Producción Online | Producción de Música Electrónica con Ableton Live

Buenas a todos, primero de todo gracias por venir, todavía no tenía ni idea de si va a venir gente o no a esta clase y bueno, para quien no me conozcáis yo soy Álex González, actualmente llevo Produccion Link Com que es una página, bueno, empezó siendo una comunidad de productores y de gente friki que compartimos toda esta pasión entre todos y actualmente es un blog, es una página web, una plataforma dedicada a todo el mundo que quiera empezar a producir. Están desde todos los tipos de artículos y tutoriales que os puedan interesar para empezar, desde estructuración, composición y un poquito de mezcla, incluso de mastering y todos los recursos que yo he ido seleccionando y sacando la mayoría gratis que os puedan interesar para hacer una producción. Es algo que yo cuando empecé vi que faltaba porque hay mucha información en Internet, hay un montón de páginas web donde podéis sacar un montón de cosas y bueno, poco a poco desde hace casi tres años aproximadamente hemos ido seleccionando cosillas y ahí lo tenéis bastante fácil, bastante fácil de encontrar. Entonces sí, Producción online Com me han dicho, tú hazte promoción y se me olvida es esta, si os fijáis nada más entra aquí, engaña, entra aquí para que paguéis, es como un Netflix lo de los cursos pero si os vais aquí abajo aquí lo tenéis todo los recursos, lo que os decía, si vosotros entráis aquí tenéis desde los Ableton Live Racks, si utilizáis Ableton son proyectos y tenéis proyectos, los proyectos van muy bien para para ver cómo ha sido una canción producida desde cero, es algo que a mí me ayuda bastante También aprovecho, no tenía pensado decir esto pero ya os lo comento, esto es bastante fácil porque es como si tuvieras un proyecto que tú lo tienes en tu ordenador y ves directamente cómo ha sido mezclado, cómo ha sido producido, no siempre te va a funcionar las mismas técnicas, en cualquier caso esto es lo que hay que aprender a ver con el tiempo, pero sí que es verdad que funciona bastante bien. Esto empezó en Internet con el FL Studio, los argentinos y tal se dedicaban a hacer una cosa que se llamaban remakes, que cogían canciones famosas y las producían ellos mismos sin tener ninguna pista ni ningún tipo de sonido del artista original de la canción famosa y conseguían sonidos clavados. Entonces a partir de ahí te dabas cuenta de que dices hostia pues yo en mi casa soy capaz, puedo hacer esto porque si este tío lo ha hecho yo lo hago y algunos compartían el proyecto y otros no, y si tú te lo bajabas pues veías cómo ha sido hecho, cómo había sido producido. El tema este se llevaba sobre todo en el 2012 por ahí cuando la época spinning y afrojack y hardware y esa época y yo empecé aprendiendo por ahí, entonces un poco pues lo he aprovechado y lo he ido metiendo en producción online. La mayoría son de música tecno, por eso ya no me meto en ese mundillo. Pero bueno, respecto a la clase, un poco lo que he querido estructurar, lo que he querido montar es la parte de estructuración y de creación de un loop y lo que viene a ser crear una canción como tal y luego la parte de mezcla. ¿Por qué? ¿Porque por eso os he preguntado si habéis empezado ya a toquetear algo o no, porque cuando tú empiezas a producir, lo que suele ser más complicado al principio es que dices, vale, yo he conseguido un loop, a mí me gusta, pero como de aquí yo saco una canción? ¿Cómo tienes tú una intro, un final, cómo hago para que me dure lo que me tenga que durar? ¿Da igual, Y cómo consigo que mínimamente suene bien? Pues bien, pues principalmente os voy a enseñar una movida que se llama utilizar un track de referencia. No sé si os suena. Utilizar un track de referencia es básicamente copiar. ¿Copiar es bueno, es malo copiar? No es malo copiar realmente copia todo el mundo, la mayoría de gente que veáis conocida no dejan de ser medianamente copias. Pero si lo haces de una manera un poco inteligente y te nutres de un género o de otro o mezclas conceptos distintos, al final acabas creando cosas nuevas. Y una persona original yo creo que no es ni más ni menos que tenga más don o menos don, es simplemente una persona que ha llegado a repetir tanto algo, porque al fin y al cabo el cerebro aprende por repetición, por hacer muchas veces algo. Entonces ¿Qué pasa? Que cuando tú estás harto de hacer el mismo patrón o de repetir ciertos patrones, al final tu cerebro acaba creando cosas nuevas. Es como aprender a conducir, tú aprendes a conducir y no te imaginarías que acabarías aparcando en el sitio más complicado de aquí del Carmelo, que me las he visto putas para aparcar. Pero cuando tú ya has conducido y lo has hecho muchas veces, aparcas en sitios donde no has aparcado en tu vida. Pues un poco la movida viene por ahí. Es lo que os quiero transmitir con la sesión de hoy porque es esto, al principio yo me rayaba mucho porque copiaba cosas o hacía música y me parecía, me sonaba algo ya conocido, decía no, estoy haciendo algo original, no voy a ser conocido nunca o no me van a coger la canción en ningún sello y al final es lo que me ha hecho aprender más, el copiarme de otras personas o copiar géneros y demás. Vale, entonces vamos a abrir, vamos a ver diferentes proyectos. Principalmente lo que me hacía a mí cuando yo me copiaba temas y me rayaba y no producía, lo que te hace es estancarte y eso sí que es lo malo, lo suyo, lo que tenéis que intentar siempre es producir y sacar y sacar música. Esos productores que sacan música como churros al final son los que realmente acaban aprendiendo más porque si tú haces una canción a la semana no es lo mismo que si te tiras dos años sin sacar música porque estás rayado y estás estancado y eso es lo peor. Yo creo que de lo que he aprendido desde que empecé hasta ahora yo creo que es lo que más destacaría y es lo que creo que más ahora mismo os puede funcionar a vosotros más de cualquier técnica de mezcla o de producción que vais a poder aprender en YouTube y en cualquier sitio pero un poco este mindset de decir oye, tiro palante, saco esta canción tal y como está, si se parece a una o no me gusta, da igual, la sacas y tiramos para otra cosa. Bien, pues lo que os decía de referencia es esto, aquí tenemos una canción, vamos a ponerlo. Bueno, esto es Sableton Live, supongo que habéis oído hablar que hay diferentes DAWs, yo utilizo este, empecé con FL Studio pero considero que Ableton Live la verdad es bastante intuitivo y sobre todo para hacer este tipo de de música que es bastante sampleable y se utilizan muchos samples de librería o sobre todo a temas creativos, si a lo mejor utilizáis algún tipo de launchpad o un teclado es bastante útil utilizar Ableton Live. Luego está Cubase o Logic, yo para mí es bastante. Yo lo utilizaría más para, no sé si grabáis grupos por ejemplo de rock o que trabajáis con instrumentos que ya grabáis directamente pero si vais a trabajar 100% con el ordenador yo la verdad que a día de hoy Ableton es el que me ha sido más eficaz para esto. Es un tema muy sencillo, son bombo, es un bajo bastante guay y básicamente son. No sé cuántas pistas serán, pero vamos a hacerlo. Y básicamente lo que os quiero contar con esto es cómo utilizar el track de referencia que creo que os servirá para cualquier producción que hagáis. Bien, en Ableton Live encontramos una cosa que se llaman los racks. Hay drum racks, instrument racks y los drum racks sirven para agrupar samples. Los samples, nosotros tenemos dos tipos, podemos trabajar con dos tipos de sonidos, entre comillas, podemos plasmar sonidos en el proyecto, mejor dicho, desde dos formas diferentes, desde samples o desde midis. Si trabajas con MIDI necesitas un instrumento virtual, un VST, que básicamente viene a ser el típico sintetizador de toda la vida puesto en un generador de sonido como tal, o bien podéis trabajar con samples, que son muestras, que son sonidos ya grabados. Entonces los drum racks nos van a servir para trabajar con sonidos ya grabados y normalmente las percusiones son sonidos ya grabados porque tú buscas un kick, por ejemplo, vamos a buscar un kick, yo que sé, lo tengo aquí guardado para Aquí tenemos el kick, nos vamos a ir a la pista de drum rack y lo cargamos aquí mismo. Como es un loop de muchos kicks, voy a cortarlo, me voy a quedar con uno solo y vamos a abrir un drone. Lo que estoy haciendo es duplicando la misma nota todo el rato. Si os fijáis aquí tenemos cuatro columnas grandes y dentro tenemos otras cuatro columnas. Si nosotros queremos hacer un bombo de X, que es el pum pum pum, tenemos que hacerlo de esta forma. Antes se me había ido y lo habíamos hecho así. Exacto, eso es algo que si vas rápido siempre te acaba pasando. Añades otro, de hecho yo normalmente los copio y pego los midiclips y vamos a hacer lo mismo y podríamos utilizar el sample directamente. Pero así de paso os explicaba la gracia de los drum racks y para qué nos van a servir. Pues ¿Dónde crees que necesitaríamos un clap? En el segundo bombo, por ejemplo, Vamos a hacer cualquier cosa, seleccionas todo y haces comando D y se vuelve a copiar. Vamos a hacer lo mismo. Yo a veces ya directamente hago así. Entonces tenemos copiado ahora el clip del clap, pero no nos interesa porque aquí vamos a poner otro instrumento diferente. Voy a poner un ride. Un ride vendría a ser el platillo grande que encontramos en una batería, el que tocarías cuando tocas el bombo a la vez. No toco la batería, pero más o menos el hi hat es el charles, este platillo pequeño que hay dos que se chocan entre sí, pues el ride sería el grande. Lo que pasa que a veces los ride, como son más amplios, se utilizan en la misma posición que los hi hatch, que ahora os voy a enseñar lo que son. Lo que son cada cosa. Esto sí que lo voy a poner así. Y ahora de momento aquí le vamos a poner un sidechain mismo. El sidechain básicamente lo que hace, podemos hacer un sidechain, ahora os explico lo que es, por compresión o por volumen. Básicamente sidechain se llama así porque actúa en función de un trigger. ¿Qué quiere decir esto? Que si yo quiero comprimir este sonido en función de este bombo, es decir, que cuando suene el bombo este me comprima el write, se necesita la técnica sidechain. Si tú abres el compresor y le das a sidechain, le dices audio input drumrack, un drum, ya veréis lo que hace. Exacto, vamos a hacerlo bien, tiene razón. Vamos a ponerlo ahora kick, Ya veréis lo que hace. ¿Ves qué es lo que te está haciendo? Te está abriendo espacio en el raid justamente cuando suena el bombo. De esta manera, si yo quito el compresor, porque si a mí me interesa que suene el right justamente cuando no está sonando el bombo, porque lo que está haciendo el bombo es esto, pum, right. ¿Ves? Está sonando justamente después. Pero si yo no quiero que la cola del bombo me choque con el right, pues hago una compresión sidechain. Con el bajo vamos a hacer exactamente lo mismo, porque el bajo encima está trabajando las bajas frecuencias con el bombo y hace que se colisionen y que aún sature más y no suenen claras las dos pistas y el bombo. Es algo que tenemos que tener en cuenta que en una tema de música electrónica, y creo que por lo que os he hablado con vosotros más o menos es lo que os gusta, hay que tenerlo siempre presente y mirar que ninguna pista se nos acabe comiendo el bombo. Entonces ya tenemos el bombo, tenemos el clap, tenemos un raid y ahora vamos a añadir un par más. Ahora añado de audio y ahora os enseño las pistas de audio que os comentaba antes. Si os bajáis cualquier tipo de librería es importante que sea más o menos buena, que la bajéis de alguna página reconocida que no sean samples porque al fin y al cabo esto es como cocinar, si tú trabajas con una materia prima mala que está mal grabada pues te va a salir un churro por muy bien que mezcles, por muy bien que hagas lo que tú quieras. Vamos a buscar drum loops y vamos a buscar aquí unos tops veis aquí, esto es un bombo, un hi hat y un clap pero como ya lo tenemos eso, vamos a buscar otro tipo de sonido que no tengamos, por ejemplo este vamos a añadirlo, de hecho tengo aquí algunas pistas más que las he dejado para no tener que. Para no perder mucho tiempo buscando Y este tipo de percusión ya le está dando otro rollo distinto a la canción, está acelerando porque si os fijáis también el tema de referencia que habíamos utilizado es bastante rápido y al final son 125 bpm que no tiene nada que ver con el hard techno que va, no sé a cuántos irá, pero a más de 150 seguro tiene que ir y esto de por sí es un tema bastante lento pero nada más, con el rollo de hacerle este tipo de percusión cambia totalmente. Vamos a buscar otro más y ya vamos a tirar por la estructura. Estos son hi hat, ya tenemos, bueno, podemos poner un hi hat cerrado este tipo de sonido normalmente tenemos dos tipos de hi hat los hi hat son los charles que os comentaba, si tú tocas un charles por encima con la baqueta te suena un hi hat cerrado si tú le das al pedal y haces que suenen los dos a la vez te suena un hi hat abierto o un sonido bastante parecido al raid Vamos a buscar un hi hat abierto para que lo veáis Vendría a ser esto, no es lo mismo darle con la baqueta que darle con el pedal. Esto puede ser grabado en una batería de verdad o puede ser sintetizado. Normalmente esto suele ser sintetizado, pasa que se parece bastante, es un poco bien a ser el homólogo, intento hacer el homólogo a una batería porque si habéis tenido contacto con una batería pues un poco vais asociando qué sonido viene de cada sitio. Vamos a poner el hi hat aquí abajo. Bien, y ahora vamos a hacer la otra pista principal que vendría a ser el bajo ¿Cómo hacemos un bajo como esto? Tenemos las mismas dos formas de hacerlo, o bien o lo sintetizamos nosotros con un sinte, algo bastante complicado y que ahora mismo no creo que merezca la pena ni que lo aprendáis porque es bastante frustrante a día de hoy a veces ni yo sintetizo las cosas porque no soy diseñador de sonidos. Hay una persona, se le llama diseñador de sonido, que se crea que se encarga de crear este tipo de sonidos y es algo bastante complicado y la gran mayoría de productores de DJs, productores que podáis encontrar, no son diseñadores de sonido, tampoco tiran de samples o tiran de presets que puedan utilizar dentro de estos plugins, de estos VSTs, de estos sintetizadores digitales digamos. ¿Qué pasa? Que si tampoco te las ves haciendo un sonido con un VST, aunque sea por un preset, puedes trabajar directamente con un sample. La manera de trabajar con un sample puede ser de esta forma, si te vas a una librería de este tipo, por ejemplo Bass Hits, esto es donde quiero enseñar, ahora vamos a ir a otro lado, Base Loops, esto es una línea de abajo de sample, vosotros podrías perfectamente hacer esto y a la tema hecho, pero realmente os recomendaría que probarais otro tipo de técnicas como podría ser con el MIDI. La gracia es que antes probéis el tema de los MIDI lo antes posible porque os familiarizáis sobre todo con esto, con un secuenciador y que empecéis, no sé si tendréis un poco de idea de música o de solfeo, no hace falta mucha tampoco, pero si tenéis idea aquí os va a ayudar bastante, sobre todo con el tema de escalas y de armonía y de no liar con el tema de las notas. Entonces para hacer un bajo vamos a hacer lo mismo, vamos a buscar un Instrument Rack, que en este caso, vamos a ver algunos, tengo guardado por aquí, ves que aquí que pone Instrument Rack es el mismo Durum Rack que nosotros hemos visto antes, pero se suele utilizar para trabajar con VST. En este caso lo que he utilizado es un sampler, típico sampler de toda la vida, que tú le cargas muestras, le cargas samplers y tú de ahí puedes a través de una línea MIDI puedes hacer que esto suene. Esto básicamente no deja de ser otra muestra, como lo que os comentaba antes, es un bajo que el tío que ha hecho la librería se ha dedicado a grabar diferentes notas con un sintetizador y las ha colocado en una librería como tal, ya está y está en C que es en Do. Esto está bastante interesante que os aprendáis la nomenclatura latina con la americana, Yo hasta que no hice esto no me la aprendí, me tengo la chuletita aquí puesta y cada vez que veáis un sample que está en e, pues sabéis que significa que está en mí podéis trabajar directamente con la americana, pero bueno, si veis tutoriales de otro tipo, pues a lo mejor hablan en la que nosotros conocemos que es el do, re, mi, fa, sol. Pues bueno, si sabéis un poco qué es cada cosa, pues os puede interesar. Entonces esto como os decía, al fin y al cabo, ya veréis, no deja de ser un sample que está grabado en do. Lo tenéis aquí y aquí mismo vosotros podéis hacer la línea de abajo que os dé la gana. Vamos a probar algo, voy a poner el bombo de fondo. ¿Lo que hago aquí es poner esto en solo esta s, significa que ahora sólo escucho el bombo, si yo lo quito me suena todo lo que esté activado, ves? Ahora esto está desactivado, no sonaría con esto, lo activo fácil. Entonces, otra manera, la manera para hacer el bombo, para hacer el bajo, perdón, vamos a hacer así para tener un poco la referencia de la claqueta también podrías utilizar una claqueta que es esto de aquí, un poco para lo que estéis componiendo, pues que tenga un poco de tiempo, que no os perdáis. Pero si yo tengo un bombo, pues pongo el bombo directamente más fácil. Una sería esta, tal cual, son cuatro notas, haces en una columna y las copias a la vez, las copias en el resto. Esto de las columnas lo he hecho así porque estoy trabajando con esta franja. Vosotros podrías perfectamente, si no vais a cambiar la. ¿Sí el qué? Esto, vale, Mira, yo aquí entro en el midiclip, tienes que pulsar aquí en el color y entras dentro y aquí lo tienes todo. ¿Que lo quieres poner más pequeño? ¿Que lo quieres hacer más grande? Si le quisieras dar sobre todo las percusiones, aquí abajo tendrías el volumen de cada una de las notas. Esto tiene más sentido que las percusiones. Esto en el otro proyecto lo veremos mejor. Entonces, ¿Qué tenemos aquí? Pues yo tengo un instrument rack que como lo que os decía antes, no deja de ser una agrupación de procesamientos, de plugins que nosotros podemos guardar. ¿Para qué? Para que cuando vosotros tenéis que hacer, por ejemplo, trabajo en otro proyecto, pues cogéis y metéis el instrument rack directamente, ya lo tenéis todo. ¿Y qué tengo aquí tengo mi sample, tengo mi utility, que ahora veremos para lo que sirve, tengo ecualización, el Drum Boost, que este es un plugin nuevo de la Belton Live 10 que está bastante bien, es como para boostear, para dar un poco más de chicha al sonido y la compresión sidechain que os decía antes, que obviamente no viene rooteada porque el Instrument Rack no sabe dónde he puesto este trigger, que es mi bombo de arriba? Entonces lo seleccionamos, ya lo tengo comprimido, ya tendríamos tal cual. Ya que estamos voy a enseñar una cosita, que es que todos los bombos necesitan un poquito de ecualización, aquí entramos en un poco de mezcla, pero un poquito por encima, pero que es bastante interesante. Si utilizáis Ableton Live, tiene una cosa muy interesante que es que si le dais al botón derecho, le dais a sobremuestreo y te procesa la señal con un poquito más de calidad. Esto se ve sobre todo en las altas frecuencias, coge un poquito más de espectro, hace que suene un poquito más claro. Lo digo porque algo que veréis ahora que empecéis a indagar por Internet y tal, lo que siempre, siempre te van a comer la olla es que compra este plugin, bájate esto ahora, si no tienes este plugin no vas a sonar como tal, vas a ir a una masterclass y le vas a preguntar al que está haciendo la clase ¿Qué plugins? Y lo que apunta la gente son los plugins y dices, vale, no me suena de puta madre porque me faltaba este plugin, este era el problema. Mentira, no es así, es una industria al fin y al cabo, el tema de los plugins, la gente que programa plugins tiene que ganarse la vida y obviamente lo van a hacer para hacerte creer que si no tienes ese plugin, pues no vas a sonar bien. Y en algunos casos, pues sí, hay plugins que merecen la pena, yo que sé, el paquete de Waves o los Fabfilters por ejemplo, están bastante bien, pero ahora Mismo Ableton Live 10, todos los plugins nativos que podemos encontrar aquí en AudioFX, tenemos los instrumentos con los que creamos el sonido y los plugins con los que añadimos efectos o hacemos la mezcla, todos estos, ahora va a empezar, tenéis de sobras. Y lo mejor de todo es que estos plugins nativos que se llaman porque vienen con el programa, no te consumen nada de CPU. Si os fijáis ahora mismo, mira, me está consumiendo un 8 %. Tampoco el proyecto es pequeñito, pero si tenéis un ordenador que no tira mucho, pues oye, con esto no vais a tener ningún problema, sino lo que va a pasar es que se empiece a. Cuando estáis jugando un juego, un videojuego, y a lo mejor tenéis poca RAM o poca tarjeta gráfica y se os laga un poco, pues aquí pasa exactamente lo mismo y aún así es peor porque el sonido también se laguea y te destroza los oídos y tienes el volumen alto, es fatal. Entonces, siempre que podáis utilizar esto, perfecto. Ahora mismo no sé si yo me voy a enterar mucho porque están los monitores para allá, pero quizás vosotros lo escuchéis. Vamos a ver de qué se compone un bombo, un poco para que tengáis una idea de cómo se debería de ecualizar. ¿Vosotros sabéis lo que es un analizador de espectro? Para que no lo sepáis, es esto de aquí. Básicamente te está analizando la señal a tiempo real. Te la analiza desde los 10 hercios más o menos hasta los K aproximadamente. ¿Por qué? Porque el oído humano lo que escucha es esto, desde los 20 hercios hasta los 20.000 hercios. Frecuencias hay un montón y es una movida bastante complicada, pero el sonido trabaja principalmente entre esto, entre los 20 y los 20 mil. También trabajar afuera, pero el ser humano no se entera. Entonces los ecualizadores y los analizadores de espectro normalmente te mostrarán un sonido en función de este rango, de este margen. Entonces, normalmente, si yo sé que el ser humano no escucha por debajo de los 20 hercios, pues va a ser bastante interesante que yo coloque un low cut aquí a los 30. ¿Qué estoy haciendo? Me estoy cargando directamente toda la señal residual que hay por debajo de los 30. De hecho, si te fijas, el bombo, el pico más alto que nosotros escuchamos, que es el cuerpo del bombo, lo tenemos aquí, lo tenemos a 50, lo podéis leer aquí abajo a la izquierda. ¿Y encima lo interesante es que os dice la tonalidad, dice tu ratón, donde está el puntero? Está a los 12 dB. Si estuviera aquí, estaría a los 0. Aquí arriba los tengo a los 12 dB, está a 50 hercios y encima está en Sol, en 0, en G. Si no, aquí tenéis dudas, pues os vais a la chuletita que está en Internet y veis que está en solo. Entonces, ¿Qué sabemos con esto? Sabemos la tonalidad del bombo que nos interesará para adecuarla al resto del proyecto. Yo esto no es algo, No lo hago normalmente lo de ajustar el pitch, la tonalidad de los samples, pero hay gente que lo hace, sobre todo en la música comercial y tal, sí que todo esté bastante a tono y las percusiones y tal, puede hacer que tenga más cohesión y que suene mejor. Normalmente, si a ti te suena bien, si tú crees que no te va a cambiar mucho, déjalo como está. Tampoco que un bombo esté en G o esté en Do, por ejemplo, tampoco vas a notar que no cohesione con el resto del proyecto. Así que eso es algo que está bien que lo sepáis, porque oye, cuando digáis cómo afino yo cualquier tipo de sonido, pues con el mismo ecualizador de Ableton Life lo sabéis, no necesitáis ni un afinador ni necesitáis nada. Tenéis el bombo, tenéis la parte de la pegada que está sonando más flojo porque obviamente lo que resalta es el cuerpo. Y aquí en el medio, en esta pequeña bajadita, encontramos entre los 200 hercios un poquito antes, ya veréis esto en cualquiera de los casos, hacer una bajada aquí de. ¿De cuántos decibelios? De 8 decibelios sería una exageración. Pero si os fijáis, el bombo, yo ya puedo aquí bajarle, que el bombo sigue teniendo fuerza igual, porque al fin y al cabo la pegada, que es el clic, es lo que hace. Ya veréis, si quito la pegada me queda el cuerpo. La pegada es esta parte de los saltos que vosotros escucháis aquí en una batería, vendría a ser el golpe que hace la maza con la telilla o con el bombo como tal. Y el cuerpo es la resonancia que hace dentro de la caja. Entonces, ¿Qué pasa? Porque si yo reduzco aquí, no noto apenas nada. Pues bien, me va a interesar hacer esto porque no sé si lo notáis, pero aquí queda como un bombo bastante zapatilla, bastante duro. Si yo hago esto sobre los 200, consigo que el bombo quede un poquito más limpio. Y lo más interesante es que en esta banda frecuencial es donde va a sonar este señor de aquí, que es el bajo, porque si nos vamos al bajo y ponemos un ecualizador. Voy a quitar el procurador, lo vamos a hacer con el equ, que ya que lo estoy explicando así, que todo tenga una coherencia. Vemos principalmente esto, que aquí arriba pues obviamente no hay información en los altos porque es un bajo, está trabajando en las bajas frecuencias y únicamente tenemos información aquí. Entonces aquí podemos hacer exactamente lo mismo que os comentaba antes. Vamos a cortar por aquí, vamos a cortar por arriba porque aquí tampoco hay información. Cortamos porque todo esto que vemos aquí, estás, estos pequeños picos no dejan de ser armónicos y a lo mejor por aquí también los tenemos y estos armónicos son señales que no están aportando nada a la mezcla y lo único que pueden hacer es ensuciar y chocarse con pistas que están trabajando aquí, como podría ser los rides o los hi hats que hemos visto antes que sí que trabajan en esta zona, en la zona de los saltos. Entonces si cualquier sonido veis que únicamente está trabajando aquí, pues cortáis, lo acotáis, lo hacéis, veis como una casita, tú te quedas aquí, de aquí no te mueves. Entonces vamos a irnos aquí a los 200 o 170 donde estábamos antes es principalmente donde estaría el cuerpo de este bombo, de este bajo y justamente aquí donde estaría el bombo estaría interesante hacer lo contrario. Vamos a irnos al filtro 3, vamos a buscar, vamos a volver al bombo, que no me acuerdo dónde hemos dicho que era, los 50 aproximadamente. Pues aquí a los 50 lo que vamos a hacer es bajar un poquito el bombo, el bajo, perdón, para dar despacio. Al fin y al cabo, cuando tú haces una canción vas a cubrir todo este espectro de aquí y cada instrumento se va a encargar de una parte distinta. Si tú sobrecargas una zona frecuencia, una onda frecuencial con muchos instrumentos vas a conseguir que no sea inteligible cada uno de ellos, que tú no puedas diferenciar entre una pista u otra. A lo mejor algo que choca bastante es por ejemplo una guitarra o un piano. Si tú quieres hacer un piano y metes una guitarra tienes que tener bastante cuidado porque pueden estar trabajando más o menos por aquí, en la misma banda de frecuencias y puedes hacer que se choquen y la gracia es que tú si quieres escuchar una pista, te puedas concentrar y la puedas escuchar y la acabes escuchando en cualquier sitio, tanto en tu casa como en el coche, en una discoteca o en cualquier lado. Es la gracia de una buena mezcla, una mezcla no tan buena. Entonces, una vez tenido esto claro, ya puedes aprender a decir, vale, pues quizás esta pista que he puesto yo aquí me está sobrando porque ya me la está ocupando esta otra pista que he puesto. Entonces, a menos pistas tengáis al final, más fácil de producir la canción está de referencia. Este género que os he puesto es bastante, bastante simple. Parece que haya muchas cosas, pero realmente hay un bajo muy gordo, hay un montón de perkus y no tiene más. Y tiene alguna vocal por aquí. Esta gente saca temas como churros, ¿Pero por qué? Porque utilizan pistas las justas. Ya tendrán también su plantilla, que es lo que vamos a hacer ahora. Y el nivel de producción es bastante dinámico. Hay muchas maneras de producir. Tú puedes decir, no, yo me lo quiero currar un montón y quiero hacer una cosa distinta cada vez que me siento al estudio. Vale, pero también te la juegas a esto, a que te estanques, a que te rayes mucho. Yo recomiendo que vayáis haciendo y saquéis temas como churros, sobre todo al principio. Y luego si queréis sacar con un nombre artístico y tal, y hago un poco más encarado, más con cara y ojos, más adelante, cuando ya tengáis un poco de juego. Pero al principio a sacar de más con los churros y a cagar un montón. Pero sobre todo no pararse. Entonces, ¿Por dónde íbamos? Esto me suena un poco. ¿Veis? Suena como un poco atrasado y es porque no lo he colocado bien. Dime. Bien, por aquí. Entonces, ¿Cómo utilizamos el track de referencia a este? Vamos a escucharlo. Al principio lo que vemos es casi todas las pistas, el bombo filtrado y el bajo, ¿No? ¿Y qué es lo que está haciendo una vocal? El subidón. Y ahora lo mismo con el bajo. Vale, pues vamos a hacer lo mismo. Vamos a seleccionar esta pista. Yo lo selecciono con el comando esta, esta y esta. Y vamos a llevárnoslo hasta final hasta aquí. Hemos dicho que el bombo estaba filtrado al principio. Pues vale, pues lo filtramos. Vamos a buscar un autofilter. Un autofilter, si os fijáis, no deja de ser como si fuera un ecualizador normal y corriente, pero un poquito más sencillo. La gracia del autofilter es esto. Yo puedo cortar, ¿Veis? Le estoy haciendo el low cut lo mismo que habíamos visto antes, lo que pasa que puedo jugar con él y puedo automatizarlo. Automatizar lo que es que yo puedo decirle que de este fragmento a este fragmento me ecualices y me vayas haciendo barrido para hacer los subidones. Esto es bastante interesante. También puede jugar con la resonancia que te viene a hacer este efecto. A ver dónde está. Típico efecto de las mesas de mezclas cuando haces un barrido frecuencial. Pero en este caso como se mantiene filtrado justamente hasta la petada, que ya te digo, obviamente no hay que copiar las cosas tal cual, pero sí que al principio vais a avanzar más copiando un tema tal cual y luego ya vais haciendo vosotros vuestras movidas. Os saldrá solo, al final os saldrá solo, pero si al principio intentáis uy no, no quiero hacerlo tan igual, quiero buscar. Es que no sale, no sale porque no tienes el bagaje y es totalmente normal. Entonces vamos a hacer el barrido este y lo que voy a hacer es la automatización pero con el botón on off de apagado o encendido. Entonces le doy a mostrar automatización y esta línea que me sale aquí arriba es la automatización que os comento. Entonces, ¿Dónde empezaba el drop? Pues vamos a bajarnos aquí abajo y empezaba aquí. Pues aquí le voy a decir que tapado es esto está encendido y aquí se apaga. Una vez tenemos esto, realmente podríamos. Exacto, se apaga el filtro este como tal se queda en gris. Se ve bastante, bastante claro. Vamos a copiarlo todo. Si tenéis cualquier tipo de duda, comentar. Prefiero no explicar todo lo que tengo aquí apuntado y vamos haciendo entre todos. Al final de donde más se aprende es así, es ir preguntando porque mejor os habéis quedado en otro lado o estáis pensando en otra cosa y yo voy a mi bola y es mejor que lo preguntéis, que me lía también con el tema este de mezcla, pero es bastante guay porque hace que cualquier bajo ibombo te empiece a sonar un poco decente simplemente con esa tontería. Normalmente en cualquier tipo de música se empieza creando. Yo personalmente, yo sí, Yo normalmente también siempre he hecho electrónica. Ahora os enseñaré otro proyecto que es así como de tecno, más melódico, no es tan zapatillero como esto. Y yo empiezo así. Sí que normalmente a lo mejor en el tema que os enseñaré luego, no utiliza el track de referencia, es una estructura un poco distinta porque lo que os decía al final un poco ya te va saliendo, tú ya te lo imaginas, algo muy fácil es el EDM, antes era bastante sencillo de hacer las estructuras porque era intro, subidón, petada, el parón, otra vez el subidón, otra petada y el otro punto, ya está, no te hace falta un tema de referencia, ya te lo imaginas y ya sabes que en el 33 que son los en un minuto, pues podría entrar la petada ya y más o menos sobre aquí, pues ya sabías que claro, tú jugabas y después que me dure pues cuatro barras, el drop entero o ocho, no sé, lo que quieras, siempre un poco múltiplos porque a la hora de pinchar pues todo tenga su relación con los temas que pinches del mismo rollo. Pero bueno, estas estructuras como quizás son un poco más largas las de tech house, pero al fin y al cabo te sirve para esto, para decir aquí tenemos bombo, ya veis, hemos empezado aquí, vale, y aquí vuelve a acabar, pues vamos a coger, vamos a hacer aquí lo mismo, aquí volví a hacer otro subidón, vamos a volverlo a bajar, aquí tenemos lo mismo y si os fijáis cada cuatro tenemos un pequeño cambio, siempre lo mismo, la mayoría de música comercial, me refiero comercial me refiero a pop, a rock, siempre cada cuatro encontramos algún tipo de redoble de la batería, de lo que sea que un poco separado las secciones para que no sea tan aburrido. Vamos a dejar así tal cual y ahora me voy a llevar esto abajo, vamos a entrar con el tema de los efectos. Los efectos normalmente lo fácil es que utilicéis los de librería, que básicamente son subidones o petadones como tal, son uplifters o downlifters o impacts, luego os enseñaré otra manera bastante guay de hacer efectos con el otro proyecto que es con VST, con preset, tampoco hay que sintetizar muy gran cosa. Entonces, manera fácil de hacer esto, pones un fill de subidones aquí, típico redoble normal, le sigues con una serie de. No deja de ser sonido, este sonido al fin y al cabo lo puedes hacer, si lo queréis hacer un poco a mano se hace fácil con un operator, un operator, un sintetizador FM normal, lo que pasa que aquí en WAV tenéis que iros a NoiseWhite, entonces cuando vosotros tocáis en base, tocáis esto, dónde estoy aquí, esto abajo deja de ser sonido. Y como es sonido blanco, da igual la nota que pongamos, que siempre va a sonar igual. Entonces así. No sé cuánto me está durando esto, por eso vamos a. Aquí vamos a hacer lo que dure el doble. Si os fijáis, mira, cuando he extendido este loop me lo ha duplicado. Duplicarlo significa que cuando viene aquí vuelve a empezar. Pero a mí me interesa que este sonido sea constante desde el principio hasta el final, como este audio que tenemos aquí. Si yo lo duplicara justamente aquí, volvería a empezar. Entonces, como no quiero que se me duplique, voy a entrar dentro, voy a quitar el modo loop y lo que le voy a hacer es decirle que me lo abras más. Abro a la abrazadera y ahora sí que le puedo agrandar el clip todo lo que quiera y decirle llévame hasta aquí el final lo abres y hasta aquí vamos a llegar a la bracera también. ¿Y maneras de hacer este efecto? Que suba y que baje, porque ahora mismo esto es un ruido constante bastante molesto. Pues qué se os ocurre que podemos hacer que baje un poco de filtro, volumen y algo que hemos visto antes también, el sidechain también irá guay porque es bastante potente para que no se choque con el resto de pistas. Entonces, sobre todo con el combo sidechain lo vamos a dejar así para luego. Vamos a hacer, si podéis trabajar con pantallas grandes en casa, mejor, porque es un poco follón. Aquí podemos ver claro también el tema de las automatizaciones que veíamos antes. En este caso puede ser interesante que se haga un barrido de arriba abajo en vez de hacerlo de abajo para arriba, porque de abajo para arriba sería más para hacer un subidón. Pero como estamos haciendo el efecto de cuando entra justo el drop, cuando la petada, pues lo podemos hacer al revés. Vamos a hacerlo así, justamente al contrario y haces lo mismo, ya veréis. Botón derecho, mostrar automatización, la tienes aquí y le tienes que decir, pues me empiezas a los 19,9 kHz, el tope del analizador de espectro que os decía, y me lo bajas. Pues puedes bajar hasta abajo del todo o puedes dejarlo así más o menos, para no hacerlo tan potente, porque ya veréis que no acaba de molar mucho. Queda mejor con un sidechain si tú le abres un sidechain aquí, le dices que me lleve al kick, bajas el threshold, así un poco mejor. Entonces algo también que hay que hacer de sí o sí y a la mayoría de sonidos es un poquito de ecualización, lo que os comentaba antes, vamos a cortar los graves y sobre todo si vamos a quitar, si lo vamos a dejar hasta los 20 hercios, hemos hecho el filtro, pues no tiene sentido tampoco que haya información por debajo de los 30. De hecho, si vemos que el sonido me va a sonar igual, lo corte a los 500 hercios, que lo corte a los 20, mejor quitarle más, porque esto es mierda que se va a meter en el bajo, que se va a meter en cualquier pista que esté trabajando aquí a las bajas frecuencias. Así que si este sonido ya es válido y ya es peleón cortándolo aquí, dejándolo solo de 500 para arriba, pues de 500 para arriba no hace falta más. Tienes el sidechain haciéndotelo y le puedes dar un poquito de efecto dándole reverb, un pelín de delay. Esto de aquí son los canales de envío. Los canales de envío te viene en ableton por defecto 2 y los tienes aquí. Tienes aquí un reverb y tienes aquí un delay. Yo por norma general me suelo abrir un poquito más el pre delay y el decay time porque tienes que jugar con el envío y tienes que jugar con el reverb. Si tú pones un reverb directamente en la pista, es como si tuvieras los envíos de por sí a tope, que es a cero, va justamente al revés, cero significa que es tope y menos infinito nada. Entonces, si quieres jugar con los. Con los envíos, que es bastante interesante por el tema de la CPU que os comentaba antes, porque ahora mismo estamos trabajando con un reverb y un delay, y cualquier pista en cualquier momento de la canción, yo le puedo decir que se me la envíe a esos canales. Entonces ya me estoy ahorrando, yo que sé, si tengo 12 pistas que quiero llevar de un reverb, pues tengo que tener 12 reverb en cada una de las pistas. Si yo trabajo con envíos, pues tengo únicamente mi reverb, mi delay, punto, y trabajo con esto. Puedes trabajar con. Puedes automatizarlo, cualquier cosa puedes automatizarla. Entonces a ver cómo queda con el reverb este. De hecho voy a poner el sidechain antes por qué esto, porque ahora mismo me está comprimiendo la señal según lo que filtre. Esto va por orden, el sonido me sale del sintetizador, le sigue la ecualización, le sigue la compresión y después el filtro. Si yo le pongo el filtro aquí, le estoy diciendo que ahora mismo me esté haciendo sidechain a todo y que únicamente, sólo cuando esté aquí, me haga el sidechain en las bajas frecuencias. Entonces, si yo quiero que me comprima toda la pista, todo el sonido desde el momento cero, que es lo que a mí me interesa, pues voy a poner el sidechain antes. Esto también, algo que veréis mucho cuando tengáis un poco más de bagaje, es si ecualizamos o comprimimos antes. Normalmente, la gran mayoría de los casos, muchas maneras, pero la gran mayoría de los casos es más interesante hacer la ecualización. ¿Por qué? Porque te dedicas a cortar esas frecuencias, a hacer un poco esa cirugía de lo que no te interesa y luego tú ya comprimes ese sonido ya una vez ecualizado y una vez cortado no tiene sentido que tú vayas a comprimir todo el sonido comprimiendo también esas frecuencias que no te interesan. Primero ecualizas y luego lo comprimes. La ecualización la tenemos aquí. Este filtro es como un EQ, pero es más bien defecto, por eso lo dejo al final del todo. Pero tendríamos ecualización cortando y después la compresión, que es el sidechain. Una vez tenemos esto, vamos a ver más efectos interesante que esto ya hay que ir haciéndolo pasito por pasito. Si yo aquí tengo este redoble, pues no me interesa que me estén sonando el resto de pistas. Así que vas a dejar este hueco libre, lo seleccionas y le das a dividir. Entonces Ableton te hace ñaca. Borras, borras, borras y borras. Y me he dejado algo también. Vale, me he dejado esto. Esto hay que cortarlo, es lo mismo. Esto es un loop de 4, de 4 writes. Como estamos trabajando con MIDI y yo le estoy diciendo que quiero 4 writes por cada columna, pues ¿Qué pasa? Que si yo dejo el loop entero, me va a sonar el clip entero de los cuatro writes por cada nota que yo tengo aquí. Entonces es interesante, hay que acordarse de esto. Ahora queda un poco, faltaría quizás algo como así. El tema del mono suena en lo que es el estéreo y el mono, para entenderlo, fácil. Aquí lo que nos va a interesar más que mono estéreo es el mid y el side. El mid es lo que en el panorama exterior te suena en el centro, lo que tienes delante tuyo. Y el side es lo que te suena en los laterales. Cuando tú te pones delante de unos monitores como estos, lo que te suena en el centro, si estáis vosotros como estáis ahora mirando para aquí, en el centro te va a sonar justamente aquí. ¿Qué encuentras aquí? Encuentras el bombo, encuentras el bajo. Normalmente encuentras las vocales, porque normalmente en el pop, en la música comercial, las voces se suelen grabar en mono, porque tú las quieres delante, quieres que tengan presencia. En la música electrónica el bombo tiene una importancia bastante importante, sino por decir que es la pista que suele ser la que más destaca y siempre la queremos delante nuestro. Es algo que tampoco, por ejemplo a los Beatles eso pues no les pasaba. El bombo apenas se escucha, se escuchan otro tipo de vocales y también por entonces acaban de descubrir el estéreo y creo que no utilizaban nada el centro, utilizaban una guitarra aquí, la vocal aquí. Bueno, eso es un zapatisto que no veas. Entonces ahora mismo todo se centra y la mayoría de música de este tipo, así underground, es bastante increíble ver como casi todo se hace en mono y la mayoría de cosas se encuentran en el centro. Y ahora os voy a enseñar por qué. Porque cuando tú tienes un montón de pistas en el centro, cuando tú colocas una pista en los lados, la sensación de amplitud es aún mayor. Si tú tienes un montón de pistas en los lados, la percepción va a ser que todo está abierto y no va a haber ninguna pista que destaque. Entonces lo que se suele poner en estos casos en el site son las pistas, como por ejemplo los hi hats o los rides. Lo que hemos visto antes, ahora cero. Si vamos a cuatro, vamos a cuatro. Ableton Live tiene este programita, este plugin que se llama Utility, el uutility, desde un principio siempre se utilizaba para jugar con la amplitud estéreo, para abrir o cerrar sonidos. Normalmente los sonidos como los bombos y tal ya os vienen en mono. Si os fijáis aquí se ve únicamente una pista. ¿Significa que está grabado en mono, que lo que sale por los dos altavoces es lo mismo? Si lo que sale por los dos altavoces es la misma información en todo momento, ese sonido puede ser mono, puede no ser mono, depende si ha sido grabado con dos micros o no, eso. Pero generalmente sí que es cierto decir que está en el medio, que está en el meet. Por eso os decía que más que mono, estéreo, es más guay hablar de mid y side, de que suena en el centro o suena en los laterales. En el momento en el que un sonido empieza a tener una información distinta en cualquier momento del sample en un lado o en otro, es cuando digamos que ese sonido es estéreo. ¿Por qué? Porque ha sido grabado o ha sido grabado por dos canales, porque sale algo distinto por aquí que por aquí. Esto generalmente se ve aquí. Cuando vosotros lanzáis un sample en Ableton Live, veis que salen. Esto es un hi hat, el que hemos visto antes, y veis que está como duplicado realmente con esto de aquí, esto de aquí ya es un hi hat, pero me sale duplicado. Esto significa porque de por sí Ableton Live te lo coloca como si fuera estéreo, te dice bueno, por si acaso es estéreo, yo te lo represento gráficamente y si en algún momento te varía, pues tú lo verás con los ojos que tienes información distinta a la izquierda que la derecha. Pero ¿Qué pasa? Que si te fijas, tenemos lo mismo en todo momento del hi hat, porque obviamente este hi hat está en mono. Entonces ¿Qué pasa? Que esto es como un falso estéreo, te está diciendo Ableton que esto es estéreo, pero realmente es mono porque está sonando lo mismo por los dos altavoces en todo momento. Entonces lo tenemos en el centro. Entonces si yo quiero que esto convertirlo en estéreo y hacerle que se abra un poquito, se pueden hacer de diferentes formas. Entonces una manera un poquito, hay que ir con cuidado porque pueden haber problemas de fase, que ahora explico todo esto, es con el simple delay. Con un delay. Un delay lo que te hace básicamente, como su nombre dice, es un retardo. Entonces este retardo va a hacer que lo que te esté saliendo por un sitio sea diferente al otro. Si tú le aplicas un delay a un canal, si le aplicas el delay a la izquierda, pues ya estás teniendo información distinta y ya sí que amplir la amplitud estéreo va a tener sentido. ¿Por qué? Ya veréis. Lo vamos a poner en el right, que es un poco más gordo el sonido lo meto dentro, escuchamos. El raid como tal es esto. Si yo abro el simple delay y le digo ponme en time en vez de sincronizado Aquí lo bajas a 0, a 1, y este lo bajas a 30. El drive a tope. ¿Notáis alguna diferencia ahora? ¿Veis como se abre? Si yo me paso de los 50, el cerebro empieza a detectar la procedencia de cada sonido. Ya empezáis a ver algo raro. Ya veis que el canal de la izquierda, este de aquí, el canal de la derecha, el R, perdón, ya está retardado. 118 milisegundos respecto al otro. Si tú lo bajas por debajo de 50, el cerebro ya no se entera. Más o menos, ya queda un poquito más abierto. Entonces, ¿Qué es lo que conseguimos? Ya hemos conseguido crear de un mono a un estéreo, un falso estéreo, pero que nos puede servir para utilizar el utility y decirle que haga lo que aquí en width, en amplitud, me lo vas a abrir un poquito y subes un poquito la ganancia, porque se pierde el volumen al abrir un poco el estéreo. Entonces, la diferencia entre no tener nada a tener esto. Voy a bajar un poco. Vale, ahora yo creo que está mejor. Entonces, si tú tienes el bombo, lo tienes en mono, tienes un bajo, vamos a hacer el loop, tienes un bombo, un hi hat en mono también. Si tú quieres añadirle una pista que realmente impacte sobre esta base, bastante cambia bastante que no. ¿Sí veis la diferencia? Incluso creo que he subido mucho la ganancia. Deje ajustar. ¿Suena bien o suena demasiado bien? No, no. Quizás si te pones en el centro, sí que lo escucharías en un lado. Ahora sí, exagerado. Si tú lo bajas por debajo de los 50, si yo lo quito, ya lo pongo. Voy a bajar un poco. Es una manera de hacer que un sonido te suene un poquito más amplio. Al fin y al cabo, una vez tenemos esto, para asegurarnos también, cuando empiezas a añadir pistas, lo que te pasa es que te acabas comiendo el comport, volumen, el bombo, y es lo que tenemos que evitar en todo momento, sobre todo para la hora de. De masterizar y tal, que mastericéis. Si os suena el mastering, con que pongáis un limitador al final para que suene un poquito más alto al principio, ya hacéis. No hace falta que os comáis mucho la olla. Pero para aseguraros que todas las pistas tienen un nivel y está todo balanceado, lo que os recomiendo hacer es que una vez tengáis por ejemplo, vamos a trabajar con estas pistas, tenemos seis pistas, nos venimos aquí, tengo el loop puesto y vamos a bajar las seis pistas por completo, las bajamos a cero, sin miedo y ahora le dices, vale, pues ahora voy a marcar el nivel con el bombo, voy a quitar esto, bajarlo también, si hay algo más que esté sonando, esto fuera, Marcas el nivel del bombo, lo vamos a dejar así a 6. Y ahora si os fijáis, el master me está diciendo que estamos a menos 6 porque es lo que me está sonando, no está más. Entonces tendríamos que intentar que ahora todas las pistas que subiéramos de volumen, conseguir que no superáramos el nivel que nosotros hemos dejado. ¿Por qué? Porque este nivel que yo tengo entre el 0 y el menos 6 es lo que me va a permitir luego ponerle un limitador al master y tener todo este espacio, ¿Vale? Para limitar sin cargarme la señal a la que yo me paso de aquí. Esto ya me está jodiendo la señal, ¿Ves? Un limitador es un muro, te lo coloca aquí, todo lo que sube de aquí se lo carga, pero si tenemos espacio, pues va a hacer que en la práctica te suene un poquito más alto. Entonces es bastante interesante tenerlo esto en cuenta, porque tú te puedes liar a producir, sacas cosas guays, pero dices, ostras, esto no me suena bien, el bombo no me suena potente. Si este detalle lo tenéis en cuenta desde un principio, yo creo que ya más o menos van saliendo, si trabajáis con sampers buenos y tal, más o menos el sonido no debería ser malo, lo que vayáis sacando. ¿Y la verdad que es un avance bastante grande, porque me pasa gente en producción online muchas cosas que oye, producen muy bien, la verdad, tienen muy buenas ideas, pero fallos tontos como esto, que baja el volumen y ves uno a uno, ya está, es uno de enero y vas teniendo un balance bastante lógico, porque claro, producir qué es lo que tiene? Te lías ahora esto, ahora lo otro, ahora me equivoco, en el raid este, como me ha pasado a mí, al final te olvidas y ni tú, ni yo ni vosotros nos enteramos de que a lo mejor una pista está escondida y simplemente es ajustar un volumen, no tiene más. Marcas el nivel con el bombo, voy a quitar el limitador porque nos va a influir, va subiendo poco a poco a como te vaya pareciendo esto hemos dicho que queríamos que tuviera fuerza la percu de antes, vamos a bajar un poco por debajo y el bajo. El bajo si está bien ecualizado y bien compenetrado con el bombo, pues lo podremos subir un poquito más sin que se coma. Si nos hemos cargado mucho el headroom, que se llama headroom, este espacio de aquí, pues tienes que acabar de ajustar cuatro, más o menos. Personalmente, si esto lo tenéis entre cuatro, cinco, ahora me estaría pasando un poco. No pasa nada. Bajas el bombo y si bajas el bombo sí que todo tendrías que bajarlo a la vez. Vamos a tener los cinco de antes, que me suena flojo. En casa suele ser los monitores, pero nunca de aquí, siempre manteniendo este pequeño margen que nosotros tenemos aquí. Ahora sí que tienes un loop muy sencillo, son seis pistas aproximadamente, pero que todo suena más o menos balanceado. Entonces ya es más práctico empezar a trabajar desde aquí y empezar a hacer la estructura que tenemos. Y básicamente ir haciendo. Si queréis hacer vuestra estructura, vale, adelante. Si no, una manera es lo que hemos visto hasta ahora, coges la estructura del track de referencia y ya en base a todas estas pistas que nosotros tenemos aquí, vamos construyendo nuestra canción. Esta canción no está hecha con seis pistas, ni mucho menos la de Solardo, pero faltarían algunas más percusiones, alguna vocal, porque si no queda un poco aburrido en un track como este. ¿Hasta aquí qué? ¿Cómo lo veis? Veo unas caras. ¿Era lo que os imaginabais? ¿Más o menos lo que esperabais ver? Aquí me queda un poquillo, pero cómo no. Y puede ser montable. Ah, hostia. Ah, bueno, que guay, o sea, para producir con el. Ah, mira, bueno, oye, te puede ir dando una idea quizás de lo que quieres hacer luego. Guay. Vale, pues a ver qué me quedaba. Se me va bien. Paro un poco, que empiezas a soltar el tostón. Y voy a enseñar una cosa sobre el tema de los midsides. Está guay también que vosotros en vuestra casa os pongáis a analizar música que os guste. Por ejemplo, una manera de analizar música es lo que os enseña en el track de referencia. Copiar una canción no es mejor manera que analizar un tema. Pero sobre todo con el tema de los estéreos que os comentaba. No sé si es algo que teníais ya en mente, supongo que al principio no, pero es algo que se habla mucho de qué poner en mono, qué poner estéreo y por qué. Al fin y al cabo antes estábamos poniendo en mono el bajo y el bombo, porque como habíamos visto son pistas que al ser directamente en mono o no tener un aporte, al tenerlas en estéreo, las colocas en mono y te cubras en salud, porque al fin y al cabo si tú tienes un sonido que sí que te está trabajando en estéreo en las altas frecuencias, te tiene sentido que tú eso pues lo trabajes, incluso puedas abrir un poco la imagen, pero si no, pues o pones el Utility, lo pones en mono o directamente no hace falta que lo coloques en mono como tal, porque ya viene grabado en mono, entonces será un poco inútil utilizar el Utility para poner dos monos. Entonces ¿Dónde hemos utilizado el Utility? Cuando hemos querido abrir la imagen estéreo, pero abres la imagen estéreo cuando tienes un sonido estéreo o haces esta chapucilla entre comillas que hemos hecho para hacer este falso estéreo, si no, no tiene sentido utilizar un plugin como estos. En otros DAWs hay, no sé si viene algo como el Utility, pero sí que en Waves lo veréis en los plugins de Waves, no sé si se llamaba, estaba por aquí, que yo es el que utilizaba antes, antes de que viera el Dobler, está por aquí, es lo mismo pero un poquito más complicado, al fin y al cabo trabajabas, podías seleccionar la frecuencia que quieres y aquí te dedicas a abrirle más a los laterales y a darle más presencia en el medio o menos, es lo mismo, pero al fin y al cabo el Utility es lo suyo. Ya te digo, no quiero entrar en el tema de plugins porque no sé si venís con la idea de coger plugins o tal, pero mucha gente las masterclass va a notar directamente los plugins que está utilizando esa persona, pero que al final es lo más inútil que podéis hacer, porque es que primero que si utilizáis Ableton, no es que porque os venda Ableton, pero no conozco otro, utilizaba también el FL Studio, pero encuentro mucho más interesante el Ableton, la mayoría de cosas las encontráis aquí y sobre todo un poco el ver el porqué hacer cada cosa. Luego si tú utilizas el Utility, utilizas Ableton, utilizas el Dobler de Waze, pues lo que sea, pero un poco el criterio de por qué utilizarlo. Entonces si nos vamos otra vez al ecualizador que es que da mucho de sí el ecualizador de Ableton Spectrum. Aquí tengo dos temas de tecno principalmente y es un poco para que veáis realmente lo que os comentaba antes del tema mono estéreo, es que apenas producen en stereo. La ecualización la podemos hacer de diferentes maneras, tenemos tres en estéreo en LR, que significa que yo puedo subirle la ganancia a una frecuencia determinada solamente en el canal izquierdo, Ahora con un tema entero no se va a ver claro, pero también se puede trabajar con mid side, qué significa que básicamente puedes ecualizar por distinto lo que sale en el medio que lo que sale a los lados, lo que está en mono, lo que sale en los sites. ¿Qué pasa? Que si yo ahora cojo, pongo modo mid side, como veis aquí lo pongo en s, significa que ahora estoy ecualizando en side. Entonces si yo ahora me voy aquí al filtro este donde hemos cortado antes los 30 hercios y le digo me cortas hasta arriba, me estoy cargando todo, todo, me lo estoy cargando absolutamente hasta los 20.000 hercios y yo pongo zoom play, me he cargado todo el estéreo, el tema suena igual cambia nada. De hecho lo único que está en estéreo es este sonido que suena aquí, ¿Ves? Eso cuando pongo el estéreo, ¿Ves? Ese sonido únicamente se aprecia cuando está con el estéreo. Pero si yo le quito todo totalmente el estéreo y lo dejo en mono, el tema suena prácticamente igual. Sin embargo, si me cargo todo el mono, ya veréis qué pasa, me quedo sin tema, todo el tema se va fuera. Ahora está quedando únicamente lo que está en estéreo. ¿Qué es lo que ha puesto este tío en estéreo? Pues te pones y analizas y dices pues un poco la cola del hi hat, seguramente porque le haya metido reverb y la reverb esté en estéreo, pero poco más, alguna atmósfera de fondo, una caja por ahí. El efecto que os decía antes, eso es lo único que está destacable en estéreo, lo que os decía, este tío lo ha puesto casi todo en mono. ¿Y este efecto por qué destaca tanto? Porque es lo único que está en estéreo. Entonces tú cuando pones la canción entera, por eso te pega esa hostia, el efecto ese. Si hubiera más pistas en estéreo ese efecto no tendría tanta importancia. Y no es que la haya comprimido mucho, ni le haya puesto un compresor super alto que le haya limitado, no, no, simplemente es eso, jugar con volumen o con temas de MIDI Side tenía otro ejemplo, al fin y al cabo viene a ser lo mismo. Ahora está sonando. Esto sí que tiene más cosas en estéreo. Aquí está el estéreo total, viene a ser algo muy similar. Esto me lo explicaron con un plugin super caro de Brainworks creo que, pero que al final con un plugin que con un botón te selecciona el MIDI, el estéreo y el mono y está bastante guay, pero con esto lo tienes igual, lo que pasa que en vez de llamarse estéreo mono se llama MIDI Side, al fin y al cabo es lo mismo, te está haciendo el mismo trabajo. Vamos a irnos aquí a otro y os enseño otra manera de hacer efectos. Este tema es un poco ya más distinto. Aquí el bombo sí que no tiene tanta presencia como tal, lo que lo tiene es el bajo final, tienes que elegir o bajo o bombo, las dos cosas a veces no pueden estar al mismo nivel, ya veréis. Y a diferencia del otro, para truquillos así, para hacer el tema tan aburrido, el bombo aquí empieza un poco distinto, sigue el X pero cambia un poco y cuando le quieres dar un poco más de vidilla al tema. Lo que os comentaba de los Drum racks, desde un mismo MIDI podemos trabajar con diferentes sonidos. Aquí tengo este sonido, este y este. Entonces tú cuando pones un Drum rack y entras al midi clip te aparecen los tres sonidos que has colocado y a partir de aquí puedes jugar y puedes hacer el tipo de secuencia que tú quieras. En este caso tengo esto y lo guapo es que puedes enviarlo cada uno a un sitio distinto. Por ejemplo este, que es un sonido bastante simple, como le he metido aquí un delay, te hace el efecto este, si no sería súper simple, pero simplemente con este delay te hace esta atmósfera hi hat super cerrado que os comentaba antes. Un ARP super simple que ahora os diré de dónde viene. Aquí me ha vuelto a cambiar. Básicamente tienes unos acordes padre como tal, que son estos de aquí, son los mismos todo el rato y a partir de aquí tú sacas melodías como esta o los ARPs que tenemos aquí. De aquí lo que quería destacar principalmente es en el tema de. De las atmósferas. Las atmósferas al fin y al cabo no dejan de ser sonidos, ¿Veis? Son estos de aquí. Son sonidos que se mantienen normalmente estáticos durante toda la canción y que rellenan, dan bastante background al tema. Normalmente pueden ser cualquier cosa. Mira esto lo una grabación en una ciudad puede ser. Puede ser un bosque, pueden ser pajarillos, puede ser olas de mar, puede ser lo que sea. Son pistas que no destacan como tal, pero quedan ahí en el fondo. Sí, eso siempre. Esto aquí hay una de mierda que no veas. Entonces lo que decíamos antes, si encima todos los coches de fondo es bastante delicado, pero si esto te aporta igual cortándolo así, pues cortado queda. Y aquí lo bajé un poco supongo, porque chocaría con algún empate. Alguna pista de estas. Sonidos varios que los puedes grabar tú con el móvil, soy yo, no parezco Temas de pistas, temas de armonía, si sabéis tocar el piano, si de pequeña os han metido a tocar la guitarra piano, es la hostia, porque lo vais a agradecer ahora mismo, sino hacer estas cosas puede ser un poco complicado. Manera fácil, pues igual que hay samples para. Perdón, librerías para samples, hay librerías para MIDI. Cogéis un MIDI, no os rayéis, o sea, esto es un MIDI, no lo he hecho yo, así de claro, y cambia algo básicamente. Pero tenemos estos cuatro acordes. ¿Qué pasa? Que en base a estos acordes, tú te vienes aquí a Fault y te sale únicamente las notas con las que está compuesta esta progresión de acordes. ¿Qué pasa? Que con estas notas que tienes aquí, tú puedes hacer luego el resto de pistas nacen. Por ejemplo, esto para darle este toque un poquito así más orgánico, más como si lo hubiese tocado yo a mano, pues juegas con el volumen de las notas que os comentaba antes y le das esta cadencia distinta. Tienes algo un poco más freestyle que lo que tenemos aquí. Se va repitiendo todo el rato. Esto es lo que os comentaba de los VST, esto es un mini MOOC de toda la vida, esto es un sinte muy antiguo, sacadlo en la homologación para cualquier tipo de DAW y aquí podéis trabajar con ellos. Puede sintetizar sonidos o puedes directamente utilizar cualquier tipo de preset. Lo guay que es. Ningún preset como tal vais a encontrar que os encaje, porque vais a poner a buscar presets como locos y vais a ver que no siempre van a encajar, pero si un poco le dais algo de efecto, por ejemplo aquí le metí un poco de saturación, pues me quedó. Bueno, puede encajar un poco mejor. Esto sobre todo se ve con el tema aquí en la atmósfera 6 bastante, por eso he puesto este proyecto tenemos esto que está grabado. Yo esto lo he sacado de YouTube mismo. Lo podéis grabar vosotras si tenéis una grabadora chula en casa, la azotea de casa, donde sea, se consiguen atmósferas bastante guays. Y según qué contexto le queráis dar a la canción, podéis jugar bastante con esto. No sé, hay muchas librerías que también te venden. Bueno, vienen atmósferas, por ejemplo, de gente en un concierto aplaudiendo. Pues eso, en un momento dado, si hacéis algo más comercial o pistero, pues ponelo en un subidón, aunque no se escuche, pero entra por los oídos y te da ese rollo. Una historia bastante guay. Aquí tenemos como atmósfera también una especie de guitarra, porque lo malo de los midis, os daréis cuenta que si los queréis reproducir, tienes que reproducirlos desde el principio del clip. Al igual que un audio. Yo me podría poner en cualquier momento del audio y lo puedo reproducir. Un MIDI sólo te lo reproduce desde el principio. No puedo ponerme aquí en medio de escucharlo. Esto que suena tan feo, suena muy feo, pues le aporta un rollo distinto. Se llama como una guitarra, pero es una guitarra porque utilizo esto, El Guitarrig realmente viene de. Ya veréis, si yo lo quito todo, tiene que empezar el clip desde cero y de ahí pues que a veces tengas que esperar. No deja ser un lead normal, normal y corriente del Mini MOOC. Lo que pasa si le metes un poco de distorsión y el efecto de la pedalera de la guitarra. No, esto ya va aparte. El overdrive sí que es de. Sí que es de Ableton el overdrive, pero quita Rigno, es de Native Instruments. Pues eso está muy guay porque puedes jugar un montón con la guitarra. Sí, sí. Y sobre todo nada más con. Mira, ya verás. Hay otra cosa, otro plugin nuevo del Ableton 10, que es el pedal, que no deja de ser distorsión para instrumentos externos que tú le metas. Entonces queda bastante valladoras, depende de lo que quieras hacer. Incluso tiene el botón este de SUV, que si estás trabajando con un SUV grave, le quieres dar un poco de distorsión a un SUV, pues te lo ajusta un poco mejor. Está bastante chulo, ¿No? Todos los autos, al estar todo automatizado, pues claro, empieza. Esto es otra especie de atmósfera como la que hemos visto antes. Al fin y al cabo, si os fijáis, ¿Por qué hago todo esto cuando tú no sabes hacer cosas muy complicadas armónicamente, al final tirar por lo lineal? Esto es lineal al fin y al cabo son tres notas, pero esto es algo lineal, esto es muy sencillo, son tres notas que se repiten. Lo único complicado que puede haber en este proyecto son los patch y ya sabéis de dónde salen, así que al final tú tiras de Y sí ya más simple hagáis una canción más se va a quedar en la cabeza y más va a funcionar. A veces lo malo que tiene es saber mucho de armonía, es que te empiezas a hacer un montón de melodías distintas en todas las partes y acabas teniendo tres canciones en una y eso pues te acaba rompiendo un poco la cohesión de todo el proyecto como tal. Entonces, cositas que teníamos aquí. Esta automatización que hay aquí dentro es un pitch. Ahora cuando empieza a cargar una manera de dar algún rollo distinto a la atmósfera, esta no es una atmósfera como tal como os comentaba antes de una grabación, pero al ser una nota lineal que se mantiene en el tiempo, al fin y al cabo actúa por lo mismo, es el mismo concepto. ¿Como he hecho el pitch este? El pitch este se puede hacer de dos formas, normalmente se hace desde el mismo VST, cuando tú entras aquí no se ve normalmente suele ser una ruedecita que hay aquí abajo a la izquierda, generalmente en este caso es el transpose. Si no tenéis este tipo de de función en el plugin que estáis utilizando o no lo encontráis no pasa nada porque a nivel de MIDI también lo podéis hacer. Cuando abrís un clip MIDI, como todos los que hemos visto en toda la sesión aquí en Envelopes, normalmente suele estar escondido, vosotros vais a ver esto tiene que estar más escondido así. Tenéis que abrir estas dos funciones que tenéis aquí, iros a MIDI y darles al pitch bend. Una vez tenéis esto aquí vais a poder jugar con el pitch en todo momento. Entonces si no tiene pitch el plugin que estáis utilizando, pues podéis tirar de esto. Generalmente es más guay hacerlo con el pitch que te viene en el mismo UST, como por ejemplo aquí en el bajo. El bajo tiene este efecto que no deja de ser el que es un poco para unir notas, lo típico cuando estás a lo mejor tocas la guitarra o un bajo y antes de pasarte a la anterior nota pues tocas la de encima un poco para hacerte este. Pues aquí prácticamente lo podríamos hacer con el pitch al fin y al cabo es lo mismo con un pitch pues no dejas de estar subiendo una nota, tienes que ir un poco a oído de que la nota a la que sube aquí arriba más o menos esté armónicamente bien con el resto del proyecto. Entonces lo tenemos aquí, aquí lo tenemos, en este caso sí que lo he hecho directamente con el mini V porque realmente podríamos hacer perfectamente aquí con el pitch bend, lo que pasa que no sé cómo funcionaría, tienes que probarlo, a veces no sube demasiado y es bastante más guay jugar con el propio del plugin, si lo encontráis en el plugin suele llamarse pitch, suele llamarse túnel, de túnel también, de túnel te baja menos, pero está guay hacer de cuando trabajáis con cualquier tipo de línea debajo o línea armónica, jugar con estos molar. El tema de los pads está muriendo, lo que os decía, esto pasa por utilizar tantos plugins de fuera así, sobrevida, vale, aquí esto realmente son tres pistas pero actúan como una, porque si os fijáis tenemos una a la izquierda que está movida a la izquierda, otra movida a la derecha, estas dos te hacen una y algo que sustenta un poco el centro, está muriendo un poco también. Normalmente cuando hago un pad o un lead se suelen hacer por capas y normalmente las capas que yo hago son estas, son tres, una las juegas con izquierda derecha y consigues lo del estéreo que os comentaba antes. Si conseguís esto podéis jugar con abrirlo más o con cerrarlo menos, en este caso no está muy abierto porque lo que está abierto son los hi hats que tenemos aquí arriba y ecualizado normal, no tiene más, tiene aquí un poco de esta, vale, esta le he colocado únicamente un low cut tanto abajo y un hi cut arriba en el centro, porque únicamente tenía información útil si os fijáis en el centro, así que para dejarlo abierto lo cerramos y como me interesa que esté en el site, pues cortamos y le dejamos únicamente lo que me quede fuera, fin y al cabo ya te digo, como se complementa con esta pista y con la del centro, tampoco es ningún problema que no tenga fuerza esta pista. Respecto a los write, esto es lo que habíamos visto antes, el raid usado como si fuera un hi hat y el hi hat lo que te está haciendo es darle un poco más de ritmo al tema poniéndolo de esta forma, a ver si no muere. Ecualización, nada del otro mundo. El auto filter, porque en algún momento esto estará automatizado aquí y no tiene más, la verdad. Parece que le hemos dado la vuelta todo más o menos. No sé, ¿Queréis que explique algo en concreto del proyecto este? Me meto en el tema del máster. Quizás hoy no comemos, pero no sé. Cómo lo veis aquí empecé por esto, por esto, todo sale de aquí. No es lo mismo hacer un tema sencillo, entre comillas, como hemos visto antes, que empiezas con un loop rápido o cuatro pistas que ya sabes cuál van a ser antes de sentarte. En este caso, como es un poco más melódico todo, más armónico, sí que tienes que buscar qué pad te puede gustar y a partir de ahí ver por dónde tiras. Normalmente como empecé produciendo Progressive House y todo esto, era mucha melodía y cuando conseguías una melodía guapa pues decías buah, pues a partir de aquí ya empiezo a producir. Pues a partir de ahí tú ya extendías todo. ¿Pero qué pasa? En esto pasa exactamente lo mismo. Yo conseguí el pad, luego me lié a hacer esta especie de lead que hay aquí, que no deja de ser el lead es un poco freestyle a lo que saliera. Por eso te digo que en este caso el tema referencia en la estructuración tampoco me sirvió porque era muy limitante. Pero el concepto que os comentaba era eso. Al principio cuando empiezas algo que te guía mucho es esto, llevar un tema de referencia, ir poco a poco, copiártelo, básicamente, no te queda otra. Y después de hacer muchos, pues sí que vas pensando ¿Y si hago esto? ¿Y si ahora tiro por otro lado? ¿Si ahora cambio cualquier cosa? Entonces un poco vas haciendo cosas nuevas o medianamente originales a partir de ahí. Pero yo he copiado un montón, ya te digo. Y esto en parte también está súper influenciado a lo que se está produciendo ahora, que se llama Progressive Techno, Melodic Techno. Se han puesto un género nuevo en Bitport y todo porque está produciendo esto mucha gente ahora y ya está. Pero sí, sí que es verdad que en este caso la estructura no lo intenté, ¿Veis? Pero ni puto caso, realmente no tiene nada que ver. ¿Algo que me queréis comentar por aquí o más? ¿Para empezar? Vale, ¿Qué pasa? Que normalmente los altavoces que tenemos en casa son los típicos 2 y 1, no sé si tendrás eso, tú ni tienes. Qué tienes auriculares a lo mejor, Pues ya está, con unos cascos realmente luego te entras el tema de la acústica, de que si se acondiciona la sala o no con los cascos, todo eso realmente un poco te lo ahorras porque como lo tienes aquí, todo eso estás preincindo. Entonces a mí personalmente me gusta tener unos monitores, sea lo que sea, porque realmente tienes una respuesta más real de lo que estás creando con unos altavoces, porque la gente va a escuchar la música principalmente de muchas maneras, pero tú tienes una imagen más real de lo que produces con los altavoces, con las dos cosas. Pero con los altavoces ¿Por qué? Porque lo sientes también con todo el cuerpo, los graves se sienten también de cintura para abajo y con los cascos todo eso lo pierdes. ¿Qué pasa? Lo suyo serían las dos cosas, tú analizas detalles y mezclas sobre todo el tema de quizás los graves sobre todo te iría muy bien los cascos si son bastante planitos, si no, no. Pero ya te digo, todo esto viene es que puedes hacer un 80% de cosas sin nada, sin monitores caros, sin auriculares caros y del 80% para arriba o del 90 diría gástate la pasta. Pero todo esto ya te digo, y comentándoos un poco lo que os he dicho de de ir cogiendo referencias y básicamente ir copiando cosas, ir aprendiendo, es que hay para aprender un montón únicamente con esto, con un portátil y poco más. Yo recomiendo el Ableton, pero vamos, que podéis utilizar lo que os guste. Sí, claro, de hecho lo raro, si me lo dices a nivel piratilla, es más difícil piratearlo para Mac que para Windows. Para Windows tienes lo que quieras y el tema del minimooc y todo esto está tirado a Windows más por aquí. El jefe ya no acaba por ahí, la blanca no acaba. ¿Pues que cómo lo ves por ahí? Sí, es que me he liado también quizás un poco y estaba viendo, digo, tiene que ser un poco caos, yo lo entiendo, un poco cansado y más lo guay es que la mayoría de dudas que os vayan saliendo están ahí, están en el canal de YouTube o en la página web. De hecho una cosa que quería, pero es que ni de coña me daba tiempo, es esto de una masterclass que fui a owner, obviamente no es un truco mío ni mucho menos, ni de coña, y me moló tanto que lo copié, o sea, cogí la idea e hice un artículo y esto lo recomiendo mucho es un truco únicamente para que no quede un tema vacío. Esto es el siguiente paso a que consigáis una estructura y diréis, hostias, que hago un tema y me suena vacío, me faltan medios o le falta algo, le falta chicha. Pues esto es una manera bastante interesante utilizando el analizador de espectro que os he enseñado antes para aseguraros que no queda el tema vacío o que mejor dicho, tener un criterio mayor sobre qué pistas dejar o qué pistas quitar. Porque lo que os decía, es más importante quitar que poner. Ya veréis que cuando empecéis a producir tiendéis mucho a pongo, pongo, pongo, pongO y al final tenéis la librería de samples en el proyecto en vez de haber creado una canción con lógica y con coherencia como tal. Entonces, la clave de todo esto, oye, si ya de por sí mezclar es difícil, que tenemos un home studio que no está condicionado y que no somos los mejores mezcladores del mundo, coño, hagámoslo fácil, utilicemos las menos pistas posibles, pero que estén por algo, que todas hagan una función. Si tú quitas una pista y ves no aprecia la diferencia, esa pista debería ir fuera. Y un poco la base de todo esto, de este artículo es eso. Y luego si lo miráis, ya veréis que con esta parte de aquí, lo que tú has dicho antes, ves cada pista que está ocupando y te das cuenta si estás llenando todo el espectro audible o te estás dejando huecos. Y si te estás dejando huecos porque escuchas algo, pues lo ves directamente desde aquí y ves qué tipo de pistas podrías poner o podrías quitar. Está bastante guay. Y nada, por el resto, cosas que os puedan interesar ahora al principio, buenas galerías de Hunter. Sí, mira, esto es la hostia. Y Audiotent, el pad que os he dicho que me he cogido una librería, es de esta página, se llama Production Music Live y está muy chulo, está muy guay también. Mira, si hacéis, si os da por hacer algo más comercial, pues también tenéis cosas comerciales. Y Audiotent es de tecno, sólo de tecno progresivo, Melody tecno. Y está guay porque podéis bajaros librerías, proyectos también como Production Online igual, lo que pasa es que estos proyectos son muy tochos, están muy guapos. El problema también de los proyectos también es que los bajaréis y diréis, vale, ¿Y ahora qué hago con esto? Tampoco es buena idea coger un proyecto. Lo digo por si se asoma la idea alguna vez cambiar cuatro cosas y sacar una canción Como eso, la idea es que lo utilices a nivel educativo. Sirven mucho para aprender, sirven mucho para guardar las plantillas sobre todo, oye, quitáis el bajo, quitáis los pads, quitáis los leads y os quedáis únicamente con la estructura de la que esto al principio os cuesta hacer estructuras y por ejemplo con el truquillo ese que os he enseñado, pues aún así también nos cuesta. Pues oye, pues un proyecto de estos que ya te dejan el bombo, los claps y tal, y tú ya sabes dónde tengo que ir colocando cada pista, pues te va muy bien, porque ahora voy a hacer el bajo y sé que lo tengo que colocar aquí y aquí y aquí. Ahora voy a hacer la melodía y la voy a empezar a colocar aquí y los drops. Ya lo tienes. Y es una manera bastante más fácil y un poco más educativa de ir haciendo, sobre todo al principio. Cómo de tiempo no sé cuánto llevo, sí he empezado. Joder, ya ves qué tostón lo pensaba que íbamos a acabar al 2. Vale, ¿Y qué más? Ahora que dices esto, cosas. Cuando utilicéis el tema de referencia, esto es importante también, que me he olvidado de decirlo. Bitport está muy bien para comprar música, pero está muy bien sobre todo para ver la tonalidad de las canciones y para ver los BPM. Si vosotros utilizáis un tema de referencia, tenéis que aseguraros principalmente de un detalle tonto, pero que no lo he contado y considero que es importante. Ableton te hace un autowarp cuando tú colocas un tema, eso significa que te lo ajusta a los BPM que está el proyecto. ¿Qué pasa? Que si tú quieres tener una estructura de tu tema de referencia, si tú te haces un autowarpeo y te hace el track así, es decir, te lo ajusta a otros BPM, no vas a tener una estructura real de cómo es el. De cómo es el track de referencia. Entonces, que por ejemplo utilizáis esto, Solardo, ondecorner, pues os vais aquí, ponéis Solardo, entráis al perfil de esta gente, vais a Onde Corner, que casualmente es la más conocida, y veis aquí que tiene 125 bpm. Nada tan fácil como iros a vuestro proyecto y colocarle a 125. ¿Qué pasa? Que si esto está a otros BPM, pues ya nos va a cuadrar. Ves que ahora mismo cuadra si yo me vengo aquí donde empieza este parón, me cuadra, si no nos cuadraría. Esto es importante porque vosotros vais a empezar a hacer aquí en vuestro loop y vais a ver que esto no te está cuadrando las columnas de tu proyecto con el track de referencia. Esto es importante, solamente tener eso en cuenta. Y luego si lo queréis hacer también a tono, pues tendrías que venir aquí, ver que está en re sostenido menor y empezar a hacer la línea de abajo. Creo lo único que tiene aquí un poco de tono como tal, pero ya está. Lo único importante realmente son los BPM. No sé si tenéis alguna duda más, si no, pues nos vamos a dormir.