Estilo ENDOR (+Samples)

Hey. ¿Qué tal? ¿Cómo estáis? Aquí Alex de Producción Online. Com y la semana pasada nuevo vídeo ya que estuve bastante liado preparando cositas para los miembros Pro de la plataforma de Produccion Online. Com las cuales espero poder enseñaros lo antes posible. Pero también a la vez he estado produciendo algunas cositas que creo que puede ser bastante interesante compartir con vosotros porque creo que podréis sacar algunas pinceladas guays para vuestras producciones. Pero antes quiero enseñaros una curiosidad o un detalle que os puede molar bastante Y es que en uno de los anteriores vídeos que subí, donde os enseñaba cómo estructuraba yo personalmente mis temas en base a un track de referencia, alguien me preguntó si en el caso de que la estructura de mi track fuera la misma, fuera muy similar a la de otro track, si pudiera llegar a haber algún problema de copyright o de que alguien nos dijera que nos hemos copiado de esa estructura. Obviamente no, nadie te va a decir nada de que tu estructura sea muy parecida a otra. Obviamente si copias una vocal, si copias algo muy obvio, sí, pero una estructura ya te adelanto que no pasa nada, que no, que no va a haber ningún problema. De hecho te lo voy a corroborar con ejemplos reales. Para este tema yo he estado buscando algunos temas que me sirvieran de referencia sobre todo para la creación del bajo, no para la estructuración, sino para la creación del bajo. Entonces, para buscar esos temas únicamente lo que he hecho es escuchar los drops, no me he fijado en ningún momento en la estructura de los temas ni nada. Y esos temas que he escogido básicamente han sido el Social Distancing del IFOS y admiración y el FUR de Endor, que es un tema que actualmente está en el top 10 de Bitport, ahora luego lo escucharemos. Y sorpresa la mía, que cuando los puse aquí en Ableton Live me di cuenta de que la estructura de estos dos temas, al menos hasta la mitad, es exactamente la misma. Es la misma y los he escogido de forma aleatoria, no me he fijado en la estructura de ellos en ningún momento, me he dado cuenta cuando los tenía aquí en Ableton Live. Fíjate, si nos venimos aquí a la intro, vemos que los dos tienen el bombo y el bajo filtrado hasta el minuto 30 segundos, bueno, hasta los 30 segundos o el compás 17. Esto es algo bastante obvio, bastante normal, que lo podemos encontrar en la gran mayoría de casos, pero si seguimos adelante vemos que el primer drop ocupa exactamente lo mismo que en el compás 33 empieza, pero si seguimos más adelante veremos que el primer drop ocupa exactamente lo mismo del compás 17, el segundo 30, hasta el minuto una, que es el compás 33. Fíjate que en los dos casos está ocurriendo exactamente lo mismo. Aquí en el track de Endor parece que acabe un poco antes, pero realmente es porque para esta transición del primer drop a el primer paron, lo que hace Endor es quitarle los últimos cuatro bombos, es decir, el último compás para un poco que la transición no sea tan de golpe, pero realmente el parón 1 que empieza aquí, empieza en el mismo compás, en el compás 33, y fíjate que el parón ocupa exactamente lo mismo, porque luego el drop entra en el compás 49, que en este caso es el minuto 1.30. Si te estás perdiendo un poco y no entiendes cómo leer estructuras a nivel visual sin ni siquiera escuchar la canción, mírate el vídeo que te estoy diciendo, te lo dejaré aquí arriba a la derecha, ya que lo explico al detalle cómo leerlas y cómo hacerlo. Vale, ahora sí, vamos con la producción de hoy. Para las percusiones, como siempre, o casi como siempre, vamos a utilizar la librería Te House Groove 2, que es la que tenéis disponible todos los miembros Pro en la plataforma producciononline. Com, en la sección de recursos. Y en este caso he escogido este bombo, que es un bombo bastante completito. Fíjate que es un bombo que tiene prácticamente la misma amplitud, el mismo volumen en todo el sample, o prácticamente todo el sample. Normalmente un bombo tiene toda su amplitud, todo su pico en el ataque, en el principio y luego decae, en este caso es bastante gordito en prácticamente toda la duración del sample, por lo cual esto significa que vamos a tener un bombo con mucha carga en bajas frecuencias y a la vez vamos a tener un bajo, que más adelante lo veréis, que también es bastante cañero. Entonces aquí puede ser que tengamos algún problemita de mezcla, sobre todo en la parte de los subgraves. Entonces por ello es que de entrada le he metido un Multiband Dynamics. Es algo que casi nunca suelo utilizar porque cada vez en cuanto a mezcla, en cuanto procesamiento, tiendo a utilizar menos cosas, pero si es estrictamente necesario, como es este caso, sí que lo uso en este caso pues he añadido un Multivan Dynamics para comprimir un poquito la parte de las bajas frecuencias, nada más. Luego, si entramos dentro del autofilter, básicamente hay una automatización para cortar, filtrar el bombo en determinadas partes del track, como lo mismo que hemos visto los tracks de referencia que hacían aquí en la intro, que filtraban el bombo y el bajo exactamente lo mismo. Si nos vamos al snare, la única peculiaridad que os puedo enseñar es que le he metido un fade out y he cortado el sample. Esto es algo que suelo hacer últimamente mucho de las percusiones, porque me gusta que suenen secas, que suenen cortas. Si nos vamos a la siguiente perk, esto es bastante curioso porque aquí tenía un groove bastante completo de percusiones y al final no me gustaban y tanto quitar. Me he quedado con dos con este sonido que es bastante así raruno y luego con esta especie de percusión conga. Luego tenemos un loop de hi hatch que están hechos con la tethaus groove 2, lo que pasa que yo lo consolidado y queda así. Vamos a escucharlo. Y luego para completar todo el groove de percusiones, lo que he hecho es meterle un top loop. Un top loop es ese tipo de loops que encontramos en la gran mayoría de librerías de samples de percusiones, que básicamente es un groove, es un conjunto de percusiones que hacen un ritmo sin el bombo, porque normalmente tú ya tienes el bombo que a ti te gusta, que tú ya has elegido y que lo procesas aparte y luego utilizas ese top loop para ponerlo por encima de las percusiones, por eso se llama top arriba, por encima, para acabar de rellenar todo el conjunto de percus y. Y eso es lo que he hecho yo, pero esta vez en vez de utilizar un top loop de librería, lo que he hecho es samplearlo directamente del tema de referencia de Endor, el FUR. Fíjate, unos hijas de apoyo y un redoble con una percusión, no tiene más. Normalmente los top plus de librería vienen con más percus, pero esto ya me iba bien porque fíjate cómo encaja en todo el proyecto. Pues cómo vamos a samplear o cómo podemos samplear percusiones de cualquier track, o al menos de estos que he utilizado hoy. Pues bien, tal y como hemos visto al principio del vídeo, tanto el FUR como el Social Distancing tienen 30 segundos en el que está sonando la percusión totalmente libre, sin el bombo, o teniendo el bombo filtrado, pero sin el bajo, sin ningún sinte, sin ninguna vocal que nos pueda ensuciar la percusión. Entonces lo que vamos a hacer es venirnos aquí, vamos a escucharlo, a ver qué tal. Fíjate, ahí tengo todas las percusiones, pero está sonando el bombo, y el bombo, aunque esté filtrado, prefiero que no esté porque se va a mezclar con el bombo que yo ya he elegido, que ya me gusta como suena tal cual y no quiero que me desvirtúe el sonido de mi bombo. Entonces lo que vamos a hacer primero de todo es seleccionar nuestra muestra, botón derecho, le vamos a dar a dividir y nos lo vamos a llevar a una pista de audio diferente. Entonces ahora lo que vamos a hacer es ir a todos aquellos puntos en los que esté sonando el bombo y cortarlo y eliminarlo. Pues venga, ¿Dónde va a estar sonando el bombo? Pues en cada negra, aquí, aquí, aquí, aquí y aquí. ¿Vale? Y luego todo esto se repite, de hecho podríamos utilizar solamente estas cuatro barras. Así que venga, vamos a venirnos aquí, vamos a cortar el bombo, vamos a venirnos aquí, vamos a cortar el bombo, fijad la flechita con esta raya, que es el modo off, y lo que vamos a hacer es venirnos aquí, que nos parezca correcto. Fíjate lo que ha pasado. Este parámetro es como un Transient Master. No sé si a veces habéis utilizado un Transient Master que sirve para acortar los samples o cualquier tipo de sonido, o alargarlos o darles más decay. Pues en este caso lo que estamos haciendo es todo lo contrario, acortar los jks de este sonido y no hace falta utilizar ni un Transient Master, no hace falta utilizar ningún tipo de plugin. Aparte, con el mismo editor de audio de Ableton Live lo podemos hacer. Otra cosilla interesante, que me fijé hace poco en un track, no me acuerdo ahora cual es, como este arreglo con Hi Hatch que suena así, que cada vez suenan más abiertos, no más abiertos, sino más largos. ¿Por qué? Porque se va modificando, se va jugando con el decay, el sustain y el release de este mismo sample en el conjunto del sonido. Esto suena así y la verdad que Queda bastante interesante. ¿Veis cómo hacemos eso? Muy sencillo. Yo lo que hago es poner un Drum Rack, como siempre, cargamos un hi hat, este mismo, un hi hat que este sí que tenga un poquito de cola porque si no, no vamos a poder darle decay. Y lo que vamos a hacer es venirnos a la vista classic, que la tenemos aquí, y vamos a mapear o vamos a jugar con estos tres parámetros, con el decay, el sustain y el release. Si te fijas, lo que estoy haciendo es mapear todos estos tres parámetros en una macro. ¿Para qué? Para que cuando yo mueva esta macro me suban los tres valores a la vez, que es lo que va a hacer que este sonido sea más largo o sea más cortito. Podía jugar con uno con un parámetro, con el decay, por ejemplo, sí, pero si tengo el sustain abajo y el release abajo, por más que le meta decay no vamos a notar esa diferencia. Y lo mismo con el resto de parámetros. Así que lo suyo es jugar con los tres parámetros a la vez, por eso hago este mapeo. Otro dato interesante es que fíjate que cuando tenemos la macro a 0, de por sí el decay está a 256ms y el release está a 256ms y no está a 0 como por ejemplo el sustain. ¿Por qué es eso? Porque si de entrada de una esto estuviera a cero, el decay estuviera a cero. Si yo quisiera reproducir este hi hat, como por ejemplo aquí, que está sonando sin ningún tipo de automatización, sonaría muy cortito porque lo habríamos acortado totalmente. Fíjate, si yo quito el mapeo y yo dejo el Decay a 1, ¿Ves? El Decay ni suena directamente porque lo hemos cortado. Así que es importante directamente que de forma natural empiece en un punto en el que el hi hat suene bien. ¿Cómo hacemos esto? Pues nos venimos aquí a este botoncito que pone Map y aquí le podemos determinar cuál va a ser el valor mínimo que va a tener y cuál va a ser el valor máximo. En este caso el valor máximo no nos interesa porque, o sea, no nos interesa cortarlo porque nos interesa que suene lo más largo posible. Así lo que vamos a decirle es que el valor mínimo del decay y el valor mínimo del release empiecen por ejemplo a 256 milisegundos. Si yo quiero que el valor mínimo sea que de forma natural suene más cortito, pues lo que haré es bajarle los milisegundos y sonaría más cortito. Es decir, este de aquí sonaría más cortito y a partir de aquí pues ya empezaría a extenderse y a sonar más abierto, o más largo, mejor dicho. Así que nada, vamos a quitar el mapeo, que no se nos vaya al traste la configuración. Siguiente pista, el bajo. En este caso, como os comentaba antes, el bajo es bastante gordito, vamos a escucharlo, y tiene un aire, se parece bastante al FUR de Endor. Algo que os comentaba al principio y era el tema de mezclar el bombo y el bajo. Fíjate que el procesamiento de Operator no tiene prácticamente mucho, el procesamiento del bajo no tiene prácticamente mucho en cuanto a mezcla. ¿Por qué? Porque realmente no hace falta. No hace falta. ¿Por qué no hace falta? Porque es que en ningún momento está sonando el bajo a la vez con el bombo. Y eso es algo muy importante, es algo muy interesante. Fíjate que todas las notas del bajo empiezan más tarde, ¿Veis? El bombo empieza aquí, el bajo empieza aquí, el bombo suena aquí, el bajo empieza aquí, el bombo suena aquí, aquí hay una cola debajo, pero bueno, para eso tenemos sidechain, aquí suena el bajo, aquí suena el bombo, perdón, y aquí suena el bajo. No están sonando a la vez en ningún momento. Y esto es algo muy interesante porque sobre todo en proyectos de este tipo de tech house, de minimal, en los que se utilizan muy pocas pistas, lo bueno que tiene es que la mezcla se convierte en algo muy fácil, muy fácil entre comillas, en función de qué tipo de sonidos escojamos y cómo los ubiquemos entre sí. Pero si tenemos un buen ajuste de volúmenes, si hemos ubicado los sonidos, que cada uno tenga su espacio, tanto a nivel de tiempo, como en este caso de que no suenen a la vez, como a nivel de panoramización y a nivel de volumen, la mezcla, en cuanto a meter ecualizaciones, compresores y tal, es muy poco lo que tenemos que hacer. Hace poco en un vídeo uno me escribía sorprendido, me decía ¿Por qué tu bajo no tiene ecualizador? Porque no siempre hace falta meter el ecualizador. Fíjate, es algo que no sé por qué tenemos metido en la cabeza, de que todo tiene que tener super procesamiento, todo tiene que estar ecualizado y comprimido, y no tiene por qué ser así. Si haces un Progressive House, Si haces algo melódico, armónico, con 100 pistas, pues mucha suerte con ello. Y apañatelas como puedas ahí. Obviamente hará falta procesamiento y mucho desgaste mental, pero en este caso realmente, creedme, lo bueno que tiene este género es que es muy fácil de mezclar, básicamente porque tiene pocas pistas. Punto. No me voy a enrollar más, vamos a ver que más procesamiento tiene. Le he cortado parte de los saltos porque había un clic que hacía el sinte y no me molaba mucho. Un drone boost, casi siempre le meto un drone boost, me encanta la distorsión que le mete. Nada, 6%. Si seguís mis vídeos ya sabréis que lo utilizo mucho. Y luego el compresor sidechain, no tiene nada más. Un detalle interesante, un truquito para Operator es que si queréis que suene así de grave, así de gordo, ya no solamente es cuestión de trabajar con octavas graves y de venirse aquí al course y bajarlo a 0,5, que es manera de bajar más octavas. Otra cosa que podéis utilizar es trabajar con el pitch, con la envolvente del pitch. Yo normalmente lo que hago es activar el pitch, hacer esta envolvente de que empiece de abajo hacia arriba, progresión hacia arriba, y lo que hago es subirle el pitch bend un poquito, fíjate, si yo tuviera el pitch ben al 0%, mira cómo sonaría. El bajo suena más agudo, pero a la que yo le voy subiendo porcentaje y lo podía hacer mucho más grave, fíjate, pero se llega a desvirtuar, ya no suena potente. Entonces hay que buscar el punto en el que suene, para este caso, lo más grave posible, pero que el bajo suene con calidad, suene completo. Entonces en este caso yo creo que había encontrado el 16% que me gusta como suena. Vale, pista lista. Vamos al siguiente punto, que es básicamente la atmósfera. Fíjate en el tema de Endor, y en muchos temas, esto lo llevamos viendo hace mucho tiempo, no se ha inventado ahora hay un ruido de fondo y en el Social Distancing, a ver si lo tiene, No, el Social Distancing no tiene esto, no tiene atmósfera, al menos aquí en las Indros, pero el Endor sí, fíjate, el Endos, pues esta atmósfera puede ser lo que sea, ruido ambiente, ruido blanco, ruido blanco, que lo podéis crear con el mismo Operator, seleccionando la señal de onda de ruido blanco o con cualquier otro sintetizador que tenga señal de onda de ruido. En este caso yo lo que he hecho es buscar un sample de Splice de una textura de una librería, y lo que he hecho es pillar un trocito en concreto que no cambiara, que fuera estable, porque lo guay de las atmósferas, al menos para mí, para este tipo de atmósferas, es que sea estable, que sea un ruido totalmente lineal, que no vaya cambiando. Y el resultado es este, un ruido blanco de lo más normal, con un poco de sidechain, que yo lo he hecho con el. Con el shaperbox, para que siempre sea un sidechain constante, que no dependa del bombo. Y ya está, no tiene más. Ya os digo que atmósferas las podéis conseguir de cualquier manera, como si hacéis y lo grabáis. Vamos, imaginación al poder. Por último encontraremos la vocal. La vocal. En este caso la vocal da bastante por culo, ya lo sabéis. ¿Por qué os digo que da por culo? Porque a veces es difícil encontrar vocales que queden bien, sobre todo si intentas buscar una vocal que tenga un poco de letra, que sea algo cantado bien. Es muy difícil en librerías de Internet encontrar vocales buenas, sinceramente. Entonces, si por ejemplo quieres meter un rap que quede bien hecho, como por ejemplo el tema del Five de Dennis Cruz, que lo vimos también hace poco aquí en YouTube, yo creo que lo suyo es que contrates a un rapero, alguien que sepa cantar bien y te lo grabe. Es la única manera. No pretendas buscar supervocales en Internet, y mucho menos gratis o por el precio de Splice, porque no vais a encontrar. Entonces, cositas que pueden quedar bien, o frases sueltas, que es algo que se suele utilizar mucho en el test house y en géneros de este tipo, o algo que también se utiliza un montón y que casi siempre queda bien, son diálogos. Esto es un diálogo, es una vocal hablada, no está cantando, no tiene intención de cantar, por lo cual no esperas que quede bien, que quede algo tonal, que quede. Que quede algo con una letra interesante, porque no lo es. Entonces, este tipo de vocales casi siempre quedan bien. Este tipo de vocales las podéis encontrar en Splice, yo las utilizo de ahí siempre utilizo Splice. Os vais a la sección de Vocals y aquí ya vemos que tenemos Spoken Work o Dialogue. Es lo mismo, ¿Vale? Es vocales habladas. Y aquí tienes lo que quieras, tienes de todo tipo, lo que sea. Yo creo que parecen vocales grabadas de películas antiguas o algo así, o al menos le han metido este efecto de peli antiguo detalle. Cuando hagáis esto, intentar entender qué dice la vocal, porque yo me he encontrado cosas muy raras. Yo me he encontrado cosas muy raras y a lo mejor, pues bueno, hispanohablantes como nosotros, pues metes la vocal y queda bien, suena bien, pero cuando lo escucha en anglosajón, si está diciendo algo comprometedor puede ser un desastre para tu tema. Así que ten en cuenta eso, si no sabes inglés, pásaselo a alguien que sepa, que te diga que está diciendo y ya está. Normalmente aquí te dice lo que está hablando, pero en vocales que duran 15 segundos o más puede estar comentando algo que ni el que ha hecho la librería se ha percatado, se ha dado cuenta y puede ser comprometedor. Así que nada, hasta aquí el tutorial de hoy, espero que os haya gustado. Recordad que como siempre vais a tener disponible este proyecto de Ableton Live en la sección de proyectos de producción online para todos los miembros Pro de la plataforma. Os dejaré enlace abajo en la descripción del vídeo. Y recordaros que haciéndoos miembros Pro ya no solamente podéis descargar todos los proyectos que vemos aquí en YouTube, sino que podréis acceder a actualmente más de 320 vídeos distribuidos en cursos de producción, composición, mezcla, mastering, producción musical, creación de sellos discográficos. En fin, un montón de cositas que son bastante interesantes y que creo que os pueden ser de ayuda. Así que nada, si os ha gustado el vídeo, dadle like, suscribíos al canal si todavía no lo estáis y nos vemos en el siguiente vídeo. Hasta luego.