#JohnSummit - Make me Feel | Ableton Live REMAKE | Tutorial Tech House

Muy buenas, ¿Cómo estáis? Aquí Alex de Produccion Online. Com y hoy os quiero enseñar mi remake al Make Me Feel de John Summit. Pero antes quiero hablaros del patrocinador de hoy, que es Produccionline. Com, nuestra academia online. Soy yo el patrocinador, donde ya hemos superado las 400 clases, en concreto 445 en el momento en el que grabo este vídeo y subiendo cada semana 445 clases distribuidas en cursos de producción, composición, mezcla, mastering y producción musical. Además podrás enviar tus temas y tus preguntas para que te respondamos en directo y podrás descargar recursos de la plataforma que empleamos en los cursos. Y todo con una suscripción mensual o anual sin ningún tipo de permanencia. Así que de verdad te recomiendo que le eches un vistazo porque ahora mismo la plataforma es una herramienta potentísima para aprender a producir tus propias canciones de principio a fin desde tu casa. Venga, empezamos. Vamos a ir a por el bombo, que hay algunas cositas interesantes que explicaros. El bombo básicamente es un layer de dos bombos diferentes extraídos de la librería Texas Groove 2, librería que tenéis todos los miembros pro de producción online. Com en vuestro panel de usuario. Básicamente lo que hago es un layer con un bombo con cuerpo y luego quedarme con la pegada de otro, ya que la pegada que tenía este bombo con cuerpo no me acababa de molar. Entonces lo que hago es en el segundo bombo, que de forma original suena así, un bombo que no me serviría para utilizarlo como bombo único en este proyecto porque es muy flojito, como veréis, lo que hago es quedarme solamente con esta pegada. Así que le metemos un ecualizador, cortamos parte de los graves y de los medios y nos quedamos con este resultado que tenemos aquí, que es un bombo como Dios manda. Es importante que tengáis en cuenta que cuando trabajéis con géneros de este tipo, que requiera un bombo contundente, cuando busquéis bombos contundentes, no os quedéis con bombos delgaduchos, con bombos finos, porque luego eso no va a sonar potente. Por más que le añadáis compresión, sausage, fatteners, excitadores de cualquier tipo, eso no va a sonar potente nunca. Entonces es importante que tengáis en cuenta siempre esto, que encontréis bombos con cuerpo en este caso, este bombo, aparte de tener cuerpo, tenía un poco de cola de grave que no me iba muy bien para empastar con el bajo que vamos a tener en este proyecto, que os lo enseñaré en breve, ya que es un bajo muy, muy, muy contundente, muy potente. Entonces lo que hago es venirme aquí dentro de este bombo, y lo que hago es meterle un pelín de fade out, fíjate, para cortar este residuo, esta última cola de subgrave, que no me interesa. Y también en este caso lo que hago es acortar el sample, porque es un loop de varios bombos y solamente me quiero quedar con uno. Después tenemos una ecualización general. Fíjate que este ecualizador está fuera del rack. Si estuviera dentro, en este caso solamente afectaría a este bombo, o si estuviera en la otra cadena, pues afectaría solamente a este bombo de aquí. Pero fíjate que tenemos un equate, un ecualizador fuera, para que me afecte a todo el conjunto de este nuevo bombo que acabamos de crear. ¿Cómo lo hemos ecualizado? Sencillísimo. Un poquito de enfatización aquí en el cuerpo, porque aún así me interesa mantener ese cuerpo, aunque hayamos cortado esa cola de subgrave, que eso sí que no nos interesa. De hecho, tenemos un corte aquí a 20 veintipocos hercios más o menos, y luego hemos hecho un espacio en la parte de los trescientos. Cuatrocientos. Cuatrocientos hercios, hasta K, empezando por uno ochenta y pico, doscientos. Básicamente porque es la zona donde vamos a necesitar dejarle espacio al bajo, porque es donde vamos a percibir con mayor presencia el bajo, esta zona de aquí. Así que me interesa que esté un poquito limpita. Luego hemos enfatizado un poquito aquí en los altos para darle más visibilidad a esa segunda capa de bombo que habíamos añadido. Tan simple como esto. El resultado suena así. Vamos a irnos a por el bajo. El bajo muy sencillo también de trabajar, porque básicamente es un sample, es un sample de una librería de Cermelo, que de hecho es youtuber, tiene tutoriales muy interesantes aquí en YouTube, Podéis buscarlo en su canal y ahí os enseñará dónde descargar la librería, creo que es en su página web, son gratuitas y están bastante interesantes. Eso es básicamente un sample de debajo. Es una nota sostenida grabada en Do y es básicamente en la nota en la que está basada este proyecto, en Do. Entonces yo lo que he hecho es lo meterle un saturador básicamente para darle esa rugosidad en los medios, que es lo que me interesa, donde me interesa que tenga presencia este bajo, porque es principalmente donde más se va a percibir este bajo como que es un bajo gordo, como que es un bajo consistente en los medios y no en los subs, porque además los medios es lo que va a hacer que tú cuando escuches este track en un móvil, incluso en los altavoces del propio móvil, tú escuches este bajo. No vas a escuchar los subgraves, vas a escuchar las frecuencias que estén en los medios de este bajo y es lo que te va a dar la sensación de decir joder, es que pedazo bajo suena, que es que suena en todos lados. Lo escuche donde lo escuche en el móvil, con los auriculares del móvil, con un altavoz bluetooth, con lo que sea. Entonces es por ello que es muy importante que le deis presencia, que le deis importancia a la parte de las medias frecuencias y a esa rugosidad que se adquiere en esa banda frecuencial. Es por ello que la ecualización que tengo después es justamente esto, es enfatizar la parte de los graves, que a lo mejor os parecerá una locura esta ecualización, pero realmente no lo es, porque fíjate, vamos a escuchar el bajo realmente donde está todo el peso es aquí en los graves y en los graves principalmente lo que hago es darle un poquito de espacio. ¿Dónde? Pues justamente en los 80 hercios, donde le he dado presencia al cuerpo del bombo, básicamente para compensarlo las dos entre sí y empastar bombo y bajo de mejor forma. Luego en la parte de los medios lo que os comento, no es donde principalmente está toda la información, por lo cual me puedo permitir enfatizar un poquito más para que suene con esta presencia en medios y con esta rugosidad, que es lo que me interesa de este bajo. Obviamente el bajo original ya tiene un poco de armónicos, fíjate, no es un bajo senoidal, si no sería difícil sacarle toda esta rugosidad. Entonces tenéis que encontrar que el bajo original también sea un poquito rugoso para conseguir un bajo de este tipo. Luego tenemos sidechain, tenemos un sidechain por compresión y por volumen. ¿Por qué estoy utilizando en este caso dos métodos diferentes de sidechain y no uno? Bueno, yo normalmente lo que hago es utilizar un compresor a modo de sidechain y ya está. No suelo utilizar sidechain por volumen, pero cuando trabajamos con bajos tan contundentes como éste, trabajar con un compresor únicamente a modo de sidechain no me acaba de funcionar. Porque para que consiga el efecto que yo realmente necesito para darle presencia al bombo, que es para lo que se emplea el sidechain, tengo que apretarlo tanto, tanto, tanto el compresor de sidechain que lo que acabo consiguiendo es un efecto de ducking, ¿Sabes? De sube y baja de volumen, que al fin y al cabo lo que hace es que se desvirtúe el sonido del bajo y que no esté el bajo tan arriba como a mí me interesa. Entonces lo que hago es utilizar un compresor y luego otro método de sidechain, en este caso volumen, trabajando los dos de forma más sutil, pero el conjunto de los dos hace que consiga el resultado que yo quiero. Fíjate que el compresor sidechain pues tiene una compresión muy leve y que luego el Shaperbox en este caso, que es el plugin que utilizo para sidechain por volumen, puedes utilizar el Kickstarter de Nicky Romero, el Volume Shaper, el que os dé la gana, pues lo tengo en el drive wet al 50%, no lo tengo trabajando al 100%. Por lo cual conseguimos el resultado que queremos sin cargarnos el bajo. Luego, obviamente el bombo no lo tengo procesado más, porque al fin y al cabo todos estos samples de librería ya vienen súper procesados, comprimidos, limitados, incluso más utilizados. No hace falta meterle más compresión. Lo que sí que hago es que como tengo un grupo de Lowend que me junta este bombo y este bajo, pues lo que tengo es un compresor, un glue compresor que me acaba de empastar estas dos pistas. Por último, otro detalle interesante del bajo es su composición midi. La composición MIDI es súper sencilla, que es todo, que es la nota en la que se basa este proyecto y luego subimos a esto. Es básicamente la ganancia que hace la vocal. Sigue el juego de la vocal. Is the way you make me feel, is the way you look at me. ¿Vale? Son esas dos notas, punto. Entonces es una manera de hacer que todo vaya compenetrado y dé la sensación que sea una vocal hecha para este proyecto, pero realmente no es así porque ya veréis que la vocal es de Splice, no es de una cantante y esto es una de las cosas que hace que este tema sea tan la hostia de conseguir un top de bitboard con una vocal de Splice, me parece brutal. Venga, vamos con las percus, las percus suenan así, tenemos un clap, tenemos dos hi hats, no, tres hi hats, perdón, y luego tenemos algunos top loops que me acaban de rellenar todo el conjunto. Detalle interesante que os puedo enseñar de las percusiones, que son bastante sencillas en general, es que el clap es un layering otra vez con tres capas, para ello pues utilizamos un drum rack, trabajamos con MIDI, por ello me gusta tanto trabajar con este método y no directamente con audios, porque me permite procesar los sonidos de una manera muchísimo más práctica, ¿De acuerdo? Y lo que hago es básicamente esto, buscar un clap pues que tenga un poquito de cuerpo, otro clap que me guste la parte de los saltos, por lo cual lo que hago es lo mismo que hemos hecho con el bombo, cortarle la parte de los graves medios y quedarme solamente con este residuo que además tiene como un poquito más de cola y me gusta mucho, y luego he añadido otro clap de Cermelo que lo podéis encontrar en la misma librería que el bajo, que tiene como este toque más como de caja acústica y la verdad que le da un toque a toda la mezcla que hace que suene un poquito más acústico, más orgánico. Otra de las cosas que me gusta mucho de trabajar con drumbrugs es precisamente esto, que directamente aquí en las cadenas ya puedo mezclarlo a nivel de volumen, incluso puedo panoramizarlo, de hecho tengo pues un clap enviado a la izquierda, otro a la derecha y otro a la izquierda. Esto hace que ya de entrada consigamos que este clap esté abierto sin necesidad de añadir ningún wider, ningún utility, ningún imager ni nada de eso, solamente con la panoramización. Esto es muy importante que lo tengáis en cuenta porque son plugins al final que nos acabamos ahorrando y conseguimos el mismo resultado. Luego por último lo que he hecho es atrasar 6 milisegundos todo el clap aquí en la sección de track delay, si no la tenéis activada, la podéis activar aquí en esta D, aquí abajo a la derecha, ¿De acuerdo? Lo que podéis hacer es atrasar o adelantar todo lo que va a estar en esta pista. En este caso yo solamente tengo los claps, está sonando un clap, así que todos los claps van a sonar atrasados seis milisegundos. Es una manera de darle un poco más de groove, más de naturalidad a todo el conjunto de sonidos, aparte de también trabajar, si queremos con swings, con grooves. En este caso yo voy a trabajar en todos los hats con este groove, con el swing MPC, double up, que básicamente lo que hace es adelantarme o atrasarme cada uno de los sonidos de este clip. Es otra manera también de darle un toque más natural, más orgánico, que no suene todo tan súper cuantizado. Y lo bueno es que esto lo podemos utilizar tanto en clips de audio como en clips midi. En este caso estamos trabajando con un clip de MIDI, pero veremos que también lo podemos hacer en un clip de audio. Como siempre, pues si estás en Ableton Live podrás seleccionar los grooves aquí en esta sección, en esta pestañita que pone Grooves, ya te abre los grooves directamente, pero si no tenéis Ableton Live 11, si trabajáis con la versión 10, pues la podéis encontrar en la sección de packs. Os venís aquí abajo, os venís a Packs, os venís aquí a Core Library, Core Library, abrís grooves, Swings y aquí los tenéis. Lo único que tenéis que hacer es seleccionar el elegido, el que más os guste y arrastrarlo directamente aquí al clickmate. Una vez lo arrastréis, pues os aparecerá aquí a la sección en la piscina de grooves, en la Groove Pool y luego os aparecerá aquí para poder elegirlos. Como os digo, yo en este caso solamente los utilizo en los hi hatch, en los top loops no los he puesto aquí tenemos un hi hat cerrado, vamos a seguir viendo cositas. Tenemos un hi hat cerradO, un hi hat abierto, a ambos le he puesto el mismo swing para que todos vayan un poco acompasados al mismo rollo. Y después tenemos un fast hat, que es un hi hat puesto en semicorcheas, que en este caso para darle un toque un poco más natural a este hi hat y que no suene tan súper cuantizado en todas estas posiciones, pues bueno, podría haberle añadido un swing perfectamente, pero no he querido añadirle un swing y lo que he hecho es jugar con las velocidades. La velocidad es básicamente cómo de intenso va a sonar cada una de estas notas. Si no os aparece tenéis que activar esta pestañita de aquí y si tenéis la versión 11 de Ableton Live, yo os voy comentando cositas de la versión 11 aunque no la tengáis, por si tenéis pensado tenerla en algún momento que sepáis lo que tiene, así pues valoráis si os interesa cambiarlos o no. Pues tiene la la opción de randomize, que fíjate que podemos randomizar las posiciones de la velocidad y decirle pues como de alto va a sonar cada una de forma automática, aunque normalmente a mí no me suele gustar mucho porque fíjate, me crea demasiada diferencia de volumen y para un fast hat como este caso pues me interesa hacer algo más útil. Entonces yo lo que he hecho es hacerlo de forma manual. Por último, para acabar el tema de las percusiones lo que he hecho es añadir varios top loops. Esto es algo que utilizo mucho para acabar de rellenar todo el conjunto de percusiones ya Defunce es algo muy fácil de utilizar porque son patrones rítmicos que ya te vienen hechos, lo único que tienes que tener en cuenta es que a veces no acaban de ir sin copados o incluso acompasados con el resto de percusiones que tenéis. Entonces a veces puede ser que tengáis que hacer algunas ediciones como yo he hecho en este caso, de decir vale, pues me quedo con ese trocito, con este no, con este sí, y al fin y al cabo acabas creando tu propio patrón a través de ese top loop, que es lo que he hecho por ejemplo en este caso, para que acabara de acompasarse con el resto de pistas de percusiones. En este caso no veis los cortes porque luego lo que he hecho es consolidarlo. Comando J y lo tenemos en un clip totalmente nuevo. Después nada, un drum fill, aquí la P en el subidón con un auto filter que va abriendo de abajo hacia arriba y cuando llega a la mitad del clip lo que hace es que el segundo autofilter empieza a filtrar de abajo para arriba. Esto es una manera de hacer que la transición tanto de entrada como de salida sea mucho más suave. Luego tenemos el hook de los sintes y la vocal de apoyo, no la vocal principal. Vamos a empezar con la vocal de apoyo. En el track original John Schumid, creo que él mismo graba una vocal que dice What You Have done o algo así. Yo eso obviamente no lo he encontrado porque lo ha grabado él, así que he buscado otra vocal masculina oscura que me haga ese efecto, que es esta de aquí, que está dentro de la librería The House Grooves y que básicamente como os digo, lo que hace es este juego con los dos sintes. Esto es básicamente el hook que tenemos en los drops cuando no está sonando la vocal. Cuando está sonando la vocal, obviamente esto no suena, pero como la vocal es principalmente lo que le da el hook a este tema, pues cuando no está sonando la vocal tenemos que compensar la parte de los medios, la parte del hook, del gancho de esta canción con otro elemento, que en este caso son este juego de vocal con estos sintes, porque si no tuviéramos ni la vocal principal ni este juego de sintes, pues nos quedaríamos solamente con la base tal cual y a lo mejor pues quedaría un poco aburrido. Para las intros está bien, pero luego para los drops principales pues o juegas con la vocal o juegas con otro tipo de hook como es este. En el track original, estos stabs o esta línea de bajo de medios, este hook está hecho de samples, viene de librería, pero yo como no encontraba la librería que ha utilizado John Sumit para esto, lo que he hecho es sintetizarlo desde cero con Serum, que creo que también es interesante de ver. Entonces, ¿Cómo lo hemos hecho? Abrimos Serum y lo primero de todo es desactivar el oscilador B, solamente nos quedamos con el oscilador A, con un diente de sierra como éste bajamos una octava y lo importante es que la curva ADSR, es decir, la envolvente del amplificador es súper cortita, fíjate, súper cortita, un decay súper corto, un release súper corto también. Básicamente para que se note la diferencia entre nota y nota y no se solape una nota entre otra. Otra cosa que podemos hacer para conseguir también esa contundencia entre nota y nota y que estas notas suenen de forma separada, como notas únicas y no se solapen, es enviarle esta misma envolvente al filtro. Aquí tenemos el filtro con un cut off, tenemos un filtro que está haciendo un pasa abajos y lo que le decimos es que el cutoff se module o se mueva a raíz de lo que le va a decir esta envolvente, fíjate. Y es lo que hace también que tenga este efecto de como que se va cerrando, pues es básicamente el filtro. Algo que me gusta mucho del Sérum es que podemos jugar con el Drive y con el FAT para darle un poquito más de gordura a este sonido. Pero lo que le va a dar esta gordura importante y lo que va a darle textura a esta pista realmente es esto, es el Hyper Dimension. De por sí este sonido es un sonido mono, viene de solamente un oscilador, es un sonido que está totalmente en el centro y tenemos que tener en cuenta que está sonando en una banda frecuencial, una banda frecuencial bastante similar a la del bajo. Y tenemos un bajo, como hemos visto antes, muy rugoso, muy potente, con muchísima energía. Por lo cual si yo quito esto y quito el delay, tenemos un bajo totalmente en medio. Y si lo mezclo con el resto de pistas, fíjate qué pasa, cómo desaparece, parece que no tiene. Que no tiene presencia. Y esto no es cuestión de que esté mal mezclado, no es cuestión de ecualización, simplemente las dos pistas, el bajo principal y este bajo, están colindando en la misma banda de frecuencias. Entonces tenemos que buscar otro método de mezcla para poder separar y darle espacio a este bajo. ¿Cómo lo podemos hacer? Pues jugando con el estéreo. Si el bajo principal y el bombo principal están sonando en el medio, si yo pillo este bajo, este arreglillo, y lo abro, va a sonar en un campo totalmente diferente, en un campo del estéreo totalmente distinto, por lo cual va a tener su espacio, le vamos a crear su espacio, fíjate, voy a activar el Hyperdimension. Bueno, vamos a escucharlo otra vez sin. Y voy a activarle ahora el Hyper Dimension, que es como un imager, abre el estéreo y un poco el delay, fíjate, diferencia abismal, solamente con un efecto, nada más. ¿Vale? Pues bueno, esto es básicamente para que tengáis en cuenta la importancia de que la mezcla no solamente se rige en volumen y en ecualización y en frecuencia, sino que es muy importante la imagen estéreo y también cómo panoramizamos las cosas. Esa sería otra herramienta que tendríamos a mano, que en este caso no hemos empleado, pero que empleamos, por ejemplo, con las percusiones también. Entonces, cómo hemos hecho el Stab, este otro arreglillo que hace como la respuesta, esto es lo típico de Call Response llamada respuesta, pues básicamente lo que he hecho es duplicar esta pista. Es el mismo Serum, es el mismo procesamiento, solamente con un Ecoboy, que ahora os lo enseñaré, Y básicamente Serum lo que hemos añadido es un oscilador B con una senoidal para darle un poco más de cuerpo a este Stab, porque si no sonaba como muy chirriante, muy en altos. Y lo que he hecho es que aquí en la envolvente, nada, darle un pelín más de dique, hacer un pelín más larga la envolvente para que no suene tan corta, pero sigue siendo cortita. Obviamente seguimos con la misma técnica de enviar la envolvente al filtro, al cutoff, fíjate, para que se cierre a medida de que suena, tan simple como esto. Y luego en procesamiento solamente hemos dejado el Hyper Dimension, el delay se lo hemos quitado porque en este caso el delay lo hacemos con el ecovoi, que la verdad me está molando mucho. Si os fijáis, a lo mejor veréis varios plugins de Zone Toys en este vídeo, no es ninguna colaboración ni nada, simplemente que me ha bajado la demo de 30 días, la estoy probando y me está gustando, la verdad, tiene bastante buena pinta. Yo tengo el Decapitator comprado, pero el resto de plugins de suntoys a día de hoy no los tengo, pero los estoy probando en este proyecto. Vamos a seguir viendo cosas. Ecualización, simplemente la misma ecualización que teníamos anteriormente, de hecho podríamos cortarle un poco más aquí en los graves porque no hace falta tener más. Así, perfecto. La misma enfatización que hemos hecho en la ecualización del primer bajo para destacar la parte de los medios y los altos y que tenga presencia en la mezcla, que no se quede escondido con el resto de pistas graves. Y poquito más, un Decapitator, porque lo tengo porque me gusta utilizarlo, me gusta como suena, pero si no tienes el Decapitator puedes utilizar plugins como el Saturator, como el drumbus o cualquier plugin de distorsión o excitador aural que tengáis por ahí. Vamos a ir por la vocal principal, por el hook. Como os comentaba, esta vocal es de Splice, es como la canción. Si os gusta John Summit, habréis escuchado la canción del Deepend, que fue también un top 1 de beatboard y fue con una vocal de Splice. Pues esta canción, que tiene pinta que acabará siendo top 1 de Beadport, es una vocal de Splice, de la librería Alexandra Vocal Sessions o algo así, que de forma original suena así vamos a escucharla. Es una vocal que está a 100 BPM. Nosotros estamos trabajando a 126 y está en B mayor, es decir, en Sí. Y nosotros estamos trabajando en DO. ¿Cómo lo arreglamos esto? Pues muy sencillo, entramos dentro del clip de audio. Primero de todo vamos a activar el Warp y lo que voy a hacer es venirme aquí donde pone BPM y escribirle el bpm original. De esta manera lo que estoy haciendo es ajustar estos 100 bpm a los 126 bpm de mi proyecto. Importante el warp, trabajar con el complex, el algoritmo complex. Si lo tenéis en bit, ponedlo en complex. Entonces, fíjate, vamos a poner la claqueta por otro lado, hemos dicho que esto está en Si y lo queremos en Do. De Si a Do hay un semitono, pues nos venimos aquí al Transpose y lo subimos un semitono. Pero ahora, ¿Cómo hacemos para que esto suene un poquito diferente o suene tan arriba como me está sonando realmente la canción original? Pues bueno, para ello hay un plugin que acabo de descubrir muy chulo, que es el Alter Boy, que es algo que os recomiendo 100% porque es brutal, de verdad, ya veréis. El Alter Boy, aparte de poder trabajar con el pitch, es decir, poderle decir que me cambie la tonalidad de esta vocal, puedo decirle que se mantenga en una tonalidad pero que se aprecie, que esté sonando más grave o más agudo, pero manteniendo la tonalidad, ¿Vale? Sin cambiar el tono. Esto es una pasada. ¿Cómo lo hacemos? Colaformante, Fíjate. Entonces vamos a irnos a la pista editada, ya que ya os he enseñado como lo he empastado y originalmente o editado suena así, fíjate. En este caso solo ha hecho falta bajarle la formante menos 2 y ya está, no hace falta nada más. Dato interesante y es que esta vocal no entra en compás desde el inicio de la vocal. Es decir, ¿Cuando entra compás? Fíjate, aquí por ejemplo, la vocal entra en el momento en el que dice Is the way you look. Aquí mira, en el me is the way you look at me. Por lo cual tenemos que ponerle un poquito atrasada porque si no luego no os va a cuadrar. En el caso de que queráis reproducir este remake en vuestra casa, pues que tengáis en cuenta esto. Luego yo lo que hago es cortarlo aquí, ponerle un poco de fade out aquí, activando las automatizaciones para que acabe de empastar todo mejor entre clip y clip y un poco de entrada a lo mejor en algunos casos, bueno, en este caso no. Y luego por último, para darle un poco más de distorsión, lo que he hecho es utilizar el Radiator, que ya que lo tenía aquí, pues lo estoy utilizando, es como una especie de. Le da un poco más de calor, no llega a distorsionar, sino que le da como poco de calidez. La verdad que me ha molado bastante. Vamos a escuchar como suena. Algo que me he fijado mucho de la vocal original de Splice y de la canción de John Swimmit, es que la vocal una vez procesada tenía mucha textura, es decir, la original sonaba como muy limpia, recién cantada, sin procesamiento ni efecto alguno, y la de John Schumid suena como con bastante textura. Entonces para buscar esta textura lo que he hecho es jugar con delays y jugar con el radiator. El Radiator ya os lo he enseñado. Y luego el delay, en este caso lo que he hecho es duplicar la pista para que tenga un poco más de fuerza, más de consistencia, suene más potente y lo que he hecho es otra vez en la pista de track delay, reducirlo o atrasarlo dos milisegundos. Entonces de esta manera es como si estuviésemos creando una especie de delay con estas dos pistas, no pasarse mucho, no os paséis mucho con los milisegundos de aquí, porque si no podéis crear contrafases y luego cuando lo escuchéis en mono, que la vocal desaparezca. Entonces este es el punto exacto en el que se aprecia ese delay, consigue que la vocal tenga mucha más textura, pero que escuchado en mono no se pierde mucho, se pierde un poquito pero no mucho. Pero bueno, eso es dentro de lo normal, al menos en mi parecer. Luego, para acabar de seguir buscándole esta textura en el grupo de estas dos pistas que he hecho un grupo, pues he añad un Little Microshift, que básicamente lo que hace es esto, sigue buscando como esa especie de delay entre estas dos pistas. Es algo que me mola mucho porque hace que la vocal se abra un pelín y sobre todo que adquiera un poco más de textura. Con estas dos pistas tiene tres métodos, tres modos, está bastante chulo. Luego un Ecoboy, que ahora os enseñaré para qué lo he utilizado, Y luego otro Crystallizer que es básicamente un eco. Si queréis podéis utilizar el eco nativo de Ableton Life, pero bueno, este es un eco granular que la verdad que mola bastante. Os estoy enseñando muchos plugins hoy, normalmente no suelo hacerlo, ¿No? Porque suelo utilizar cosas nativas de Ableton Life, pero es que me he bajado esta demo y mola mucho, os la podéis bajar también, es gratuita, lo podéis tener durante 30 días, que es lo que seguramente yo lo tenga, ¿Vale? Y luego tenemos estas colas de delay, estas colas de reverb que tenemos aquí, que en la original suenan bastante altas Y yo lo que he hecho es trabajar con este ecoboy que tenemos aquí. Aquí lo que he hecho es poner un ecoboy, ponerle un delay que me trabaje a cuarto de nota, es decir, que cuando se repita el delay vaya a negra y además le dices que vaya a tempo a 126 bpm, por lo cual te hace un delay totalmente acompasado con tu proyecto. Pero como no quería que este delay sonara directamente en estas pistas porque no quiero que. Porque no quiero que estuviera activo en esta pista en este momento, lo que he hecho es abrir una pista nueva y enviarle el resultado de este ecoboy. Básicamente lo que hacemos es añadir una pista nueva y decirle la entrada, pues me entras directamente el grupo, el vocals 18 se llama vocals y cuando estamos aquí lo que hago es activarlo, mostrar automatización y decirle que se active solamente aquí, en el último. Que se active solamente en la última sílaba, en el último fragmento. Entonces lo que va a pasar es que aquí en esta pista se va a grabar solamente el resultado. Entonces básicamente lo que he hecho es grabar un resultado con un delay a 1.4 a negras y luego un delay a 1.8 a corcheas, para que vaya un pelín más rápido. Entonces es este el que va a corcheas y luego este el que va a negras. En total tenemos este efecto. A mí me mola más tener así, porque luego además esto lo puedes procesar, puedes meter más efectos, tienes más control sobre ello. Obviamente lo hemos vuelto a meter estas colas de delay al mismo grupo de vocales y el mismo grupo de vocales pues le afecta el Little Microsoft este que hemos visto, el Crystallizer y el autofilter que tenemos. Entonces es una manera que vaya todo un poco más acompasado y también los envíos a delay, que tengo un envío a delay que se abre justamente aquí antes de que entre el drop Un trabajo de vocal bastante interesante que aprender en este remake, yo la verdad que he aprendido cositas sobre procesamiento vocal y sobre sampleo así que muy guay, muy guay hacer estos remix me está gustando vamos a seguir viendo cosas esto es un arreglo que he hecho yo que me ha parecido interesante ponerlo soy yo que la verdad creo que queda bien, es algo que podemos emplear en los drops que podemos emplear donde queramos, no es de la canción original pero me pareció guay po Y luego aquí abajo él usa atmósferas en los parones, ¿Qué atmósferas he utilizado? Pues mira, sinceramente las dos primeras que he pillado de Splice, de la librería de Tethouse de Mark Knight son estas de aquí, vamos a escucharlas y ya está bien Y hasta aquí el vídeo de hoy, espero que te haya gustado, si ha sido así pues dale un like bien grande, suscríbete al canal si todavía no lo estás que es súper importante para apoyarnos a que siga haciendo vídeos de este tipo y recuerda que si quieres ahondar más sobre producción de tejas, producción de tecnología, te espero en produccionarlen. Com con más de 445 vídeos explicados desde cero y al detalle Nos vemos en el siguiente tutorial, hasta luego.