Cuando usar (y chopear) VOCALES de LIBRERÍA te sale Bien | OVERMONO

Si algo tienen en común Vicep Furtet, Fred Again o incluso Tom Yor de Radiohead es que en algún momento han trabajado o han reconocido el trabajo que está haciendo Obermono para la electrónica inglesa actual. Este dúo son Ed y Tom Russell, dos hermanos que vienen de la parte más rural de Gales del Campo, y es cierto que su carrera empezó por separado realmente y en una escena más underground de la que están ahora, pero ha sido durante estos últimos años que han sabido surfear bastante bien esa fina línea que hay entre hacerse mainstream y llegar a un público más amplio sin dejar de hacer la música que te representa y por la que te sientes sientes orgulloso, cosa que no es para nada fácil, así como firmar un contrato con Excel Recordings que tampoco debe ser muy fácil. En este vídeo vamos a recrear el show You Know, uno de los temas más populares de su disco debut y que tiene varias cositas interesantes aprender y que puedes aplicar en tus proyectos, desde cómo crear un beat roto hasta cómo crear patch modulados o chopear vocales. El patrón rítmico del tema que vamos a ver tiene su origen en el two step, un género proveniente de la electrónica inglesa del UK garage. Concretamente ¿Qué significa two step? Pues dos pasos. Y es que si nosotros tomamos un básico de house encontraremos que tenemos un kick por pulso, el conocido 4 on the floor o bombo A negras dentro de un ritmo de X. Como ves aquí cae un kick en cada pulso, cuatro kicks por compás. Sin embargo en el two step encontramos dos pasos en vez de cuatro. El caso más sencillo es encontrar un kick en el primer pulso y en el tercero, saltándote el segundo al cuarto. Y de hecho puedes añadir más kicks, no solamente dos por compás. La única premisa es que todos no caigan en pulso. Realmente lo más común es mantener en pulso el primer kick de la frase, el resto puedes hacer lo que te dé la gana. Que por cierto, estaba yo editando el vídeo y he pensado, oye, pues quizás hay gente que el tema de compás ritmo pulso pues le sigue sonando a chino. Pues bueno, si es tu caso no te preocupes que aquí te dejo un vídeo de Jaime Altozano que explica estas cosas maravillosamente bien. En el caso del show You Know es muy sencillo. Tenemos un snare en la posición típica de un beat de house, es decir, un pulso no un pulso sí, un pulso no un pulpo sí. Tenemos un hi hat a contra en off beat, es decir, en la posición punto tres de cada pulso. Aquí, aquí, posición punto tres aquí y aquí. Y en el caso del kick, pues ocurre muy similar a los ejemplos que hemos visto anteriormente. Empieza el primer kick en el primer pulso, y el siguiente kick, en vez de irse al tercer pulso, empieza un poquito antes aquí en la cuarta posición del segundo pulso y se repite en el tercer pulso en la posición punto 3, en la misma que el hi hat aquí. Y ya estaría. Y cada dos compases se agrega un kick extra para hacer un tipo de redoble. Luego también tiene algunas percusiones de la 808 en Ableton Live la podéis encontrar aquí en la sección de drums, la 808 Core Kit, que básicamente tenemos un hi hat cerrado a semicorcheas, es decir, botón derecho, rejilla a 1.16 y rellenas todos los huequecitos. Tiene algunas maracas también y también un clave, que es un sonido muy típico. Luego le podemos poner un shaker de fondo. Y ahora nos vamos al bajo. Le vamos a poner un analog, que es un instrumento nativo de Ableton Life, para parecerme lo máximo posible a la canción original. Vamos a empezar con un Sol y luego sube a un La sostenido. Esto tal cual sonaría así, pero vamos a hacer que quede un poco más apañado. Nos venimos al filtro 1, vamos a bajarlo hasta 400 hercios aproximadamente. La envolvente del filtro la vamos bajar a cero para que suene más redondito. Si nos vamos al amplificador, vamos a subir el sustain hasta arriba del todo, hasta 1, para que tenga un poco más de cuerpo el sonido. Le vamos a dar un pelín más de decay, un segundo y pico aprox. Y como el bajo original es una especie de wrist base y los ribeis tienen un poco de desafinación, lo que vamos a hacer es que En el oscilador 2 nos vamos a venir aquí al de Tune, que es para desafinar, y lo vamos a desafinar un poquito. Aquí ya empieza a tener este toque de riesgo. Nos vamos al volumen final, le vamos a poner a tope para que salga una señal lo más consistente posible. Fíjate que hemos subido el volumen y ni siquiera satura, así que perfecto. Y ahora vamos a convertir un poquito este sonido, Vamos a ponerle un amplificador, lo vamos a dejar aquí en modo blues. Vamos a bajarle un poco el drive wet a un 30%. En output vamos a quitar el mono, lo vamos a poner en Dual, una reverb muy cortita con un dry wet al 30% y un hi cut que solamente afecta la parte de medios graves. Y como en este proyecto la parte de los graves ya la tenemos bastante resuelta con el Kick, que es bastante contundente, lo que voy a hacer es restarle esta parte al bajo. Así que le ponemos un Equate y sin miedo le voy a quitar parte de los graves. A veces cuando hacemos estos cortes se pierde bastante. Una manera de compensarlo es venirte aquí a la Q y subirle un poquito de resonancia. Venga, nos vamos a por el lead. Para ello vamos a ir con un Wavetable, que es otro de los instrumentos nativos de Ableton. A nivel de composición es muy sencillito, hace algo muy similar al bajo, pero al revés. Empieza en un La y acaba en un Sol. Y a nivel del diseño sonoro tira más o menos por aquí. Es una especie de sierra cuadrada con el filtro cortadito y bastante resonancia. Y lo que hace que quede un poquito más atmosférico, más sonido de dron, es el Unison. En este caso utiliza un Shimmer a ocho voces, por lo que es algo bastante similar a lo del Detune, a lo de desafinar. Vamos a por el pad. Básicamente lo que voy a hacer es duplicar el diseño sonoro. Duplicamos la pista porque es lo mismo. Para hacer el pad lo que voy a hacer es partir del lead de estas dos notas y añadirle notas extra para hacer unos acordes. En el caso del primer bloque, de la primera nota, lo que voy a hacer es añadirle un Re, es decir, una octava por debajo. Así que nos vamos a buscar el Re que está por aquí, y le vamos a añadir también un Sol. En el siguiente bloque vamos a repetir el Reino y en vez de un Sol le vamos a poner un Fa, que lo tenemos aquí abajo. Vamos a hacer un grupo tanto del lead como del Path y lo vamos a procesar. Vale, Vamos a empezar por un Chorus Ensemble, que es uno de los efectos que tenemos nativos aquí dentro de la sección de efectos de audio. Suena así Una reverb, en este caso el Hybrid Reverb. Cortita, muy importante para este sonido. Un filtro y no de cualquier manera, estate atento. Lo guay del autofilter nativo de Ableton es que tiene el LFO. Y el LFO, si yo le subo el Amon, fíjate qué es lo que hace. Y en la canción original juegan mucho con esto, porque en el primer drop no hay apenas modulación, no hay apenas LFO. Y en el segundo drop, en el clímax final, sí que tiene más modulación. Si haces una escucha, el tema lo verás. Al principio suena así, y en el segundo drop suena más así. Así que una de las cosas que puedes hacer es botón derecho aquí sobre el amount del F, o mostrar automatización y automatizar durante toda la estructura de la canción donde quieres que haya más y donde quieres que haya menos modulación. Siguiente efecto. No es obligatorio para el sonido original como tal, pero a mí personalmente me gusta mucho. Y es el Filter Shaper XL, que es uno de los nuevos filtros de la gente, Cable Guys, en este caso el Preset Analog Sound. Fijaos que bien queda. Sin sonaría así y activado, sin conversación. Curioso. Un utility para abrirle el campo estéreo. Y hasta ahora tenemos algo que suena así. Venga, vamos a la pista clave de este la vocal. Y no sé si lo sabíais, o siquiera si os lo imaginabais, pero la vocal de esta canción viene de un sample de Splice, en concreto de esta librería, el Vocal Hooks Pink Label, esta de aquí. Así que para la saca y directo de la aplicación de Splice, me la llevo aquí, a la Belton. Lo primero que voy a hacer es cuadrar esta vocal a mi proyecto. Mi proyecto está a 130 bpm y esta vocal está a 100. Vamos a entrar dentro del clip de audio. En este caso veo que el warp está activado, por lo que ya ha intentado más o menos cuadrarla, pero lo ha hecho mal. Y me dirás, ¿Cómo sabes, Alex, que lo ha hecho mal si ni siquiera lo has escuchado? Pues bueno, porque aquí ha interpretado que la velocidad original es 160 bpm y son 100. Lo pone aquí, en el título de la vocal. Normalmente, cuando trabajáis con samples de librerías, sobre todo vocales, te pone los BPM aquí, en un numerito, en el nombre del archivo. ¿Cómo se arregla esto? Pues muy sencillo. Te vienes aquí, donde pone 160 y le pones 100. Y ya está como el culo. Vamos a entrar dentro, vamos a cambiar el algoritmo Beats a Complex y vamos a subirle un par de semitonos, empieza a aparecer otra cosilla. Y ahora viene, chicos y chicas, la parte más guay de este vídeo hecho peo. Como ya hemos visto, la vocal de la cual partimos es esta, ¿Vale? Y sé que esta primera parte suena porque está en la canción original. Vamos a seleccionarlo todo, botón derecho, dividir y le vamos a cambiar de color, así. Y a partir de aquí se repite este mismo fragmento. Vamos a hacer botón derecho, le vamos a dar a dividir y le vamos a poner color rojo. Y vamos a duplicarlo. Y otra vez, esto se va más adelante. Y esta vuelta acaba con el final de este sample. Y ahora queda que se repita la parte del you with me, you with me, esta de aquí. Pues venga, vamos a seleccionarla toda, botón derecho o comando e, le cambiamos el color, Inchi, botón derecho, vamos a ponerlo lila y vamos a duplicarlo. Vamos a cortarlo un poquito menos. Vamos a hacerlo así, Venga, perfecto. Y esto es reverse, repite como unas cuatro veces más o menos. Y aquí al final acaba con el e, que es esta última parte que le sigue al sample. Y listo. ¿Veis el salto este que hace entre sample y sample? Pues lo que voy a hacer es primero desactivar la función automatización y fíjate que aquí se me activan como una especie de crossover, para que toda esta transición se haga un poquito más suave. Pues venga, vamos a hacerlo algo así. Fíjate que suave ha quedado ahora. Ahora, para darle un poquito más de vidilla, un poquito más de rugosidad a esta vocal, pues podría saturarlo, por ejemplo. Pero ya que estaba utilizando el filter XL con ese preset analógico, vamos a ponérselo a la vocal también. Y con un poquito de envía reverb, la vocal quedaría tal y así, ¿Vale? Vamos a ver qué tal suena el invento al completo. Primero de todo vamos a escuchar las percusiones, el bajo y la vocal, que es realmente cómo suena el primer drop de la canción original. Y luego iremos transicionando para que entren los pads y el lead y se irá la vocal, que es un poco cómo estructura la canción. Voy a intentar hacer el arreglito, nada, un arreglito básico a medida que vamos escuchando, lo voy a hacer sin hablar, así que venga, vamos al lío. Never let you in the queue In the queue when the queue when The Get. Y fíjate como realmente con cuatro herramientas y bastante sencillas se puede conseguir algo tan chulo. Y con el tiempo me he dado cuenta de que una de las habilidades que más me sorprenden de un artista cuando escucho algo es precisamente esto, es la habilidad de transformar en algo sencillo una idea que realmente es muy potente. Y me sorprende mucho más esto que no escuchar una superproducción donde claramente hayan utilizado mogollón de recursos. Y no lo desmerezco, cada cosa tiene su movida, pero creo que simplificar y sintetizar es algo realmente muy complicado, que es un gran determinante de la calidad de un artista, y no solamente de un artista, sino de cualquier creador que te puedas imaginar, de cualquier ámbito. Y fíjate que Uber Mono precisamente no es que le falten herramientas, si te has fijado el principio del vídeo tiene un estudio bastante completito y si los ves en directo ya te cagas, son increíbles, pero a la hora de producir han decidido hacer un tema en concreto este, el cual lo puedes recrear tú mismo con un par de instrumentos que además son nativos, Ableton Live y cuatro sonidos. Así que desde mi punto de vista estos son unos buenos artistas para fijarse, para aprender de ellos y una de las cualidades que creo más interesantes ahora mismo para aprender de otros y que yo personalmente llevo intentando aprender y mejorar desde hace muchísimo tiempo, tanto mi música como por ejemplo en la creación de contenido aquí en redes sociales. Por lo que después de todo esto no me queda otra que darle mis 10 de saber mono. Ya me encantaban antes, pero después de analizarlos en este vídeo es que estoy enamorados, me flipaba. Así que nada, espero que te haya gustado el vídeo, espero que puedas sacar algo que aplicar en tus producciones, alguna idea, algún concepto, alguna técnica. Si es así, pues ya sabes, dale un like, compártelo con algún compañero o compañera artista que creas que pueda ser de ayuda y suscríbete para no perderte los próximos vídeos que se vienen de este nuevo formato. Como siempre, si quieres más y mejor y más detallado, más tranquilamente explicado, tienes Producción Online com nuestra academia online donde tienes más de 800 vídeos distribuidos en cursos desde producción, composición, mezcla y mastering. Todas las fases que necesitas aprender para crear tus propias producciones de principio a fin en tu home studio. Sin más, yo me despido por hoy, hasta el siguiente vídeo y mientras tanto que seas feliz, haz lo que te dé la gana, sea lo que sea el género que estés haciendo, pero sobre todo disfruta del proceso que es lo más importante. Nos vemos en el próximo vídeo. Chao.