Cómo producir AFROHOUSE | Keinemusik

Ken Music es un trío de artistas que parece que no tienen techo desde que ha empezado a petar el afrojado. Solamente su último track, el Bun, ya tiene casi 14 millones de escuchas y solamente en Spotify. Y lleva apenas 10 días lanzado desde el momento en el que grabo este vídeo. Y créeme que esto para cualquier género de la música electrónica es muchísimo. ¿La buena noticia? Que lo he recreado enterito para ti. Así que venga, vamos a ver cómo se ha producido, vamos a ver qué podemos aprender de él y cómo puedes hacer tú un tema a este nivel. Lo primero de todo va a ser sacar la boca, así que me voy a ir a Beatport, vamos a comprar el tema, que también será un buen lugar para ver a qué tonalidad y a qué tempo está. Será clave para el remake. Yo realmente, como ya lo tengo comprado, me voy a venir aquí a mi cuenta y le vamos a dar aquí a descargar. Siempre que queráis ampliar o pillar una vocal o lo que sea, os recomiendo que compréis el tema en WAP sin pérdida. Para extraer la vocal me voy a venir aquí a Fader com Stems y simplemente vamos a arrastrar el tema aquí. Se lo va a pensar durante un ratito. Listo. Vamos a ver. Nada mal. Venga, para adentro. Como el tema original está a 120 bpm, sé que la vocal por narices va a 120 bpm. Así que primero de todo vamos a poner nuestro Ableton a 120 y solamente vamos a tener que ajustar la vocal. Vamos a tener que cuadrarla al tiempo. Asegúrate que en este caso el warp está desactivado porque no nos hace falta. Perfecto. Vamos a seguirle por un kick. Aquí tengo el kick real sampleado. Aquí tengo otro que puedo utilizar. Y aquí tengo una capa. Un clic. Ahora mismo vamos a utilizar tanto este como la capa. Algo que se utiliza mucho en estos géneros musicales y que ayuda a empezar a dar de forma a los graves es utilizar toms. Si os fijáis, la original los tiene desde el principio. Así que para esta ocasión lo que he hecho es utilizar uno que tenga bastante cuerpo y otro con una capa por encima que le dará algo de textura. Y fíjate que al de la capa de arriba lo que he hecho es aplicarle un efecto hash. ¿Qué es un efecto hash? Pues bueno, si yo pongo un delay, quito la sincronía de ambos y uno de los dos canales, me lo bajo a un milisegundo, el drywall lo pongo al 100% y el otro canal lo pongo entre un milisegundo y 15 milisegundos. Lo que voy a tener es este efecto de delay muy rápido, hasta 15 segundos. El oído es incapaz de percibir que hay diferencia entre izquierda y derecha, por lo cual no lo entiende como un delay. Pero si te fijas, automáticamente hemos conseguido que el sonido suene un poquito más abierto. Fijaros, sin fijaros con de esta manera tengo una capa de tom un poquito más abierta y además la podemos empezar a texturizar poniéndole algo de saturación, pero esto solo en la capa de arriba. Nosotros seguimos teniendo nuestro tom consistente abajo. De esta manera tenemos un tom potente y texturizado y luego un poquito de ecualización, enfatizando los graves. Pero Alex, ¿Por qué no cortas los low ends? Luego te preguntas por qué no suena todo vacío, hueco y delgado. Pues bueno, por ahí van los tiros. Fijaos cómo suena y no ha entrado ni el bajo. Algo que caracteriza mucho a los temas de Adam Port o de KD Music en general, es que siempre tiene como una atmósfera estática. Es como un hilo conductor en el que alrededor de ello van orbitando y van apareciendo diferentes instrumentos, diferentes protagonistas de esta historia. En este caso vamos a empezar esta atmósfera con este arpegio, que si te fijas, lo que he hecho es seleccionar sobre todas las notas donde cae en el kick y me ha asegurado que tienen una velocidad baja, es decir, que están sonando bajito para que no choque con el kick y luego con el resto de velocidades pues vas jugando con ellas para que no suenen estáticas. Si no sabes de dónde sale esto, simplemente te vienes aquí a este botoncito, seleccionas todas las notas y aquí pues puedes mover las velocidades al gusto. Alex, ¿De dónde sale este sonido? Pues de un preset Ableton Live, como la gran mayoría de los que uso. Simplemente te vienes aquí a instrumentos, en este caso es un preset del Wave Table, así que nos vamos aquí, instrumentos, abrimos Wave Table y como quería un sonido así Plucky, pues me voy a venir a aquí a la sección de filtros y voy a buscar Guitar Plug. Esta sección de filtros es nueva dentro de Ableton Live 12, y en concreto es este, el Please Pizza. Como también le faltan unas atmósferas sostenidas. Pues aquí tenemos este sonido que es otro preset del wavetable y este otro de aquí que adivina, es otro preset del wavetable. En este caso los podéis encontrar en la sección de Paths o de Ambientes and FX. En todas estas secciones de aquí vas a encontrar mogollón de texturas y de background y ambientes. Vale, ya tenemos nuestro kick, nuestros torn y tenemos nuestras atmósferas. Nada mal. Vamos a seguir con unas percusiones base. Las percusiones base son aquellas que no van a cambiar mucho a lo largo de todo el arreglo del track. Son aquellas percusiones que nos ayudan a rellenar un poco tipo shakers, algunos hi hats, algunos toms de relleno también y que lógicamente iremos seleccionando en qué sección queremos que suenen y en cuáles no, pero siempre van a seguir una misma tónica. En este caso tenemos estos toms que suenan cada cuatro compases. Ya más que un tom es un bajo del wavetable, es también un preset. Después le sigue como un juego con white noise y unos shakers. Esto suena tal cual en la canción original. Es un white noise con un shaker a la izquierda y luego otro shaker a la derecha. El white noise lo he hecho con un analog y el resto son shakers one shot. Un poquito de ecualización enfatizando porque si no, no sonaba y algo de distorsión. Y después ya te lo sabes, tenemos shakers, tenemos hi hats, tenemos más lu. Lo de siempre. Pero ¿Qué es lo que le hace característico a la fro house en cuanto a percusiones? Pues sobre todo el uso de congas y de bongos. En este caso tenemos toda esta sección de aquí, la sección que veis de color naranja y esta pista verde, que la veremos más adelante. Y básicamente son samples de este tipo, como este snare de madera o este picnic snare. También tenemos este redoble de bongos que se utilizan para cambios en las secciones del arreglo y que se complementa con otro mucho más sequito que es este de aquí, que es una conga. Que por cierto, todas estas percusiones salen de la Corel Library, que es una librería nativa de Ableton Live. La vas a encontrar aquí en la sección de packs. Te vienes aquí a Core Library. Pues aquí los tenéis, fíjate. Tenéis mogollón de bongos, mogollón de claps, congas y todos estos soniditos como yo quería darle un toque de bongo extra, lo que he hecho es seleccionar este sample, que lo tenéis en la sección de loops dentro de la misma librería y hace como una especie de pregunta respuesta fija nota importante para hacer que tus percusiones no suenen aburridas. Y es que escuchando mucha música, ya no solamente de este tipo, sino de cualquier género de electrónica, una de las cosas que más me cautivan a mí es que las percusiones sean impredecibles. Es decir, que No me escuche 7 segundos de la canción y ya sepa exactamente qué patrón rítmico se va a repetir todo el rato. Y para conseguir esto tampoco hace falta hacer patrones rítmicos súper complejos y que estén en constante movimiento y que nunca suenen igual. Lo que hace falta es crear frases largas. ¿A qué me refiero con largas? Pues bueno, si nos venimos a esta sección del tema, lo que he hecho es consolidar varias frases para que veas exactamente cuánto dura cada frase. Porque si te fijas aquí las tengo sueltas y es como un poco difícil de ubicarte, pero si yo las selecciono todas en una frase, fíjate como realmente todas las percusiones me están ocupando esta sección de aquí, que esto es ni más ni menos que 32 compases. Es decir, si yo pongo la rejilla, botón derecho a 1.4, es decir, cada rayita que ves aquí es un beat, es un pulso, es donde iría un kick, pues aquí en total vamos a tener 32. Una de las percusiones que dura 32 compases es esta conga sequita que hemos escuchado antes. ¿Porque sé que la frase de esta percusión dura 32 compases? Porque es básicamente lo que tarda en repetirse todo este ciclo. Si a mí esta conga realmente esto estuviera así y se estuviera duplicando todo el rato, me estaría ocupando esta frase unos 8 compases. De nuevo, si yo pongo la rejilla 1, 4, cada rayita es un pulso, pues vería de que esto de aquí es un compás, 4 rayitas es un compás, lo podemos poner también en una barra, entonces cada rayita es un compás y me duraría exactamente ocho compases. Pero fíjate que en realidad esto aquí no se repite, pero aquí parece ser que sí que se repite. Realmente lo que hemos hecho es saltarnos un bloque de 8 compases y luego aquí se vuelve a repetir. Es decir, entre esta y entre esta Sí que hay ocho compases, pero entre esta y luego la siguiente hay 16 en medio. Sin embargo, si yo duplico todo este bloque de 32 compases, pues es exactamente el mismo patrón general duplicado. Esto parece un poco loco, pero es realmente bastante sencillo. Y visto en una pista tan sencilla como es esta, que tenemos literalmente tres sonidos de percusión, creo que se ve más fácil. Aquí arriba, por ejemplo, se ve más claro. Esta frase de los bongos estos que hacían pregunta y respuesta, me está ocupando la mitad, me está ocupando 16 compases. ¿Por qué? Porque esta frase y esta frase se pueden duplicar. Y en este caso aquí tendríamos cohesión. Pero si por ejemplo nos vamos aquí abajo, donde tenemos los bongos abiertos, como solamente va a sonar una vez en toda esta sección de 32 compases, pues podríamos decir que esta frase, entre comillas, dura 32 compases. Mira Sales, ¿Cómo puede ser que dure 32 compases si solamente está sonando una vez? Pues bueno, porque el resto realmente son silencios, pero también forman parte de la frase. Pues básicamente todo este bloque que veis aquí es lo que se está repitiendo durante todo el arreglo. Lo que pasa que es una frase suficientemente larga como para que te parezca que siempre están ocurriendo cosas diferentes. Pues esto que acabas de aprender ahora es la base de las percusiones en música electrónica y una de las características principales entre un tema de un amateur y un tema de un profesional. Vámonos a por las armonías. La melodía de esta canción es bastante sencilla de identificar, así que yo la saqué a oído. De hecho, si nosotros ponemos nuestro scale en La bemol o G sostenido, Sol sostenido, que es lo mismo menor, que es la tonalidad que habíamos visto en Bitport, vemos que todas las notas encajan dentro de la escala. Fíjate que todas las notas están señaladas de color lila. Eso significa que están dentro de esta escala que hemos seleccionado. De hecho, si solamente pulsaras scale, pues te aparecerían las notas que están dentro de esta escala y vemos que salen todas. Para el sonido he utilizado un preset de piano que se llama Piano. Si tú te vienes aquí a la sección de instrumentos y ahora en filtros buscas por piano, pues aquí tienes todos los pianos del mundo habidos y por haber. Así que antes de gastarte la pasta en un contact, échale un ojo a esto, que hay sonidos bastante chulos. Pero este sonido necesita ser armonizado. Así que le hemos sacado estos acordes. La manera de sacar estos acordes puede ser muy sencilla. Simplemente vamos a partir de la melodía principal, vamos a bajarla una octava y vamos empezar a crear acordes a partir de estas notas. La nota base la tenemos en La bemol o Sol sostenido. Así que para hacer una triada podríamos subir por ejemplo a Do sostenido, y luego podríamos hacer una duplicación de octava de la nota raíz, es decir, llevarnos este Sol sostenido aquí arriba. Me suena todo muy agudo. Vamos a bajarlo una octava todo junto. Esto sería un acorde de La bemol. De nuevo, si nos vamos a esta página web que me gusta tanto, Scales Chords Com, vas a poder dibujar aquí el acorde. Hemos empezado con un La bemol o un Sol sostenido, que era lo mismo. Le hemos seguido por un Do sostenido, que en este caso es el Re bemol. Y aquí abajo nos dice. Pues tendríamos un re bemol 5 o un la bemol, depende cómo lo mires, pero es lo mismo. Y después le habíamos duplicado este La bemol que tenemos aquí, así que se queda en el mismo acorde. Como la melodía principal tiene un arreglillo antes de que entre cada nueva nota, vamos a replicar lo mismo con la armonía. Es decir, en vez de empezar aquí, pues vamos a hacer como un cambio justamente aquí. Y ahora vamos a irnos por ejemplo a un acorde de Si. Empezaremos en B en Si, nos vamos a Mi y el de arriba lo dejamos igual. De nuevo, aquí lo podéis ver, si Mi, La bemol o Sol sostenido, podría ser un acorde de Mi o de Si. Y luego en el tercer acorde hace tan E NA es E Si, Así que venga, vamos a marcar de un Si aquí arriba, y el Mi de antes lo vamos a a bajar a Re sostenido. Vamos a subir este La a Si, que si no queda un poco raro. Vale, ¿Cómo podemos hacer este último acorde? Este último acorde baja un poco, viene de este de aquí, que esto básicamente es un acorde de Si. Pues venga, vamos a ver la nota de arriba, que es digamos la más característica en este caso, que nos va a dar la tonalidad, pues esta nos puede servir. El La sostenido Yo realmente os enseño las notas para que tengáis algo sobre el papel, pero yo esto lo hago oído. Yo entiendo lo justo de teoría musical, no os voy a engañar. Este Do sostenido nos puede funcionar. Y luego vamos a bajarnos aquí a un Fa, para que veáis que no se engaño. En el tercer acorde hemos partido de un acorde de Si, que es Si, y en este caso Re sostenido, que aquí lo tenemos como Mi. Fijaos, acorde de Si. Y luego nos bajamos a Fa sostenido, que lo tendríamos aquí en Sol bemol. Do sostenido, que lo tendremos aquí como Re bemol. Y después nos vamos a La sostenido, que lo tenemos como Si bemol. Tenemos un acorde de Sol bemol. Si, Sol bemol. Vamos a ver cómo va sonando esto. El bongo. La respuesta, las congas antes del cambio. ¿Ves? Vuelven los bongos porque ya tenemos este cambio de 16 compases. ¿Os acordáis este bongo más abierto que sonaba solamente cada 32? Pues aquí ya estamos en medio del bloque de los 32 y por eso aquí vuelve a entrar los otros 16 de los bongos. Aquí estamos en la mitad del bloque de los 32. Entra puente. Este vídeo no lo monetizo, pero ojo, cuidado con esto, porque aquí han pasado dos cosas que cuando ya las descubrí me voló la cabeza. Y es que ¿Dónde está el bajo? No hemos escuchado el bajo todavía. Y es que el bajo no ha entrado hasta ahora, hasta este momento, que es exactamente el minuto 1.44. Hasta el minuto 1.44 no teníamos bajo, pero no lo has echado en falta porque ya habíamos construido ese low end, ese groove con los toms y las percusiones. De hecho, el que te guardes una pieza tan fundamental como es el bajo hasta el minuto 1.40 y cu, te va a permitir hacer el arreglo que te dé la gana y hacer una canción como la que durará esta, de 6 minutos en su versión extendida, sin que aburra para nada, siendo todo un viaje. Es increíble. Esto me ha parecido espectacular. De hecho, algo muy chulo que tiene también este bajo es que entra en el segundo beat, fijaos. Esto es algo bastante inusual también. El bajo, como veis, es muy simple. Sigue las tónicas del acorde principalmente. Y sorpresa, pues también es un preset de, en este caso, el operator. El bajo solo suena así. De hecho, una de las cosas que a mí me gustan más de utilizar presets de Ableton o en este caso presets de Instrument Racks es que ya te vienen algunas macros mapeadas. De hecho mola mucho que le podamos meter saturación a este bajo porque si no la tuviera sonaría muy sup. Fijaos, suena gordo, suena potente, pero en la mezcla apenas tiene presencia. Fijaos, fijaos la diferencia con un poquito de saturación. Escuchad. Muchas veces creemos que nuestros bajos no tienen presencia y realmente están ocupando mucho en la mezcla, sobre todo en la parte de los graves. Pero para que nosotros percibamos ese bajo en el conjunto de toda la mezcla, donde realmente tiene que tener presencia es la parte de los medios. Y lo que estamos consiguiendo con la saturación es generar esos armónicos, generar esa riqueza en la parte de los medios que es lo que más vamos a escuchar fácilmente con nuestros oídos. Luego, antes del drop 2 tenemos como una especie de puente en la que entran como unos claps extras que realmente hacen el mismo patrón que el tom de los graves pero en una parte más media de frecuencias y suenan así. Vamos a escuchar primero el track de referencia, el track real y vamos a ver cómo lo hemos hecho. El sonido de estos claps en la canción original me mola mucho porque suena como súper distorsionado pero a la vez abierto y con mucha textura. Y esto se puede conseguir muy fácil como lo vais a ver ahora. Primero de todo es interesante trabajar con diferentes capas de snares. Yo en este caso he utilizado este snare, este de aquí, este de aquí y este de aquí. Todos de la librería nativa de Ableton Life que os he enseñado que está dentro de packs en la Core Library. Y algo muy chulo que podemos hacer cuando trabajamos con drum racks en MIDI, dentro de un clip MIDI, es que yo puedo poner aquí todas las percusiones, todos los sonidos que suenen a la vez o en el momento que yo quiera y fíjate cómo ligeramente lo que he hecho es moverlos un pelín. De esta manera lo que hacemos es conseguir esta especie de efecto hash que antes habíamos conseguido con un delay pero de una manera un poquito más manual. Entonces pasamos de tener un clap sho sainas que suena en el centro y que suena muy sencillo a algo con mucha más texturilla y luego si te vas a quedar a la sección de cadenas y juegas con la panoramización en cada uno de estos snares, pues haces que suene un poquito más a de nuevo, como una especie del efecto hash que os comentaba antes. Como no a esto hacía falta meter de saturación, porque como te digo, el snare original suena como súper saturado. En general, el track original suena bastante saturado, con mucha textura, así que hacía falta meterle Saturator. Y algo muy interesante que tiene Saturator para conseguir este sonido más texturizado, un truquillo que he aprendido es jugar con la base. Fijaos sin el Saturator como suena. Primero de todo con el Saturator sin. Pero es que si le quitas la base, el beige, fijaos, suena saturado. Pero si yo le meto beige, fijaos qué pasa. ¿Ves? No solamente es distorsión, sino es como si lo machacara, como si lo chafara y el sonido original suena así. Y la verdad que tiene su gracia si lo haces de una manera controlada y con gusto, yo creo que le da un toque bastante guay. Algo que hago siempre con el Saturator es que intento bajarle el output más o menos los mismos decibelios que le he metido con el drive para quedarme solamente con el efecto y no subir el volumen. El volumen siempre lo voy a controlar desde la pista y así tampoco me sesgo con el volumen y sé exactamente qué efecto, cuánto efecto le estoy metiendo. Os vais a cansar de escuchar este tema este verano. Por último, el sinte que acabáis de escuchar en las segundas partes de los drops que tiene el tema, entra como esta especie de Juno que suena así Este es el tema original y este es el mío. Sin complicaciones. Te vienes aquí a Instruments, en este caso vamos a buscar por leads, y yo lo que he hecho es seleccionar este preset que se llama Sync Juno Lead, que aparte yo le he puesto un Chorus Ensemble. Vamos a escuchar cómo suena sin los efectos y con los efectos. Para que os hagáis una idea bastante sencilli con el Chorus lo abre un poquito y empieza a hacer como esa especie de detune. Pero lo que le hace realmente esta especie de desafinación analógica es el Combat Kit. En este caso he intentado ceñirme lo máximo posible a plugins nativos de Ableton Life, que es lo que me gusta utilizar más, pero este toque analógico de delay antiguo lo he conseguido solamente con el Combat Kit, no lo he conseguido con un plugin nativo de Ableton. Y fijaos, la difer tiene hasta ese puntito de saturación que mola mucho, le queda muy bien, fijaros, sin con y para que no sobresalga demasiado en la mezcla, pues obviamente un Equate y lo he cerrado un pelín.