Tutorial de Minimal Tech House con Ableton Live (+ Samples)

In all of life there is a rhythm all things living carry out this.

Tune.

And we are all connected like tides around the world Being pushed and pulled by an unseen force that stretches out to the moon yourself.

Muy buenas, ¿Cómo estáis? Aquí Alex de Produccion. Com y antes de empezar el vídeo de hoy os quiero enseñar un par de cosillas y es que como uno es un tío ordenado pues ya tocaba ir poniendo aquí un mueblecito porque tanto la luz esa como el router estaban en el suelo junto a un amasijo de cables. Seguramente los vídeos anteriores los habéis visto y otra cosa que he puesto es unas guirnalditas aquí detrás como si fuera navidad, pero bueno, las luces siempre molan, siempre están bien, Creo que este va siendo ya el setup final de youtuber. Así que nada, si os mola dejadme abajo en los comentarios qué tal, qué os parece, Quizás voy cambiando algunas cosas en un futuro, pero de momento estoy ya bastante contento como está quedando. El vídeo de hoy es bastante completito ya que vamos a ver temas de compresión, vamos a trabajar con vocal, procesamiento vocal, vamos a seguir viendo nuevas funcionalidades, nuevas prácticas con el shipperbox 2 y vamos a sintetizar desde cero un bajo, así que quédate aquí si no te lo quieres perder y vámonos para el tutorial. Antes de seguir deciros que tendréis disponible este proyecto de Ableton Live en la sección de recursos de producción online. Com si sois miembros Pro, así como todos los proyectos que hemos ido viendo a lo largo de todos los tutoriales de producción online aquí en el canal de YouTube. Por otra parte también podréis descargar la librería Tech House Groove 2 de producción online, que es la que vamos a utilizar en este proyecto para las pistas de percusiones. Vamos a irnos a la primera pista. La primera pista es el bombo. En este caso he escogido un bombo de la librería TE House Groove, como os comentaba y para temas de este estilo lo que suelo buscar es un bombo bastante completito, que le llamo yo, es decir, que tenga buen de cuerpo, que tenga bastante cuerpo y que también tenga pegada de tal manera que con una ecualización, con un EQ, pues pueda yo irlo esculpiendo si quiero que tenga un poquito más o menos de cada una de estas partes. Para este caso he buscado este bombo, bombo bastante potente y si os fijáis no he esculpido mucho, solamente he bajado un pelín aquí la ganancia en la sección de graves medios, 272 hercios aproximadamente. No he querido en este caso reducir un poco más, que es lo que normalmente suelo hacer para buscar un sonido de bombo más redondo y más limpio, porque para un género musical como éste a veces mola que el bombo sea más potente, tenga más cuerpo y sea un poco más guarrete, no sea todo tan nítido. Entonces, en este caso lo he dejado así. Detalle importante a tener en cuenta. La abrazadera está ubicada a 1, 2, 3, 4, a 4 compases, es decir, que me ocupa toda esta sección de aquí, que son cuatro compases. Cada compás son este grupito de cuatro barras, que son al final cuatro bombos, cuatro negras, ¿Veis? Fijaros, 1, 2, 3, 4, un compás, 1, 2, 3, cuatro, uno, dos, tres, cuatro. Y cada dos compases lo que hacemos es un redoble de bombo, ¿Vale? Es decir, aquí cada dos compases, pues en un tiempo, en una negra me suenan dos bombos en vez de uno. No tiene más. Vamos a la siguiente pista. La siguiente pista es un snare, y el snare tiene algo que estoy haciendo últimamente bastante en muchas percusiones, que es acortarlo. Fíjate, este sonido de forma original sonaba así, pero me parecía un snare demasiado largo para este tipo de producción, con lo cual lo que he hecho es primero todo, acortar el sample y jugar con el fade out de tal manera que queda algo así. Me da la sensación que empasta mucho mejor cuando suena junto al bombo y es más fácil luego de comprimir y de darle un pelín más de pegado, un pelín más de ataque y conseguir que este snare lo tengamos más en la cara. ¿Cómo hacemos esto? Pues muy sencillo, para ello utilizamos un compresor, en este caso utilizo el Clue Compressor, y la gracia para conseguir este efecto de pegada un poquito más de punchy, es trabajar con ataques largos, de acuerdo, o ataques lentos, como le queráis llamar, es decir, del 1 hacia arriba, hacia la derecha, ¿Vale? Y trabajar o bien en automático, con releases automáticos, o bien con releases cortos, que es lo suyo. En este caso con el automático me iba bien. El release, al fin y al cabo lo que le está diciendo al compresor es cuando tiene que dejar de actuar, por lo cual, si escogemos un release corto y un ataque largo, lo que estamos creando es una mayor dinámica en ese aspecto, en ese punto del sonido, en ese punto del sample, que significa que va a haber más distancia entre el punto más alto, entre el punto que suena más arriba, más alto, y el punto que suena más bajo dentro de un mismo sample, con lo cual conseguimos esto que se llama dinámica, agrandar la dinámica. Por lo cual, por lo contrario, perdón, si lo que hiciera yo es poner un release largo, un release lento, lo que haría es que el compresor tardaría más tiempo en dejar de comprimir, por lo cual lo que haría es, si, le estaría dando entrada, le estaría dando ataque, pero mantendría la compresión más prolongada durante el sonido, por lo cual no conseguiríamos ese efecto de dinámica, ese efecto de punching, de tener el sonido en la cara. Eso se consigue con releases cortos y ataques largos. Así que release corto, o sea, release en automático o release corto en dos o en cuatro, como queramos. Luego, threshold y makeup. Esto es un snare, no tiene mucha, mucha ciencia, lo ajustamos a gusto del consumidor. Recordad que no solamente se ajusta el nivel de esta pista con el makeup, tenéis un nivel de volumen aquí, no os flipéis con el makeup, no hace falta. Y nada, vamos a la siguiente pista. La siguiente pista es una percusión que únicamente estamos trabajando con un clip de audio cuya abrazadera está ocupando un compás. Hago especial énfasis con esto de las abrazaderas, de cuántos compases me está ocupando cada clip, porque luego me escribís y me decís, oye, es que he intentado replicar tu tutorial, pero mi patrón rítmico va mucho más rápido, no va acompasado igual que el tuyo, o me va mucho más lento. Y eso es porque no habéis seleccionado la abrazadera igual que yo. En este caso yo estoy trabajando con una abrazadera que me ocupa un compás, de tal manera que yo he puesto aquí mis dos perkus, yo le doy al loop, que esto es importante, y estiro y tiro millas y se me duplica por igual en todos los compases. ¿Qué ocurre si mi abrazadera me ocupa dos compases en vez de uno? Fíjate, le abro aquí los dos compases, le doy al loop, cuando yo estiro con el loop no se me duplica cada uno compás, se me duplica cada dos. Entonces, esto es algo que tenéis que tener muy en cuenta, fíjate, de hecho no he ajustado la abrazadera bien, me he ido un poquito más allá, cada dos compases sería aquí. Pero bueno, en este caso estamos trabajando cada compás, no os preocupéis porque yo seguiré diciendo a cada cuántos compases como de tiempo estoy ajustando cada una de las cosas, ¿Vale? Pero siempre, siempre, abrazadera ajustada a tempo, ajustada a lo que yo quiera y el loop activado, que esto es una de las cosas de Ableto Left que me gustan más porque nos permite ir duplicando y luego ir estirando cuando hagamos el Arrangement, la estructura del tema, ir tirando millas y que se me ponga allá donde yo quiero. Es por ello que nunca, nunca trabajo con samples directamente tiradas a la pista, porque luego tienes que irlos duplicando por grupos y a veces a lo mejor uno no te encaja en el punto donde tú quieres y es un poco follón y la verdad que Ableton Life tiene esta funcionalidad y a mí me va genial. Vamos a seguir a la siguiente pista. La siguiente pista es un hat cerrado que lo tenemos aquí, no, aquí abajo, perdón. Es el mismo hat que suena en el subidón y en este caso lo acompaño con otro hat cerrado que realmente es un shaker, es este de aquí. Pero me gusta mucho como suena, fijaros, es como un hat abierto, pero no llega a ser tan abierto porque realmente el hat abierto llega aquí, a la segunda parte del primer drop y suena así. Es un hat abierto que está paneado un pelín a la izquierda para darle un toque un pelín diferente. Hasta aquí un patrón rítmico de lo más sencillo, fácil y sencillo para toda la familia. Bueno, y el resto del proyecto también. Pero bueno, vamos a saltar ahora al bajo, quizás una de las pistas más importantes de este proyecto, pero no para nada difícil de hacer. Y suena tal que así. Voy a dejarlo junto al bombo para que lo escuchéis bien. Vamos a empezar por la parte midi en este caso. Fijaros, si habéis atendido a mi explicación sobre las abrazaderas y todo esto, habréis visto que este clip midi me ocupa medio compás, no uno, ¿Vale? Medio, fijaos. Un, dos, un dos, un dos, no, cuatro negras, dos negras me ocupa, es decir, medio compás, ¿Vale? ¿Por qué? Porque únicamente consiste en tres notas y las tres notas, pues las puedo ubicar en dos negras, básicamente, la cual pues las dos primeras notas me suenan en la primera negra aquí en la posición 1.1.2 y a la posición 1.1 y 4 segundos y luego la última nota se va a la posición punto 3 de la siguiente negra. Fijaros que no están puestas aquí milimétricamente en su posición, ¿De acuerdo? Porque le he aplicado un groove, un groove que me sirve para atrasar o adelantar las notas dentro de su posición, hace que naturalicemos un poquito más el patrón, el patrón rítmico. Es tan sencillo como venirse aquí a packs, nos venimos, voy a hacerlo desde el principio, venimos aquí a Swing and Groove y yo escojo las MPC, busco cualquiera de MPC y lo que hacemos es arrastrarla directamente al midi clip. Si no las queremos arrastrar al midi clip, pues las podemos arrastrar aquí donde pone Groove y seleccionar varias. Podemos poner varias, ir probando cómo queda cada una, pero yo voy a dejar la que tengo ya puesta, que es la que me gusta. Entonces, una vez que ya tenemos esto claro, vamos a irnos a la parte de diseño sonoro. Como no, estoy trabajando otra vez con Operator, un sintetizador nativo de Ableton Live en la versión suite, que me habréis visto utilizar mucho aquí en el canal porque la verdad es que me parece genial, me parece una bestia parda de sinte y la verdad que es un plugin muy interesante para empezar a aprender cómo funciona la síntesis FM, porque aparte de trabajar con varios tipos de síntesis, trabaja también con FM y puede trabajar también de forma híbrida con otros tipos de síntesis a la vez. Es que es una pasada. De hecho ya os digo, en la plataforma en producción online. Com tenéis dos cursos completos sobre Operator. El primero que es de síntesis FM con Operator, que nos sirve para saber qué es lo que hace cada una de las secciones de Operator y entender el concepto de la síntesis FM. Y luego el curso de Operator aplicado, que es la parte práctica de este curso, donde solamente creamos sonidos de principio a fin, tanto de bajos, leads, arpegios, percusiones incluso, porque la síntesis FM va muy bien para sintetizar percusiones. Pero bueno, no me enrollo mucho más, vamos otra vez al lío, al tema del bajo. Y bueno, lo que le caracteriza a este sonido de bajo es principalmente estamos trabajando con curvas ADS R, con envelopes de la señal de audio cortitas. ¿Qué significa esto? En este caso yo estoy trabajando con dos señales de audio, la señal de audio A y la señal de audio B. La C y la D no están trabajando, están apagadas. Lo que pasa que en la primera, tanto la primera como la segunda, la A como la B, estamos trabajando con señal senoidal. Pero fíjate que el bajo no suena supe, el bajo tiene armónicos, tiene potencia en medios y eso es porque la señal B está modulando a señal A. Y esto es una de las principales características de la síntesis FM, algo que no conseguimos con otras síntesis, es decir, que estas señales se puedan modular entre sí. Y para conseguir que este bombo tenga fuerza, notemos cada una de estas notas en el pecho, lo que hacemos es trabajar, como os comentaba, con curvas ADSR cortitas, sobre todo con el release de cada uno de estos osciladores cortitos. El release es este parámetro último que tenemos aquí y me determina al fin y al cabo la cola del sonido. Si yo hago un release largo, fijaros qué pasa, la cola del bajo se me alarga muchísimo, tanto que empieza a empalmar, a solaparse con la siguiente, con la siguiente nota, con lo cual se acaba creando como una especie de auto feedback que bueno, que crea una pelota de graves bastante complicada de procesar luego y de mezclar y al final lo que hace es que pierda fuerza el bajo. Entonces, importante trabajar con releases cortitos y también con sustain y decay cortito, que es este parámetro que tenemos aquí, tanto izquierda derecha, como para arriba y para abajo. Este para arriba y para abajo, para arriba, para abajo, sustain, izquierda, derecha, decay, no lo quiero tocar, que me gusta cómo suena, tal cual. Vale, perfecto. Una vez que tenemos esto claro, os voy a hacer un pequeño pantallazo de las dos señales por si queréis copiar los parámetros, ¿Vale? Que no voy a entrar mucho en detalle. Una vez que tenemos esto claro, vamos a saltar a la parte de la derecha, donde yo casi siempre trabajo con un filtro, con un tipo de circuito MS-2, el cual me permite trabajar con el filter drive, es decir, con la distorsión, con aplicarle un poquito de distorsión al propio filtro, lo que hace que el sonido cambie brutal. Imagínate, yo no tengo sin tener el filtro, suena muy abajo el bajo, pero si activo el filtro cambio el barbaridad. No hace falta que le añada ni un saturator, ni un decapitator, ni prácticamente nada. Lo único que le he añadido es un Glue Compresor, buscando lo mismo que le buscábamos al snare, es decir, enfatizar ese ataque, ese inicio de pegada del bombo, del bajo, perdón, para que sintamos el bajo en nuestro pecho. Aquí ¿Cómo lo conseguimos? Pues como os he dicho antes, ataques largos, releases cortitos, ratio. Una de las cosas que más me gusta del Groove Compressor es que no te permite calentarte mucho la cabeza. Te dice en función de la intensidad de compresión que quieras, pues tienes o poca compresión, dos o media compresión o mucha compresión. Yo siempre pongo cuatro, no me caliento mucho más. Y luego tres Colli Makeup al gusto del consumidor. En este caso tengo el soft clip activado porque está bastante cerrado el threshold y no quiero que me clipee la señal, ¿Vale? Que no llegue a distorsionar digitalmente. Entonces aplicamos el soft clip y ya está. Esto es una de las funciones que el compresor normal de Ableton Life no trae y que el Glue Compresor sí, y por ello muchas veces para casos como éste utilizo el Glue Compresor y el compresor normal de Ableton Live lo suelo utilizar principalmente para sidechain. Bien, vamos a ir a la sección vocal, que es quizás también otra de las pistas bastante interesantes de ver en este proyecto. Y es que aquí realmente solamente tenemos dos pistas, aunque aparentemente parezcan tres. Ahora os explicaré por qué. La primera pista es esta de aquí. Vamos a escucharla. Es una pista de Splice, ni más ni menos. No tiene procesamiento, no tiene nada más. Si os descargáis el proyecto de Ableton Live la tendréis dentro porque la recopilaré junto al proyecto. Y la siguiente pista es esta de aquí abajo. Como esta especie de efecto vocal, no tiene más, es esto. Y esta pista no viene ni más ni menos que de esta de aquí. Vamos a escucharla. Y diréis, ¿Cómo has conseguido ese efecto a raíz de esta pista? Pues otra vez, lo siento si soy muy pesado, pero es que es uno de mis plugins favoritos últimamente, de verdad, el Shaperbox. Vamos a abrirlo. Vamos a seleccionar un preset cualquiera. En este caso no me acuerdo qué preset utilicé para el resultado final porque eliminé la pista antes de empezar a grabar, pero bueno, imaginaros que estamos trabajando con un Motion Rhythm. Cualquiera de los tres motion rhythm están bien. Vamos a poner el 2. Vamos a activarlo y vamos a ver qué efecto tenemos. ¿Veis esa como cola pasada por el Time, por el componente Time que me queda aquí justamente en estos espacios es lo que vamos a aprovechar? Entonces, el procedimiento va a ser el siguiente. Vamos a abrir una pista de audio nueva, como la que tengo aquí, y le voy a decir que la entrada sea esta pista, mi pista original, en este caso la 11. Vamos a armar grabación aquí a la derecha y vamos a grabar el resultado de la pista original pasada por el Shaper Oaks. Vamos a grabar cuatro compases, no hace falta más. Ya está. Aquí vemos dos detalles a tener en cuenta. El primer detalle dirás, ¿Por qué lo has hecho en una pista aparte, lo has volcado en una pista aparte y no empiezas a trabajar directamente bajo esta pista, la cual ya está procesada? Pues bien, el motivo es porque Shipperbox es un procesamiento, un procesador de efecto a tiempo real. Significa que en este caso me va a estar trabajando en base a un margen. En este caso en concreto me trabaja en una longitud de una barra, es decir, de un compás de cuatro negras. Y esto significa que todo va a ir bien siempre y cuando yo reproduzca el sample desde el principio, desde aquí. Pero si en un momento dado a mí me da por reproducir el sample a mitad, por ejemplo aquí, vemos que ya el efecto no es el mismo. Y eso significa a que shaperbox no entiende en qué momento del sample tú estás reproduciendo. Simplemente en margen a una longitud, él empieza a actuar y empieza a actuar en función de lo que le hayamos configurado aquí. Esto es como una especie de LFO que yo puedo empezar a modular de forma manual. Entonces, manera de no tener problema a la hora de empezar a manipular ese resultado. ¿Que es lo que vamos a hacer ahora? Pues es volcarlo todo a una pista nueva y ya está. Y nos curamos en salud. En este caso ya lo tenemos aquí. El segundo punto a tener en cuenta es que como veis, tenemos una señal bastante débil, algo muy fino. Y esto es normal, porque al fin y al cabo lo que acabamos de grabar es esta especie de cola de efecto. Así que lo que vamos a hacer es entrar dentro del clip de audio, nos venimos aquí a la sección de volumen y le damos un poquito más de amplitud. Tan sencillo como esto. Entonces, el procedimiento que yo he seguido en este caso, pues ha sido cortar aquellas partes que no me interesan, por ejemplo esta, me quedé con esta primera parte, me quedé con esta segunda parte, ya os digo, esto no es exacto porque el preset era otro directamente, así que el efecto resultante es otro, pero bueno, más o menos he hecho algo similar, ¿Vale? Algo parecido a esto podríamos decir. Entonces, una vez que yo ya tenía esto hecho, he decidido en qué patrón rítmico quería que sonara, es decir, aquí y aquí, y luego aquí y aquí, entonces, si esto y esto es lo mismo que esto y esto, pues lo que tendré que hacer es duplicar toda esta primera parte. Pues aquí puedo hacer dos cosas, o bien consolido y agrupo estas dos partes, comando J o Ctrl J, entro aquí dentro, activo el modo loop y me lo llevo otros cuatro compases más o hasta el infinito y más y más allá, ¿Vale? Se me va a duplicar bien, es la gracia de trabajar con el loop, por eso soy tan pesado con esto, o bien, otra manera de trabajar, que es la que realmente yo he hecho es, pillo esto, siempre seleccionando, veis esta parte de arriba, Comando D o Ctrl D, duplico, me creo lo mismo pero duplicado, cuatro barras más y ahora selecciono todo y hago Comando J o Ctrl J, es exactamente lo mismo, no hay nada. Entonces, una vez que ya tenemos esto, ya tendríamos este resultado final, lo único que he hecho es enviarle un poco a reverb y ya está. Así que una vez que ya hemos visto el ejemplo, vamos a eliminar estas dos pistas, que os la he dejado únicamente a modo de tutorial para enseñároslo, y vamos a saltar a las dos últimas pistas. Las dos últimas pistas son las vocales principales, son estas dos que encontramos aquí, vamos a hacer una pequeña escucha y dirás, ¿Por qué la has duplicado? ¿Por qué están sonando las dos pistas a la vez? Pues bien, en este caso estoy haciendo una técnica de procesamiento de efecto paralelo, procesamiento de shipperbox paralelo, vamos a decirle. A lo mejor alguna vez habéis escuchado la técnica de compresión paralela, y se hace este tipo de técnicas cuando queremos incidir sobre un sonido con un efecto de manera bastante agresiva, pero a la vez queremos mantener la claridad y la nitidez de ese sonido de forma original, con lo cual se duplican las dos, una se le mete un efecto a saco, la otra se deja normal y se hace que las dos suenen a la vez. Entonces, de fondo tienes esa pista con todo ese efecto heavy, por así decir, mientras que mantienes la original para que escuches con claridad lo que es. En las vocales es algo que se utiliza mucho, porque si yo aplicara un efecto muy heavy sobre la vocal, al final yo no percibiría bien la vocal. Y esto es ni más ni menos lo que hemos hecho. Aquí tenemos una segunda pista, la cual le he aplicado, como no, un shaperbox con un preset bastante heavy que hace que tengamos este resultado. Si os fijáis, es un efecto bastante más heavy que el primero y suena muchísimo más bajo que el otro. ¿Por qué? Porque lo queremos como back in vocal, como vocal de fondo. Entonces, en el conjunto de los dos conseguimos que suene así, mantenemos la claridad de la vocal y de fondo tenemos el efecto. No obstante, la vocal limpia, por así decir, sigue teniendo un shaperbox que me gusta mucho, pero únicamente tiene el efecto este de Time, es el que hace que suene como si hicieras un scratch de fondo cada vez que acaba la frase. ¿Veis? Pero queda bien, queda fino, no se carga demasiado el sonido. Así que una vez que ya hemos visto esto, vamos a hacer una escucha final de cómo suena otra vez el resultado y vamos a dejar aquí detalles que no os he comentado. Aquí he puesto este shop vocal sacado de la vocal principal que dice Fact Yourself para diferenciar entre esta primera parte y esta segunda parte. Y luego aquí en el bajo, si os fijáis, he hecho una automatización del volumen de tal manera que en el paron pues suena un pelín más bajo que en el drop, para darle un poquito esa diferencia y que se perciba más gordo o más grande cuando entra el drop. No tiene más. Bien, y hasta aquí el tutorial, espero que os haya gustado. Si ha sido así, dadle un like bien grande, suscribiros al canal si todavía no lo estáis y recordad que si queréis descargar tanto este proyecto de Ableton Live como muchísimos más que hemos ido viendo a lo largo de los tutoriales aquí en YouTube, solamente tenéis que ser miembros pro de la academia de producción online. COM que además os va a servir para acceder a más de 300 vídeos que hay actualmente distribuidos en cursos de producción, composición, mezcla, mastering. Y además ahora hemos añadido nuevos vídeos de promoción de artistas, promoción de música y creación de sellos discográficos que están impartidos por Baum, que es el ANR, la persona que gestiona el sello de Elro Music. Así que sin más, un abrazo a todos, cuidaros de todo lo malo de esta vida y nos vemos en el próximo vídeo. Hasta luego.