¿Y si la mezcla no es tan difícil como te han hecho creer?

¿Qué pensarías si te digo que mezclar una canción y que suene realmente bien es bastante más fácil de lo que la gente suele pensar? Y no me malinterpretes, con esto no quiero decir que mezclar una canción o masterizarla a nivel profesional no requiera de pericia y no requiera de una dirección por parte de la persona que lo está haciendo, pero me da la sensación que hay muchas personas, sobre todo aquellas que están empezando a aprender, que gastan demasiado tiempo en buscar técnicas complejas o en encontrar el siguiente plugin que vaya a solucionar su canción cuando realmente es todo mucho más sencillo que eso. Al final hay una industria detrás de todo esto que de alguna manera le interesa hacerte creer que esto es más complicado de lo que realmente es y aquí cada uno que saque sus conclusiones. Así que en el vídeo de hoy te voy a enseñar lo que es, al menos para mí, el pilar de una buena mezcla y creo que te vas a sorprender bastante de lo extremadamente fácil que es y estoy seguro que si estás atento hasta el final de este vídeo tus canciones pueden empezar a sonar mejor. Así que prepárate que vamos para allá. Bien, la base de una buena mezcla son principalmente dos. La primera es la selección de sonidos, es decir, puramente producción musical. Es por ello que la gran mayoría de vídeos que vas a ver en este canal de producción online son principalmente de producción musical, técnica, creativas y construir ese criterio que realmente hace falta para saber qué sonidos encajan naturalmente entre sí y cuáles no, y saber qué realmente necesita tu canción para que suene completa o suene con la dirección en la cual se ha ideado esa canción. Y esto no me cansaré de decirlo por más que en Internet funcionen muchísimo más y venda mucho más los vídeos de mezcla y mastering que los vídeos de producción musical, porque esto es algo que realmente siento que es así y a más tiempo pasa, a más aprendo, pues más me lo confirmo. Pero bueno, seguimos hacia adelante. Imagínate que ya tienes una buena selección de sonidos y quieres empezar lo que es la mezcla como tal. Pues bien, lo más importante y donde se va a sostener toda la mezcla no es ni más ni menos que en el balance de los volúmenes. No es una configuración concreta en un plugin, ni subir o bajar 0,2 dB en un proceso concreto que al final nadie se va a dar cuenta salvo tú. Y a la que pasan unos días después de que lo hayas hecho, no te darás cuenta ni tú mismo de esos detalles. Lo que realmente el público se va a dar cuenta, donde tú vas a sentir realmente la diferencia, es en el balance general de todo tu proyecto. Vámonos a Ableton y te voy a enseñar un sistema sencillito que vas a poder replicar después de ver de este vídeo. Paso 1 me aseguro que en el master no tengo absolutamente nada que puede interferir en la dinámica, es decir, ni compresores, ni limitadores, ni saturación, ni cadenas de mastering, ni plugins de mastering, nada. Al menos que estén activados. Yo aquí lo que tengo es un medidor de luz, esto siempre está bien y no afecta al sonido. Pero ojo, con esto no significa que no vayamos a utilizar ningún plugin en el master, lo veremos más adelante, quédate y lo verás. Siguiente paso. Vamos a hacer un solo en la pista que considere que sea más fundamental en esta mezcla o la que me interese que sí o sí tenga una presencia especial en un tema de música electrónica de club como el que vamos a ver en este proyecto. Pues suele ser el kick. Así que me voy a venir aquí a la vista sesión y lo que voy a hacer es asegurarme que está llegando a más o menos unos menos 6 dB por aquí. Fíjate que realmente el nivel del fader no tiene por qué corresponderse al nivel al que acaba llegando el volumen, así que me tengo que fijar en el puntito en el que llega, en el que pica en este punto, este nivel y el nivel del master, es decir, el nivel de pico es el mismo. Pero esto va a empezar a variar en función de que vaya añadiendo más pistas. ¿Con qué criterios sigo añadiendo más pistas? Pues venga, vamos a trabajar en cascada. ¿Cuál es el siguiente elemento más importante? Pues en este track en concreto quiero que sea el bajo. Ahora veréis por qué no siempre tiene que ser el bajo, pero en este caso es el bajo, este de aquí. En este caso un balance que normalmente suele funcionar es que esté 6 dB por debajo del kick, es decir, a menos 12. Si te fijas, nos estamos guiando directamente con los niveles que nos aparecen marcados en los faders, no nos complicamos mucho más. En algunas ocasiones puede ser que acabemos configurando el bajo un poquito por arriba o un poquito por abajo. A medida que vayamos añadiendo más elementos veremos si necesitamos levantarlo más o al contrario, bajarlo. Vamos con las siguientes pistas, por ejemplo, unas percusiones que tengo por aquí y las subimos. Principalmente vamos a trabajar entre este recuadro que vemos aquí, es decir, entre menos 6 y menos 18 dB principalmente la cosa no se va a mover de ahí y es importante que trabajemos siempre en estos niveles altos del fader y no trabajemos con niveles demasiado bajos. Y te explico por qué, porque esto es importante. Si tú te acostumbras a trabajar con niveles muy bajitos, verás que aquí, en la parte baja de los faders, el espacio que hay físico entre dv es mucho menor que el espacio que tenemos aquí arriba, por lo cual va a ser mucho más difícil ser precisos aquí abajo porque físicamente tenemos menos espacio. Esto es porque el volumen, que en este caso se mide con decibelios, no trabaja sobre una escala lineal, sino que trabaja sobre una escala logarítmica. Esto significa que cada incremento de 6 dB aproximadamente duplica la energía del sonido, pero no lo percibimos como el doble de fuerte. Esto nos sirve porque si el fader fuera lineal tendríamos unos saltos muy bruscos de sonido cuando trabajásemos en niveles altos, algo que sí ocurre en los niveles más bajitos, pero al ser niveles bajitos, pues no es tan dramático y apenas tiene un efecto audible. Después de este paréntesis friki sonoro, sigamos. Vamos a añadirle parte del sample del hook principal de esta canción de Willy Colón. Yo creo que un poquito del bajo, es decir, un poquito por debajo de 12 puede estar bien, porque este es un tipo de house. Ahora veréis que me interesa que el bajo suene bastante. Vamos a por las cuerdas. Venga. Y ahora vamos a por los hi hats. Este sí que necesito subirlo bastante porque si no sería imperceptible. Y también es una pista que quiero que tenga pegada, que se note que está así que por encima de menos 12. Fijaros que ahora con la mezcla de todos los volúmenes estamos llegando a un pico de menos 4,15. Incluso tampoco pasaría nada si llegásemos a menos 3 o a menos 2. Y esto quizás te está rompiendo un poco los esquemas, porque puede ser que durante el tiempo hayas escuchado que hay que dejar las mezclas a unos 6 dB. Si, esto tiene sentido, sobre todo si tu mezcla lo va a acabar masterizando un estudio externo u otra persona. Pero si realmente tú vas a acabar haciéndote tus mezclas y tus masters, el mero hecho de que te dejes menos 6 dB o menos 3 o menos 2 es totalmente indiferente. De hecho mi recomendación o lo que a mí más me funciona es llegar en las mezclas lo más alto posible y dejarme lo justo para luego pues limitar o hacer cuatro ajustes en el mastering para más volumen llegue desde la mezcla, más volumen, más loudness voy a conseguir finalmente, o al menos de una forma más sencilla y sin forzar tanto la maquinaria. ¿Que es lo que tendría que hacer con un limitador o con un plugin de este tipo para hacer que suba el Load Ness Final? Vamos a verlo. Yo por regla general para hacer masterings pues utilizo el Got Particle y el Got Particle tiene un nivel de entrada que te dice dónde tienes que entrarle, es decir, si yo entro a un nivel muy bajo, el Got Particle me va a decir que le estoy entrando demasiado bajo, fijaos, cuidado que va a subir el volumen, es decir, si yo en vez de estar entrándole a menos 4, menos 3 dB, le estuviese entrando 2 o 3 dB por debajo, es decir, ponle a unos menos 6, menos 7, no estaría entrando con la señal suficiente para que Got Particle trabaje como está diseñado para trabajar. Y creerás que esto es una cosa solamente de este plugin, pero realmente he hecho la prueba con otros plugins de mastering o incluso directamente con limitadores tanto nativos de Ableton Live como por ejemplo pues el Pro L de Fabfilter y otros, y solamente con tener ese espacio de db ya funcionan bien. De hecho fíjate como el propio Got Particle ya tiene una señal de entrada, que esto es como si directamente tuviésemos este utility justamente antes del Got Particle, para que en el caso de que te quedes corto o entres pasado, pues puedas acabar de ajustar el nivel. En este caso hemos entrado perfe y aún así tal y como estamos entrando me va a permitir poder subir el amount y que suene aparentemente mejor sin destrozar demasiado la señal. Incluso puedo jugar con estas dos perillas, el límite y el output, para conseguir un pelín más de luz de volumen final. Puedo jugar con el limitador final de la cadena interna que tiene este Got Particle, que al fin y al cabo es una secuencia de diferentes procesos para darle un pelín más de loudness de volumen final, ¿Vale? Y ahora solamente con este plugin pues estamos llegando a unos menos 6,5 lunando relativamente bien, estable y sin destrozar la señal y de una manera hipersencilla. Alex, pero no tengo el Got Particle que es de mi vida, qué puedo hacer conmigo por dios. Pues nada, no te preocupes, tienes dos opciones en Ableton Live que funcionan bastante bien. La primera es trabajar con el propio limitador, en este caso la nueva versión que viene con Ableton Live 12 y lo pones en modo Maximize, que hace que tenga un funcionamiento muy similar a Pro L de FabFilter, este de aquí. Y haremos lo siguiente, empezaremos a subir el Threshold, que en este caso estamos induciendo ganancia, hasta que vemos que empezamos a tener reducción de ganancia. Si yo me pasara mucho reduciríamos demasiado la ganancia, estaremos chafando demasiado la señal, pues buscas el punto medio en el que te dé el máximo volumen posible sin llegar a cargarte la movida. La otra opción más fácil aún y que quizás me gusta más es utilizar el Color Limiter, que si no te viene incluido en tu versión de Ableton Live te la puedes bajar con la Creative Extensions directamente de Ableton Live, que es totalmente gratis, te voy a dejar enlace aquí en la descripción del vídeo. Y en este caso simplemente vas a meterle Lowness y es directamente como trabajar con el Threshold o trabajar con la ganancia del Pro L de FabFilter, le metes hasta que la maquinaria te permita. En este caso sigo prefiriendo el Got Particle porque normalmente suele funcionar bastante bien y como te digo, no solamente es un limitador, sino que también es una cadena procesamiento, por eso notas que suena pues un poquito más abierto, un poquito más brillante el sonido. Y con esto como puedes ver ya tienes el 90 y pico por ciento de tu mezcla encaminada, sobre todo si eres tú quien va a acabar masterizando tu propio track, no tiene mucho sentido que te dejes niveles de headroom muy grandes en la mezcla y que luego tengas que recuperarlos a base de meterle ganancia. Con un limitador o con varios limitadores puedes llegar ya a buenos niveles directamente desde la mezcla mezcla y no saturar tanto los procesos luego que vayas a poner en el mastering y seguramente vayas a conseguir un resultado más nítido, más alto y salvaguardando mejor la calidad de tu canción. Si quieres aprender más sobre producción de música electrónica te dejo enlace a nuestra academia online aquí en la descripción de este vídeo. Y por lo demás, espero que te haya gustado la sesión de hoy. Déjame en los comentarios qué te ha parecido, si ya trabajabas así o si tienes alguna otra idea que nos pueda retroalimentar a todos y así aprendemos.