El Productor que Volvió a Popularizar el EURODANCE | Marlon Hoffstadt

Marlon Hojdad es uno de estos artistas que tras la pandemia ha crecido como la espuma y es que intencionadamente o no, ha sabido leer muy bien cuál iba a ser la tendencia que iba a pedir la pista en los años posteriores al 2020 cuando ya se volvió a la normalidad. En este vídeo vamos a ver cómo se caracterizan sus producciones, qué es lo que le hace diferente y sobre todo qué podemos aprender de ellas. Para que tengas un poco de contexto, Marlon Hofstadt lleva lanzando música públicamente desde el 2012, por entonces se centraba bastante más en el deep house y el house y apenas dos años después ya empezó a cosechar sus primeros éxitos como por ejemplo el Shakedat que actualmente tiene varias millones de reproducciones y que incluía un sample del famoso rapero Nick Dog. Más adelante verás que esto de samplear raperos no ha sido la última vez que lo ha hecho. La cosa es que le fue bastante bien dentro de este género musical, pudo tocar en diferentes sitios de Europa, incluso hizo una Boiler Room Pero como todo en la vida, las cosas cansan o se acaban y más si eres artista. Poco a poco empezó a interesarse por el tren, a priori con sonidos bastante clásicos pero solo le bastó una pandemia por medio y dos años después para que empezara a crear el proyecto que le catapultaría a tocar los mayores festivales del mundo y a cosechar millones y millones de reproducciones en streaming. Este proyecto se llama DJ Daddy Trends que es el mismo pero con otro nombre. En este proyecto empezó a incorporar melodías heredadas del eurodance de los 90 y 2000, melodías bastante alegres pero mezclándolas con bases con bajos potentes, bombos pisteros y a unos BPM bastante altitos que esta es una de las claves. Más adelante veremos el resto y su contexto. Pero antes vamos a destripar una de sus canciones más conocidas, o al menos una de las que más me gustan a mí, para ver cómo ha traído esas técnicas de producción que se utilizaban 30 años atrás para conseguir un sonido fres. Así que vamos a Ableton y lo vemos. Lo primero que tenemos que saber es que este proyecto realmente es un edit, es un edit de una canción de Kid Cudi que sacó en los años 2000 que se llama Day Por lo cual lo primero que he hecho es sacar la vocal. Para ello lo que he hecho es utilizar el Ultimate Vocal Remover que es un plugin que llevo usando últimamente, que la verdad funciona bastante bien para extraer pistas, en este caso para extraer vocales. Es totalmente gratuito y funciona en modo standalone, es decir, te descargas y lo tienes en tu ordenador y no hace falta que entras en ninguna web, te loguees ni nada de eso. Una vez que tenemos la VO separada, pues en este caso suena de esta manera, la verdad bastante bien. Si te preguntas cómo se ha podido hacer esto de utilizar una vocal con derechos para crear un tema nuevo y comercializarlo, no te preocupes que al final de este vídeo te lo voy a explicar. Por ahora seguimos con el proyecto. Vale, vamos a empezar por las percusiones. Yo he empezado con un kick, el kick lo he sacado directamente de la canción original. Realmente es un kick bastante parecido a una 9.9, de hecho la gran mayoría de las percusiones son parecidas a las 9 y 9, menos un hat que más adelante os enseñaré, Pero bueno, el kick en cuestión suena así. Un kick que la verdad estaba bastante limpito para limpiar, así que he aprovechado. Después tenemos un clap, en este caso es de la 808, que luego ya veremos que más adelante se utiliza para hacer algunos redobles y le da bastante juego a la estructura. Ya veréis por qué es bastante fundamental este clap. Algo interesante es que este mismo clap tiene una reversa justamente al principio, en la intro, antes de que entren los bajos. Fijaros aquí. Manera sencilla de hacer estos reverses. Pues bueno, nosotros como estamos trabajando con MIDI para hacer el clap lo que voy a hacer es duplicar esta pista directamente. Y en la pista duplicada hacemos botón derecho y le damos a congelar y aplanar pista. Ahora verás que toda la pista se ha convertido en audio, pues eliminamos todo menos los claps con los que queremos trabajar. Y una vez que ya nos quedamos con los trocitos en cuestión, pues entramos aquí dentro, damos a reverse, fijaos, ya los tienes, los posicionas en su lugar aquí y aquí. Veréis que la forma de onda no es exactamente la misma, porque este reverse lo hice con otro clap diferente que tenemos en la sección de shakers, donde también están los hats. Tenemos un hi hat abierto, que si te fijas es un poco sintético, ya que no Solamente quería utilizar 909, quería algo que fuese como un poquito más afilado, por así decir. Y después aquí abajo sí que Tenemos el típico hi hat de la 909, que si te fijas, tenemos tanto hi hat cerrado como hi hat abierto. Y jugamos con las velocidades de los hi hat cerrados. El primero suena bajito y el siguiente suena un poco más alto. Por esto te va haciendo como el juego que sube y baja, tiene un poquito más de dinámica. Y si te fijas, el hi hat abierto no suena muy abierto, sino que parece que se corte. Y eso es porque justamente cuando va a sonar el siguiente hi hat cerrado, el hi hat abierto se para. Esto es como si tuviésemos un charles de batería directamente real, que si yo quiero que se ha abierto, pues se abre, pero si quiero que suene cerrado, pues tengo que cerrar los platillos, entonces dejaría de sonar. Para hacer este efecto tenemos una opción en Ableton que se llama Choke. Fíjate, si yo no tengo el choque activado, pues sonaría mucho más abierto. Si yo lo pongo en Choke, básicamente lo que tenemos que poner es el mismo numerito aquí en el apartado Choke, tanto en el hi hat abierto como en el hi hat cerrado, que lo tenemos aquí abajo. Entonces básicamente cuando éste empiece a sonar, la cola de éste se cortará por completo. Por otro lado tenemos un shaker que suena durante toda la canción, que podría ser este de aquí. Y súper importante, tenemos un Raid, que esto nos va a ir muy bien para la estructura, que lo vamos a ver en un ratito. Este Raid nos sirve cuando queremos añadir un poquito más de intensidad, un poquito más de rapidez. Pues aquí lo tenemos, fijaros, sin vamos a la sección de los bajos, aquí tenemos dos pistas diferentes. Por un lado tenemos esta línea que suena así, con un sidechain enorme. Y a nivel del diseño sonoro es muy sencillo, realmente es una especie de onda cuadrada, no he utilizado ni el segundo oscilador. Estamos utilizando el Wave Table nativo de Ableton Life. Y eso sí, lo que hemos hecho es enviarle una envolvente al filtro. Fíjate que cada vez que suena el filtro se cierra. Esto básicamente lo podemos conseguir aquí en la matriz. Te vienes aquí a la envolvente 2, justamente donde colinda con el filtro 1, que es esta pestañita de aquí, y lo ponemos al 100%. Entonces en función de esta envolvente 2, pues esto cerrará más o cerrará menos a medida que suene cada nota. Este sinte nos viene muy bien porque el tipo de bajo que vamos a ver en esta canción y que caracteriza bastante a este tipo de género es un bajo como muy bumpy. Ahora veremos también cómo se crea este efecto. Pero para que se aprecie sobre todo en la mezcla, necesitamos que tenga información en una capa media alta de frecuencias. Por eso se juegan con estas capas bastante agudas. Fíjate que esto per se no es un bajo, es un sinte que se encuentra en la tercera octava, es decir, bastante arriba. Pero el bajo que nos va a rellenar toda la parte de bajas frecuencias es el siguiente sinte. Es un bajo que está hecho con el Spire y suena así Y esto es una línea debajo muy típica del mundillo Eurodens, que básicamente lo que se hacen son saltos de octava. Fijaros como empezamos aquí en mi 2 y luego subimos a mi 3 simplemente una octava más arriba. Esto lo puedes hacer rápidamente así. Seleccionas una nota, duplicas con comando D y ahora haces Shift y pulsas hacia arriba y justamente ya subes una octava. Puedes subir o bajar octavas. Fíjate que en este caso también trabajamos con la velocidad. La primera nota suena un poco más baja y luego la que queremos que realmente resalte más, la que hace el efecto de ducking, es la que tiene una velocidad más acentuada, que es la de arriba. De hecho, hacer este juego con las velocidades es como si hiciésemos ya una especie de sidechain. No obstante, como este tipo de abajo pide un ducking bastante potente, pues le he puesto este kit Kickstarter 2 de Nicky Romero, que es sidechain puro 100% por volumen. El Synth en cuestión es el Spire y sin ir más lejos es exactamente este, el BEA Lately 2016. Y dirás, Alex, hostia, vaya oído tienes, eres un crack. No, la verdad es que no. Lo que soy es un chafardero. Marlon Hostak cuando lanzó este track subió una especie de reel donde dejaba ver un poquito qué synth estaba utilizando y de hecho se ve justamente este preset. No obstante, si no tienes el Spire y quieres recrear algo similar con el serum, lo puedes podríamos hacer de esta manera. Básicamente podemos empezar por unas Basic Shapes. Puedes empezar aquí con una senoidal y aquí por ejemplo le podemos meter una cuadrada. Vamos a bajar una octava esta. Y ahora vamos a hacerle lo mismo que le habíamos hecho al wavetable con la matriz. ¿Te acuerdas que habíamos enviado una envolvente al filtro? Pues lo mismo. En el caso de Serum lo podemos hacer de esta manera. Nos venimos aquí a la envolvente 2, porque la primera envolvente es para la amplificación, para el volumen de la propia señal, y la queremos dejar lo más potente posible, sin moverla, sin tocarla. Así que nos vamos a la envolvente 2 y lo llevamos aquí al filtro. Activamos el filtro, le decimos que actúe sobre los dos osciladores y ahora aquí a la envolvente 2. Pues vamos a hacer un dibujito parecido así, con un decay bastante corto. Le bajas una octava al oscilador 1 y si quieres activamos el sub oscilador para darle más subgraves. No suena exactamente igual porque realmente cada synthe tiene su sonido característico, tiene su gracia, pero bueno, suena bastante apañado. Y decir que yo tampoco soy un experto en diseño sonoro, si alguien de aquí lo es y sabe recrear este sonido a la perfección con Sérum o con otro sinte que sepa que pueda funcionar para este tipo de género musical, que lo deje abajo en los comentarios. Y respecto a la armonía, es algo muy sencillo. Este es un track que está trabajando en Si menor. Recordad que las tonalidades de las canciones siempre las podéis revisar en muchos sitios, como por ejemplo en beatboard, que lo pone siempre muy claro, a veces a lo mejor falla un poco, pero bueno, suele afinar. Como estábamos trabajando en Si menor, yo lo que hago es venirme al scale y poner B, que es un Si y menor. Y fíjate que ahora mismo se te activan de este color todas las notas que están dentro de esta escala. Y realmente es una progresión muy sencillita. Es una progresión que empieza en Mi, sigue en Sol, luego sigue en Si y luego acaba en Re. Y si nos vamos a la capa alta, la que habíamos visto justo anteriormente, pues sigue básicamente la misma progresión, lo que pasa que con una cadencia de notas pues un poquito distinta, que sonando toda la vez, pues se retroalimenta bastante bien. Fijaos, quito la de arriba, ahora solo la de arriba, fíjate, esto parece como que queda cojo, pero si pongo la de abajo rítmicamente se complementa muy bien. Vamos a la melodía principal del Day and Night de Kid Cudi, la canción original, la melodía que llevamos todos años escuchando. Pues bueno, realmente súper sencilla a nivel de diseño sonoro, no hab deja de ser un sinte con una onda senoidal y se puede hacer tan simplemente con un sintetizador cualquiera, prácticamente utilizando dos señales senoidales. En este caso volvemos con el wavetable nativo de Ableton Life y fíjate que tanto en el oscilador 1 como en el oscilador 2 he dejado una onda senoidal. No obstante, si nos fijamos aquí en la envolvente de amplificación, tiene algo un poquito distinto y es que tenemos un sustain a menos infinito, es decir, abajo del todo, y tenemos un decay relativamente cortito. Fíjate que si yo lo tuviera muy lento, pues el punteado de las notas apenas se apreciaría, pero si yo lo corto. Pero algo muy importante es que esta curvatura que tenemos aquí, que realmente no tiene un parámetro como tal, simplemente es como de redondita o de afilada quiero que caiga, la tengo a tope aquí arriba, porque si yo la tuviera cortita, como suelo tener todas las envolventes, fijaros cómo sonaría. Sonaría un sonido súper minúsculo, súper fino y apenas se apreciaría. Así que me interesa que esto sea lo más cuadrado posible para que suene la nota completa, pero a la vez haya diferencia entre nota y nota, suene pluci, suene punteado. Este es el motivo por el que siempre os digo que cuando queráis enviar envolventes a filtros o a otros parámetros, utilicéis las envolventes auxiliares como la envolvente 2 o la envolvente 3. Lo mismo aplica en el sérum cuando lo vimos antes, porque si enviamos las envolventes de la amplificación y queremos hacer sonido plucky, pues a veces corremos el riesgo de que nos queden sonidos demasiado delgaditos. Fíjate que en este caso también enviado la envolvente 2 aquí al frequency, que realmente no es que haga gran cosa, pero aquí sí que me puedo permitir jugar todo lo que quiera con esta envolvente, que no vaya a correr el riesgo de fastidiar la envolvente original de amplificación. De nuevo, esta envolvente 2 se envía al filtro a través de la matriz de la matrix, esto como un punto de coordenadas del tocado y hundido. Realmente creo que en el edit de Marlon Hofstadt se amplía directamente esta melodía de la canción original, pero bueno, yo la he querido recrear porque me ha parecido interesante. Vamos ahora al segundo sintel que suena en el segundo drop y es el más característico quizás de este edit, o al menos de la parte que es de cosecha propia de Marlon Hofstadt, que es este de aquí. De nuevo volvemos al Spire. En este caso está utilizando el preset LD Fusion, as que los presets nativos que vienen con el Spire, tanto con el bajo como con este lead. Y en este caso no he visto de primera mano de Marlon que utilice este preset, pero la verdad que me suena prácticamente idéntico. A nivel de diseño sonoro no dejan de ser dos osciladores que están trabajando ambos con señales cuadradas. Fijaros que están con puntos de inicio distintos, están mezcladas a diferentes volúmenes, tienen un cut off y se van directamente al módulo de efectos, que en este caso se está utilizando tanto la distorsión o el shaper. Se utiliza también el delay, un poco de delay y un poco de reverb. Tengo que decir que el módulo de efectos del Spire está bastante chulo. Normalmente los efectos que incorporan los propios instrumentos virtuales, los propios sintes, pues no suelen estar muy allá, pero este está bastante decente. Algo que me gusta mucho de este tema es realmente la sencillez que tiene, sobre todo de elementos, y esto facilita mucho el trabajo a la hora de estructurar. Fíjate que elementos de estructura como tal, de transiciones hay muy poquitos, lo que pasa que están muy bien elegidos y encajan bastante bien. Por un lado tenemos el redoble de los clubs, como por ejemplo este de aquí. Por otro lado tenemos los crashes, que justamente están al entrar nuevo compás, al entrar una nueva parte de la estructura, y luego este mismo crash se utiliza aquí en la parte del parón. Este último redoble se utiliza también en el segundo drop para darle más intensidad entre las diferentes partes del segundo drop. Fijaros que realmente todo se replica, digamos que el segundo drop ocupa todo esto y está dividido en tres trozos, en tres grandes trozos, estos de aquí. Si nosotros ponemos la rejilla a una barra, es decir, que cada rayita que vemos aquí es un compás, es decir, donde suenan cuatro bombos, un, dos, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatrO, uno, dos, Tres, Cuatro, uno, Dos, Tres, Cuatro. Pues vemos que en este caso ocurren cambios cuando hay cuatro por cuatro. Dieciséis. Dieciséis compases. Y ocurre lo mismo tras estos dieciséis compases siguientes. Y ocurre lo mismO tras estos diecisÉIS compases siguientes. Aquí el proyecto ya no sigue, pero aquí digamos que ya empieza a estar la outro, que no la he producido, pero bueno, no la imaginamos para hacer estas transiciones. Se acompañan con la eliminación de la parte del kick. Y esto es un asi. Fijaos que justamente en esta segunda parte del segundo drop, justamente aquí entra la melodía, la melodía original de Kid Cudi, que era esta de aquí, la que habíamos creado con el wavetable. Pero al principio del drop no suena. Lo que suena desde el principio es la melodía esta de cosecha propia de Marlon Hofstadt, la que suena así, bastante trancera. Así que al final lo que nos estamos encontrando es que tenemos diferentes ingredientes con los que trabajar, que están muy bien elegidos. Y poco a poco pues va apareciendo uno y quitas otro, va apareciendo uno y quitas otro. Es como una especie de puzle estructurar un tema. Vamos a analizarlo desde el principio. La intro del todo sería así. Únicamente el kick, los shakers. Fíjate que aquí está sonando únicamente la capa alta del bajo, pero con una línea totalmente recta. Y justamente aquí, a los 15 segundos, pues empieza la melodía de la capa del bajo, empieza a hacer progresión. Y justamente a los 30 segundos pues entra el bajo de verdad junto al shaker. Es decir, 16 compases de introducción antes de que entre el bajo. Pero en esta parte de aquí la hemos dividido por la mitad, y la primera la hemos hecho con una melodía recta, y la segunda parte la hemos hecho ya con la progresión, pero sin entrar el bajo. Fíjate que al final todo se resume en grupos de 16 compases, o de 8 como poco. Y a partir de ahí tú te lo puedes dividir como quieras y puedes añadir cosas como quieras. Pero por regla general, un grupo grande lo podríamos dividir en 16 compases, que es toda esta parte de aquí. Aquí. ¿Por qué? Porque fijaos que justamente después de otros 16 compases ya entra otro elemento, que es la melodía principal. Es decir, tenemos toda esta parte de aquí ya debajo. Y Shaker. Acaban los 16 compases. Tenemos un mini paroncito sin el kick. Tenemos el arreglito este de los claps en reversa que sólo suenan aquí al principio. Y aquí entra la melodía, que por cierto, no lo he dicho, pero también es una selección de notas basada en Si menor. Una vez que entra la melodía, ¿Qué ocurre? Pues tenemos un grupo de 16 compases y después entra otro elemento. ¿Qué elemento? Pues el más importante, que es la voz. Y fijaos que este fragmento de vocal ocupa dos bloques de 16 compases, en total 32 compases, que tenemos el primer bloque aquí de 16 compases y el segundo bloque aquí de otros 16 compases. En total 32 compases. Todo lo que queda fuera es el arreglito este de. Pues bien, en todo este bloque de 32 compases ocurren cosas. También ocurren cosas para apoyar la vocal, apoyar la progresión de la vocal y hacerlo dinámico. Una de las cos cosas que ocurren es que A partir del segundo bloque de 16 compases entra el write, ese elemento que os contaba al principio que es tan importante para darle un poco de vidilla, para darle más rapidez. El write es un elemento muy básico pero que funciona muy bien para las estructuras. Fijaos cómo suena y fijaos cómo queda la mezcla cuando entra. Es algo que apenas se aprecia, pero ahí te está dando algo. Si tú aquí no metieras nada que reforzara un poco la vocal, que reforzara un poco esta parte, quedaría un pelín cojo, incluso aunque la vocal siga progresando. Es decir, aunque este fragmento vocal sea diferente a este de aquí, que lo es porque hay bastante letra en esta canción. Otro detallito que entra en esta segunda parte de 16 compases es este arreglito de melodía que suena así, que es básicamente una especie de secuencia sacada de la melodía principal, como una especie de pregunta y respuesta, por así decir. Esto es algo que creo que en el edite Marlon Hofstadt no está, pero sí está en la canción original de Kid Cudi y a mí me gusta mucho, así que lo he recreado con el present nativo de Ableton Live que utiliza el wavetable, que se llama Basic Organ Base, y es así que le da como ese toque así misterioso, mágico, que a mí me gusta mucho de esta canción. Pues bien, después de que tenemos todo este grupo de 32 compases, ¿Qué hay? Pues otro cambio. Qué sorpresa, ¿No? Entonces, en este caso acaba la vocal, volvemos al. Y dejamos el arreglo, dejamos el right y entra la melodía original de la canción de Kid Cudi. Redobles. Entonces, en este fragmento de melodía, que tiene 16 compases, que es este fragmento de aquí, lo dividimos en dos, es decir, dos fragmentos de ocho compases, este y este de aquí, donde la única diferencia que hay es que en la segunda parte, pues recuperamos el raid. Entonces, de esta manera, pues toda esta franja de aquí, que nos hace de puente antes de entrar al parón, pues no se hace tan aburrida. Fijaros de nuevo, Tadeoble et. Y aquí ya tenemos otra vocal diferente que nos va a apoyar toda la parte del parón. La melodía principal de la canción de Kid Cudi original sigue. Y quitamos el bajo, y quitamos todas las percusiones, incluido el kick, excepto las percusiones que dejamos únicamente para crear tensión, para crear el build up, para crear la subida, que es este redoble de snare, que cada vez va sonando más alto. Básicamente tiene una automatización de volumen y le suma estos crashes. Perfecto. Y aquí volveríamos al mismo drop que hemos visto anteriormente, pero con la diferencia de que entra el nuevo sinte trancero, este que le añade Marlon. Vamos a poner el parón. Es que es un temazo. Qué recuerdos, tío. ¿Qué ocurre con el segundo drop? Pues lo que habíamos visto al principio, que lo dividimos en estas tres partes. Al principio únicamente suena el lead de trance, después de los primeros 16 compases, pues entra la melodía clásica, y tras estos siguientes 16 compases, yo de cosecha propia, pues lo que he hecho es añadir este arreglito de melodía que habíamos visto al princip, que no está en el edit de Marlon, pero sí que está en la canción original de Kid Cody, y quitar la melodía original. Y obviamente mantenemos el lead de trance, que es el pilar fundamental de esta parte de aquí, con el right. Y ya con todo para arriba. Y ya está. Ya con esto tendríamos la estructura totalmente hecha. Al final es entender los ingredientes que tenemos y cómo podemos jugar con ellos. Constantemente. En la academia de producción online estoy escuchando temas que me mandan los alumnos, y uno de los errores que veo más comunes no es tanto la falta de estructura, que también, sino la falta de ingredientes necesarios para hacer una estructura completa. Y sobre todo, entender qué función está haciendo cada ingrediente y por qué está añadido a la mezcla. Si analizamos la canción original de Kid Cudi, vemos que tenemos una vocal bastante potente, una vocal que tiene mucha presencia, es decir, es una vocal con bastante letra y que le da bastante jugo al track. Pero aparte tenemos un hook, el hook principal, que es la melodía que hemos creado desde el principio, esta de aquí. Todo el track, incluso la vocal, gira alrededor de este hook, de esta melodía. Y a raíz de esta melodía se crean segundos hooks o segundos arreglos, segundos apoyos, como por ejemplo esta segunda melodía que habíamos hecho en la canción original. También aparecen patch y bueno, toda la parte de la armonía que va en torno a este hook. Pero en el edit especial de Marlon aparece también este segundo hook, que es un segundo hook que tiene casi la misma importancia que la melodía principal, que es el lead de trance y que fíjate que cuando entra no está sonando la melodía principal, porque si estuviese sonando la melodía principal se estarían chocando demasiado, es como si tuviésemos dos gallos en un gallo dinero. Sí que es verdad que en la segunda parte, ya para rematar, cuando ya se han introducido todos los elementos, cuando el oyente ya los tiene integrados, pues aquí sí que se mezclan todos, pero solamente en un fragmento muy pequeño de tiempo. Otro error típico que suelo ver en las estructuras de mis alumnos es que este hook, que es el principal, aparece justamente en el segundo drop, aparece demasiado tarde, y esto son cosas que se tienen que ir introduciendo desde el principio. En este caso tenemos un segundo hook que hace como factor sorpresa, que aparece al final, pero realmente ya tenemos el tema construido solamente con esto. ¿Y super importante también, cómo hacemos la estructura de las percusiones? Las percusiones es lo que le da el ritmo, lo que le da la vida a nuestro track. Realmente muchas veces tenemos buenas melodías, tenemos buenos hooks, buenas ideas, pero tenemos una estructura de percusiones totalmente plana, es decir, que suena igual todo el rato, que no hay ninguna coherencia o ninguna estructura. Y esto es en lo que se fundamenta, en lo que se asienta toda la armonía que nosotros podamos crear encima. Y muchas veces la clave para que nuestros tracks queden dinámicos y no aburran están aquí el las percusiones. A continuación vamos a ver algunos aprendizajes finales que podemos sacar del artista Marlon Hofstadt. Pero antes quiero comentaros que si este año, si por una vez por todas queréis meteros a tope con la producción musical, en este 2025 quiero anunciaros que acabamos de lanzar el Máster de Producción Online. Este Máster da acceso a absolutamente todo el contenido de producción online, todos los cursos que hemos lanzado hasta el momento y que están distribuidos en nuestros dos grandes programas formativos. El programa Fundamentos, que está especializado para iniciados, para personas que estáis empezando totalmente desde cero y que necesitáis una formación sólida, unas bases en producción musical. Y da acceso también al programa Especializaciones, que está enfocado para aquellos que ya empezáis a hacer vuestros primeros temas o vuestros primeros loops, pero os cuesta precisamente esto, el acabar hacer arreglos profesionales, conseguir tener ese sonido que os gustaría pareceros a vuestras referencias y es donde nos traemos a los artistas top invitados y nos explican cómo trabajan desde su estudio. También está toda la formación de industria musical y mogollón de cosas que vamos a lanzar este año. Este Máster, a diferencia de los accesos que teníamos hasta ahora, funcionan con un pago único, es decir, sin suscripciones, sin renovaciones, pagas una vez y accedes a todo el contenido de por vida. A partir de ahora las suscripciones se van a mantener solamente para usuarios antiguos, gente que ya tiene una suscripción activa y que quiera mantener el acceso a todo el contenido actual, al contenido futuro y también acceso directo al soporte. El Máster de Producción Online, pese a ser un pago único, también incluye soporte, pero en este caso está solamente limitado a un año de duración. Durante un año puedes preguntar todo lo que te dé la gana, que es tiempo más que suficiente para que te veas el Máster completo. Ahora sí, aprendizajes finales que podemos sacar de Marlon. Primero de todo, adáptate, pero llévalo a tu terreno. Marlon no solamente supo adaptarse a la demanda del aumento de BPM que empezaba a pedir la pista después de la pandemia, sino que lo supo traer a su terreno, a ese trend, a ese Eurodens que venía ya produciendo justamente antes de la pandemia, seguramente por mero gusto. Así que no solamente se tiró de lleno a los 150 bpm como mucha gente, porque es la moda y ya está, sino que encontró ese match entre lo que él ya estaba haciendo, lo que le gustaba y lo que estaba pidiendo a la pista. Y el resultado es que se ha podido adaptar y además de una manera totalmente diferente al resto. Segundo aprendizaje es que utilizar canciones antiguas que conoce todo el mundo y adaptarlas al género que tú estás haciendo es una manera genial para poder posicionarte, para poder popularizar tu música, al menos cuando estás empezando. Como dato curioso, esta canción que acabamos de ver, este edit, salió gratis en el 2022, ya que lógicamente Marlon sin tener los derechos de Kid Cudi, de la canción de Kid Cudi, no podía comercializar ese tema Y esto es algo que se hace mucho, sacar edit, sacar bootlegs que se sacan de manera totalmente gratuita para que los DJs la pinchen y ver tú también cómo puede ir funcionando tu música. Como este track se volvió inmensamente famoso, pues al tiempo, al año siguiente, lo licenciaron y si te fijas tanto en Bitport como en Spotify pone que este tema está licenciado por Virgin, que a la vez Virgin es de Universal Music, que es quien tiene los derechos de la canción original de Kid Kudi. Y el tercer aprendizaje es que estemos abiertos al cambio. Si tú miras la trayectoria de Marlon hasta el 2018-2019 y todo lo que ocurre después de la pandemia, ha pegado un cambio totalmente radical y de hecho podríamos decir que la música que hacía Marlon hasta entonces podría ser bastante ecléctica, bastante purista en algunas ocasiones, pero ha sabido encontrar ese balance entre seguir haciendo la música que a él le gusta, pero encontrar ese encaje con el público y poder ganarse la vida en esto y la verdad que muy bien se la está ganando. Hasta aquí el vídeo de hoy, nos vemos en el siguiente. Venga, hasta luego.