Cómo Hacer TECH HOUSE Estilo John Summit 2022| Tutorial Ableton Live

Muy buenas, ¿Cómo estáis? Bienvenidos a un nuevo vídeo aquí en YouTube. Yo soy Alex de Produccionline. Com y en esta ocasión os quiero enseñar cómo he recreado el In Chicago de John Summit, uno de mis artistas favoritos del momento y además una canción que estoy seguro que en el momento en el que suba este vídeo estará top 1 en beatboard, vamos, bastante seguro. Como siempre recordaros que tendréis disponible el proyecto de Ableton Live para todos los miembros PRO de la plataforma de producciononline. Com, abajo en la descripción del vídeo tenéis enlace y toda la información. Venga, empezamos por el kick. El kick suena así, un kick bastante gordito porque para un género musical como este pues lo pide bastante. Así que ¿Cómo hemos llegado a este resultado? Pues bueno, muy sencillo, es un layering de dos capas, de dos kicks distintos, donde nos hemos quedado con el cuerpo de uno y con la pegada de otro y así pues digamos que creamos un kick un poco más adaptado a lo que nosotros estamos buscando. En este caso he elegido dos kicks, este y este. Estas son las dos capas con las que nos hemos quedado. Ambos kicks son de nuestra librería de producción online de la Tech House Groove 2. Y el primero, el que hace de cuerpo, fíjate que ya la forma de onda se ve bastante como es un kick bastante gordito, lo que pasa que si lo escuchamos sin el filtro, la pegada que tiene no me acababa de gustar y me gustaba más la pegada que tenía por ejemplo este kick de aquí, un poco más sequita y quizás un pelín más redondita, lo que pasa que mezclado con el cuerpo del otro podía quedar bastante bien. Así que lo que hacemos es meterle un ecualizador cortando los graves en esta capa y luego pues nos quedamos con lo que nos interesa del otro kit, que era el cuerpo, la parte grave. Así que hacemos un high cut, una ecualización donde cortamos la parte de los saltos y nos quedamos con esto. En total pues sonaría algo así. A esto le podrías poner un compresor al final para acabar de empastar las dos capas. En este caso yo no he usado ni eso porque ya me ha parecido bien cómo sonaba, así que se ha quedado tal cual. Nos vamos al bajo, elemento bastante clave en esta producción y básicamente lo que he hecho es utilizar un operator, ya sabéis que a mí me gusta mucho este sintetizador nativo de Ableton Live, que además aparte de ser nativo, ocupa muy pocos recursos y suena así una melodía bastante sencillita que junto al bajo pues son Así muy gordo. ¿Cómo lo conseguiríamos esto? Pues bueno, con un Operator trabajando en el modo DFM, que es básicamente el algoritmo que viene por defecto, este algoritmo donde salen los cuatro osciladores de forma vertical, lo que hemos hecho es utilizar el oscilador A, oscilador B, el oscilador B con un pelín menos de intensidad y en este caso con un SAU para que le dé esta rugosidad que tiene, porque si no, si no tenemos este SAU, sonaría muy sign, muy senoidal. ¿Por qué sonaría sign? Pues bueno, porque la primera señal, la señal A, estamos utilizando una onda senoidal. Si hubiese utilizado yo una cuadrada o un SAU, pues sonaría mucho más rugoso, pero no queremos tampoco tener un SAU 100%, así que esta mezcla entre senoidal para tener un poco de SUV y luego modulada con el oscilador B, con un Saw 3, en este caso con una onda de sierra, pues conseguimos este resultado bastante gordito y rugosito. Algo que me gusta mucho utilizar en Operator siempre es el filtro. Me gusta mucho el filtro de Operator, ya no solamente por el filtro como tal, sino por los tipos de circuito que trae. En este caso podemos elegir por ejemplo, entre diferentes tipos de circuito que me van a añadir distorsión al sonido. En este caso yo he elegido el preset de Prodigy que emula la circuitería o el filtro del MOOC. Entonces aquí se nos habilita esta sección donde pone Filter Drive y nosotros podemos darle distorsión al asunto. No obstante, aquí la distorsión nunca es suficiente, así que le he metido un Saturator con un poquito de Drive, siempre con el Soft clip activado para controlar que no se nos vaya a distorsionar la señal. Luego un Drum Bass para darle un poco de boom, sobre todo para enfatizar estas partes, más subbase. Después un Equate para cortar aquellas frecuencias donde no me va a trabajar el bajo, que son todas estas, Fíjate que aquí directamente no hay información, así que vamos a cortar. Y después un compresor, meramente a modo de sidechain. Importante siempre que tengáis en cuenta que ninguno de los procesos esté distorsionando la señal. Fíjate que no solamente tenemos boommeters aquí al final de la pista y en el master, y obviamente siempre tienen que estar en verde, nunca tienen que llegar al rojo. Aparte de esto tenemos boommeters en cada uno de los instrumentos y los procesadores que estamos utilizando en cada momento. Fíjate que aquí a la derecha de cada uno de los dispositivos tenemos estos boom, estos medidores que nos dicen si la señal en algún momento, en alguna salida de estos procesos está distorsionando. Así que ten en cuenta que nunca llegues al rojo en ninguno de estos procesos, porque es muy fácil que llegues aquí al rojo y tú aparentemente la pista no esté distorsionando y te creas que esa pista, que esa señal no está distorsionada, pero esa señal ya está distorsionada en uno de los anteriores procesos, aunque no llegue a estar distorsionada en la pista. Vámonos a por las percusiones, muy sencillitas también, pero bastante eficaces. Suenan así. Algo interesante respecto a los claps, que es la primera pista o instrumento que vamos a encontrar aquí, es que he hecho como una especie de doblete, por así decir, que suena así. Normalmente el clap solo sería esto, pero le he añadido como este R, por así decir, ya que nos ayuda a conseguir sonidos más completitos, con un poco más de cuerpo y muchas veces sin necesidad de procesamiento ni de meter muchos plugins que engorden el sonido. Solamente es cuestión de mezclar distintos sonidos y crear nuevos a través de ellos. En este caso pues he hecho algo muy similar al kick, he buscado un snare que tenga un poco de cuerpo, como es este, y luego otro donde me ha gustado sobre todo la parte de los saltos, la parte más brillante del snare. De esta manera suena tal que sí esta nota de aquí no está haciendo nada. En su día había otros ner, o sea, tenía una mezcla de tres, un layering de tres capas, pero al final me quedé con dos. Respecto al segundo clap es exactamente lo mismo, lo que pasa que posicionado distinto. Para hacer este redoble nos vamos a los hi hats. Hi hats bastante simples. Tenemos un hi hat cerrado aquí, que está paneado un poco a la izquierda y se complementa con otro hi hat un poco más abierto que está paneado a la derecha. De esta manera conseguimos otra capa, otro layering con un hi hat que me suena un poquito más abierto en estéreo o nos da esa sensación, ya que uno lo tenemos paneo a la izquierda y otro a la derecha. Después tenemos un hi hat rápido, que suena así. Algo muy interesante es que lo que hago es randomizar la velocidad de estos hi hats, de estas notas, para que suenen así, para que tengan un poco de. Un poco de vaivén, un poco de vidilla. Esto es muy sencillo, simplemente seleccionas todas las notas si estás en Ableton Live 11 y te vas aquí a Randomize, que esta es una de las funciones de Ableton Live 11 que os digo. Cuando le dais a randomize, básicamente os va a mover de forma aleatoria la velocidad de cada una de estas notas, que es básicamente como de alto están sonando. Solamente con esta función vas a conseguir que te suenen los hi hats más dinámicos, con un poco más de juego y nos suene todo tan estático y tan plano. Un elemento que tiene las percusiones de la canción original es como esta especie de ring que suena así, o de percusión. Lo he sacado también en este caso de nuestra librería de la Tech Road Drums, todas están en producción online. En este caso era un loop, lo que pasa que me he quedado solamente con un trocito de percusión, con esta de aquí, para básicamente crear yo mi propio ritmo, que es este. Después tenemos un par de top loops para complementar casi siempre con el warp activado a modo pitch y como casi siempre suelo hacer con los transients cortaditos. ¿Cómo conseguimos esto? Pues nos venimos aquí a per serv, nos vamos a Transients y seleccionamos el modo off, que es esta flechita que está apuntando hacia la derecha. Cuando yo lo tengo al 100% pues me suena el loop tal cual es, con todas las colas de estos sonidos, pero si quiero que suene más sequito, un poco más. Con más pegada, por así decirte, pero si quiero que suene un poquito más cortito y con más pegada, más consistente, que nos interesa para este tipo de producción, lo que hacemos es cortar y suena más sequito. Otro top loop por aquí para acabar de complementar el asunto. En este caso los dos top loops lo que he hecho es hacer algo similar con los Hi Hatch. Uno le he paneado a la izquierda, como podrás ver, y otro lo hemos paneado a la derecha y todo el grupo de percusiones pues nos suena así. Mola porque en este caso cada grupo de dos compases te está haciendo como esta especie de redoble, que lo hace principalmente este top loop y hace que vaya habiendo algunos cambios aunque a priori en la mezcla no nos demos cuenta, pero estas cositas también se acaban notando y se acaban sintiendo para que de nuevo no suene tan estático todo el rato. Seguimos. Empezamos con los elementos del parón del subidón. Vamos a empezar por el típico drum fill, esta especie de redoble de snares que encontramos en los subidones, que básicamente empezamos buscando un snare que nos guste, en este caso he utilizado este, lo que pasa que si te fijas más que a snare suena como si fuera una especie de ruido blanco. Esto lo conseguimos poniendo un bocoder como el que nosotros tenemos aquí. Cuando tú pones un bocoder y en la señal carrier utilizas un noise, un ruido blanco, tienes el parámetro release para poder meterle más ruido o menos ruido a este sonido y se convierte de un elemento percusivo a como si fuera una especie de percusión white noise, que la verdad que queda bastante guapo para hacer esta especie de subidones. Fijaros, escuchar es algo que mola bastante, sobre todo para darle esta intensidad de los subidones, que es básicamente lo que buscamos en esta situación. En este caso le sigo un Equate, cortando todo el excedente de graves y medios que no nos interesa en este tipo de pista. Y después tenemos este AU Filter que lo he apagado para haceros la demostración del vocoder, pero básicamente lo que hace es cortarme todos los altos e irlos abriendo a medida que entra el subidón. Por último le he puesto un Wider de Polyverse, que es un plugin que nos ayuda a abrir la imagen estéreo de prácticamente cualquier sonido que se preste y que tenga la información necesaria para poder abrir la imagen estéreo y además funciona muy bien porque tiene bastante controladas el tema de los problemas de fase y demás, así que lo recomiendo bastante. En este caso lo que vamos a conseguir es una percepción de este field bastante más grande al tenerlo más abierto, así que nos puede ir muy bien para lo que buscamos en este subidón. Fíjate que también al principio de todo algo que nos he enseñado es el Addzone Random, que es un preset que encontramos dentro de MIDI Efex, en concreto dentro del plugin Velocity, que básicamente lo que nos hace es que lo que hemos hecho antes de forma manual por así decir. Aquí con la randomización de las velocidades, vale, que veníamos aquí, os he dicho seleccionarlo todo y darle a randomize, pum. Se randomiza. Pues básicamente te hace lo mismo pero directamente con un plugin sin tener que tocar nada, básicamente lo que hace que cada vez que suena un snare pues lo toque a una velocidad distinta y no tienes que irte al clip a tocar nada. Tenéis las dos opciones, las dos son válidas y las dos funcionan igual de bien. Después entraríamos en la sección de los efectos, para este caso es bastante importante los efectos y los swipe ups ya que John Sumit los utiliza bastante. Daros cuenta que Johnsumit viene de una producción o mezcla, una producción bastante parecida al EDM, sobre todo en los parones, así que se utiliza muchísimo efecto de subida y sonidos así, razers y demás. Entonces lo que he hecho es utilizar primero de todo blifters de este tipo que los podéis encontrar en cualquier librería, uno por aquí, otro por aquí, más largo, swipe downs para dar atmósfera en los bajadones y en las petadas. Luego tengo como esta especie de redoble de efecto que me ha gustado bastante para transicionar entre la primera parte del parón y luego cuando ya entra el subidón de verdad con el Snerfield sonaría tal que así Después encontraríamos más efectos de atmósfera, en este caso una vocal que suena tal y así en el parón original suena como una especie de vocal que hace como una melodía, obviamente no he encontrado la misma, pero algo similar para que le dé esta atmósfera y básicamente pues me genere este colchón en el parón. En este caso todos los samples que veis aquí de efectos los he sacado de librerías de Splice. Por otro lado encontramos como una especie de pads en el parón, en este caso van a sonar así, donde los vamos filtrando con este filtro, con una automatización vamos abriendo y cerrando y básicamente son dos presets de la librería nativa de Ableton Live, Uno es el Mtron Strings que está hecho con el Analog y después tendremos el Matrix Horns que es un preset del Wavetable. Simplemente con que escribáis estos nombres aquí en el buscador dentro de Instruments os aparecerán junto a los efectos. Sonaría así Vale, algo que me gusta mucho de esta canción es que justamente antes del drop añade como una especie de pat aparte o unos cords que le dan mucha más intensidad antes de la petada, que en este caso yo lo he representado, lo he interpretado así, la verdad que mola mucho y le da ahí como ese toque final que mola bastante. Es otro preset del Wavetable, se llama Andreas White Park White Pad. Le he metido un saturador a 9 decibelios bastante caña porque la verdad que necesitaba que tuviera bastante carácter este pad porque justamente es lo que suena ahí al final. Vamos a escucharlo con la mezcla de todo, ¿Vale? Muy clave y además deja esa cola de reverb que mola un montón, para eso es importante los envíos a reverbs que los vamos a ver un poquito más tarde. Elemento bastante clave en el parón de esta canción y es esta pista de ACID que suena tal que así. Es una secuencia bastante sencillita y a nivel de diseño sonoro es aún bastante más sencillito porque es el primer preset que te viene cuando abres Silent, que en este caso es el plugin que hemos utilizado y el preset en cuestión es el ARP 303 SAO. ¿Cómo sé que es este preset? Bueno, no me lo inventado, simplemente que John Summit subió un stories o un reel en Instagram, que te lo voy a dejar por aquí si no lo has visto, donde básicamente enseña ya no solamente el preset que utilizó, sino que enseña algunos elementos más de la canción que me han servido a mí para pisparme y hacer este tutorial. Ahora vamos a entrar dentro de los arreglos dentro del drop, y esto es algo muy típico, ya no solamente en John Sammet, sino en el TED comercial de este rollo, y es que para no hacer los drops tan lineales y tan monótonos, solamente con bombo, bajo y la percusión o como mucha alguna vocal, se meten algunos arreglillos de sonidos o de sintes, ¿Vale? Entonces en este caso empieza con una especie de sinte súper distorsionado, o al menos yo lo he interpretado así, que es esto. Vamos a escucharlo en contexto y luego el pa, pero eso lo vamos a ver más adelante. Vamos a empezar por el sonido del sérum. El sonido del sérum es bastante sencillo, ya que hemos empezado con un diente de sierra, luego yo lo he mezclado con el oscilador B, en este caso con la tabla de onda de bus y podría servir también otra sierra distinta. Aquí la gracia para que esto suene tan distorsionado y como tan abierto, tan rasgado, es que le hemos puesto un Isono A en los dos osciladores, muy importante y hemos trabajado con una envolvente ADSR del amplificador muy cortita, fíjate, básicamente para que se aprecie mucho la intersección entre nota y nota, el Papá Papá. Para hacer esto pues se necesita que la curva de ser sea bastante cortita, ¿Vale? Sobre todo aquí el decay y el sustain, que a la vez es lo que le hemos enviado aquí al filtro para que abra y cierre cada vez que suena una nota, que es una de las cosas que se utiliza tanto haciendo bajos como sintes, pero cuando tienes notas sobre todo cortitas, que quieres que se acentúe mucho la diferencia entre ellas y que no se mezclen las colas las unas con las otras, ¿Vale? Porque a veces se nos mezclan las colas y parece como un sonido largo en vez de una continuación de notas que están marcando. Por otro lado hemos trabajado con una curva ADS R dentro del amplificador, bastante cortita, fíjate, esto va a ser clave para que se acentúe mucho cada una de las notas y haya esta diferencia y tengan este ataque, porque muchas veces si no hacemos esto, lo que ocurre es que las notas, las colas de las notas se mezclan las unas con las otras y parece que tengas como una nota larga en vez de tener una nota corta. Entonces esto junto a enviarle esta misma envolvente al cut off del filtro, que básicamente lo que hace es esto, filtrar cada vez que suena una nota, pues conseguimos que estas notas sean tan acentuadas. Es algo que se utiliza mucho pues cuando quieres hacer los típicos rolling bass de Melodic Techno o de tecno, el típico tutti o por ejemplo un arpegio, cualquier cosa de estas. Después nos hemos ido aquí a la cadena de efectos, bastante importante porque le hemos metido bastante distorsión, fíjate, sin distorsión sonaría así, con distorsión suena así. Y súper importante el Hyper Dimension, uno de mis plugins, bueno, de mis efectos favoritos dentro de Serum, porque hemos conseguido de pasar de este sonido que es básicamente de sinte normal a esta especie de sinte súper abierto y bastante guapo, es como una especie de expansor en cuanto a campo estéreo, como el wider que hemos visto antes mezclado con un chorus, la verdad que me gusta mucho cómo funciona para este tipo de cosas. Vale, seguimos viendo arreglos del drop, en este caso tenemos estos tres sonidos que suenan así, que a priori parece que no tienen mucho sentido, pero en conjunto suena tal que así. El primer sonido es un Stab hecho con serum, una simple nota tal que así, que viene del sonido anterior, pero con algunas modificaciones dentro del serum, como por ejemplo que el oscilador B pues es directamente otra señal de sierra. No nos complicamos mucho, mantenemos el unísono A y en este caso he hecho una envolvente un poquito más abierta, es decir, no suena tan cortito el sonido, pero aquí la gracia está en esta ecualización rollo radio. Digo rollo radio porque ya no solamente que le quitamos los graves, sino que también le quitamos parte de los saltos y enfatizamos aquí sobre los medios altos, por lo cual es una ecualización así como muy de radio antigua, por así decir, para que suene de esta forma, que es lo más parecido al sonido de la canción original de In Chicago de John Summer. Luego estos sonidos de aquí son totalmente random. ¿He recreado esto? Pues muy sencillo, vamos a hacerlo desde cero aquí en una pista de audio nueva. Vamos a cargar un snare que de por sí va a sonar así, pero si yo entro dentro del clip de audio voy a ver que el warp está desactivado. ¿Por qué? Porque por defecto el warp viene desactivado en muestras cortas, aunque esto lo puedes configurar en la sección de preferencias. Si yo activo el warp, entre otras cosas, voy a poder acceder a los marcadores de warp, que son estos puntos de color amarillo que yo puedo abrir, Yo puedo habilitar, si hago clic aquí en la barra gris oscuro que tenemos estos marcadores me van a poder permitir estirar o acortar este sonido, es decir, jugar con el time stretching. Ahora mismo no voy a poder pasar de aquí porque hay otro marcador, pero si yo elimino estos marcadores voy a poder estirar este marcador hasta el infinito y más allá, pudiendo conseguir un resultado así. Ahora mismo suena a trompicones porque estamos en el algoritmo bits, pero si nos vamos a Complex, que es un algoritmo que trabaja de una manera un poco más suave, perfecto. Y ahora vamos a irnos al pitch y vamos a bajar de una barbaridad. Yo lo he bajado creo que a menos 20. Al fin y al cabo esto es una edición de efecto creativa, así que no estamos buscando tonalidad, ni estamos buscando nada, pues ya tendríamos el efecto que estábamos buscando. Vale, nos vamos a la vocal. La vocal en este caso la he reinterpretado ¿Como? Bueno, pues con mi propia voz. Aquí no soy cantante ni muchísimo menos, pero John Summit tampoco y también canto él y le quedó más o menos bien, así que dije, pues no, vamos a ser menos y vamos a intentar a ver qué sale. Obviamente no me ha quedado tan bien como él, pero bueno, oye, creo que puede servir para explicaros cómo podéis grabar vuestras propias vocales y meterlas en vuestros temas, porque a veces en según qué cosillas o según qué momentos pueden quedar bien. Vale, mi vocal cantada sin ningún tipo de procesamiento sonaría así. ¿Cómo haríamos esto? Pues bueno, muy sencillo realmente. Abres una pista nueva, te aseguras que la entrada sea la entrada donde tengas conectado tu micrófono, en este caso yo es la Audient ID, fíjate, ya me está entrando señal. Y básicamente pues grabas lo que te dé la gana. Cualquier frase random puede quedar bien. I'm drunk and I'm high, I'm drunk and I'm high. Vale, me quedaría con la versión que más me encaje, que más me. Que mejor me haya quedado dentro de lo que cabe, porque creo que yo cantando soy insalvable. Y para desvirtuar un poco mi voz y que no parezca yo al final, porque es un poco lo que buscamos, sobre todo cuando tenemos esta voz de chaval que no cuela mucho, pues lo que voy a hacer es utilizar un plugin que me permita cambiar la formante de esta vocal. En este caso voy a utilizar el Little Alter Boy de Sound Toys, que os lo recomiendo un montón porque como os digo, nos permite cambiar la formante. ¿Que es la formante? La formante básicamente es lo que determina la tez de tu voz, más o menos, si nosotros podemos cantar en la misma tonalidad, pero tú tener un tipo de voz que tienda más a ser más grave y la mía más aguda, pero que estemos cantando en el mismo tono, básicamente es el margen de frecuencias en el que se mueve tu voz. Entonces, pues básicamente es lo que podemos tocar con la formante, es decir, sin poder cambiar el pitch, porque yo ya he cantado en el tono de la canción en Re, puedo hacer que esto suene mucho más grave, ¿Vale? Fíjate, o más arriba incluso, que no es lo mismo que tocar el pitch, la tonalidad, que sería esto de aquí. Así que vamos a mantener el pitch a cero y jugamos con la formante. Algo que me gusta mucho del Little Alter Boy es que podemos cambiar los modos, en este caso yo lo tengo puesto en Transpose porque quiero que me juegue con esta transposición de la formante en este caso, pero podemos jugar en modo robot y puede sonar de esta forma, que es básicamente lo que le he hecho en esta parte de la vocal, donde con una automatización le he activado el modo robot por un momento solo, cosa que mola bastante, queda bastante bien a mi parecer. Luego estos efectos que van sonando cada vez que acaba la vocal lo estamos consiguiendo con una especie de reverb delay de Arturia, que es este, el Rep Intensity, que me mola bastante porque solamente con tocar el Size Me hace estos efectos de tiempo, que lo podemos conseguir realmente con cualquier delay, pero en este caso me mola bastante el efecto que estoy consiguiendo con este plugin porque ya te digo, tiene una mezcla entre reverb y delay que está bastante bien. Después vamos con un poco de ecualización y de nuevo un poco de wider para abrir un pelín la vocal. Así que venga, vamos a escuchar cómo ha quedado el resultado. Concentrate, concentrate bien. Y hasta aquí el vídeo de hoy, espero que te haya gustado, si ha sido así, pues me gustaría mucho que me lo dejaras abajo en los comentarios y me comentaras también qué otros artistas te gustaría ver en un futuro aquí en el canal. Así que sin más, si te ha gustado ya sabes, dale un like en grande, suscríbete al canal si todavía no lo estás y recuerda que si quieres aprender a producir tus propias canciones de principio a fin en tu home studio, en produccional. Com tienes más de 670 clases distribuidas en cursos donde abarcamos todos los procesos de creación de una obra musical, así que si quieres echarle un ojo, abajo en la descripción del vídeo te dejaré enlaces. Nos vemos en el siguiente tutorial. Hasta luego.